¡Rogando por respuestas a ejercicios extraescolares sobre historia del arte y el diseño extranjeros! ! ~urgente

Movimiento británico "Arts and Crafts"

1. William Morris y sus seguidores

(1) Antecedentes del movimiento Arts and Crafts:

Contradicción: mecánica El producto es feo y de mala calidad + está decorado por motivos decorativos.

(2) El origen del Arts and Crafts Movement: un movimiento de diseño de la segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por la búsqueda de patrones naturales y estilo gótico, con el objetivo de mejorar la calidad del producto y revivir la tradición del diseño de la artesanía.

(3)El fundador del Movimiento de Artes y Oficios: ¿William? Morris

Obras arquitectónicas: La Casa Roja fue una casa de bodas recién construida en 1859. Diseñado por los diseñadores Weber y Morris. Ya en 1865, Jones afirmó en "La sintaxis del ornamento": "La belleza de la forma proviene de las ondas ondulantes y las líneas entrelazadas". La teoría y la práctica de Dreiser, especialmente su diseño de productos metálicos, son simplemente el precursor directo de lo nuevo. arte.

(4) Características del estilo del Movimiento Arts and Crafts:

A. Énfasis en la artesanía y clara oposición a la producción mecanizada.

B. En decoración, oponerse al pretencioso estilo victoriano y otros estilos revival de las tradiciones clásicas. Defendiendo las características del naturalismo, la decoración oriental y el arte oriental, se utiliza una gran cantidad de hierba rizada, flores y pájaros como motivos decorativos.

c Defiende el estilo gótico y otros estilos medievales, y presta atención a la sencillez, la sencillez y la buena funcionalidad.

d Promover la sinceridad en el diseño y oponerse a la tendencia del diseño sensacionalista y llamativo.

(5) Principios del diseño:

A. Popularización del diseño: El diseño de producto y el diseño arquitectónico son movimientos que sirven a millones de personas, no a unas pocas.

B. Trabajo en equipo: El trabajo de diseño es una actividad colectiva, no individual.

2. Principales logros del Movimiento Arts and Crafts

(1) Arquitectura e interiorismo. La arquitectura y el diseño de interiores fueron los primeros campos influenciados por el movimiento Arts and Crafts.

Edificio Los Angeles Brothers Grimm-Genberg

(2) Diseño de mobiliario, este es el campo con mayor influencia del Arts and Crafts Movement.

Estilo: conciso, sencillo y ligero.

Figura representativa: ¿Carlos de Inglaterra? En la práctica, Woze está cerca de la esencia del movimiento Arts and Crafts: producción en masa y popularización

(3) El diseño cerámico es para exhibición y apreciación, tiene poca practicidad y está ocupado experimentando con nuevas tecnologías cerámicas. .

Características: Utilizando formas naturales y orgánicas como plantas.

Representante: Coleman Lockwood Ceramics Factory

(4) Diseño artesanal en metal, una combinación perfecta de tecnología y arte

Características: Fuerte sentido de modernidad, estilo gótico , forma geométrica, forma gruesa, producción artesanal, producción industrial.

Representante: ¿Charles? ¿Roberto? La cubertería de plata de Abis adopta en su mayoría líneas esbeltas y onduladas.

Movimiento Art Nouveau

Movimiento Art Nouveau: Es un movimiento de arte decorativo que surgió y se desarrolló en Europa a finales del siglo XIX y principios del XX.

La motivación subyacente del Art Nouveau fue una ruptura con el eclecticismo desordenado y una búsqueda excesiva del verdadero naturalismo. El movimiento Art Nouveau defiende que el arte actual debe basarse en la realidad, abandonar elementos de estilos antiguos y crear nuevos estilos con vitalidad juvenil y modernidad. Al mismo tiempo, al aprender de la naturaleza, se propone encontrar las raíces esenciales más profundas de las creaciones naturales y explorar los procesos internos que determinan el crecimiento y desarrollo de animales y plantas. El estilo Art Nouveau más típico se extrajo de plantas naturales. Las formas fluidas y las líneas sinuosas están llenas de vitalidad interior, reflejando el interminable proceso creativo contenido en las formas superficiales de la vida natural.

Hay muchos factores que contribuyeron a la aparición y desarrollo del movimiento Art Nouveau.

El primero son los factores sociales. Desde la guerra franco-prusiana, Europa ha disfrutado de un largo período de paz y de condiciones políticas y económicas estables. Muchos países recién independizados o unificados están tratando de unirse a los pueblos del mundo y entrar en el mercado internacional ferozmente competitivo, que requiere una forma nueva y no tradicional de expresión artística.

Culturalmente, la filosofía del llamado "Arte Holístico" es muy popular entre los artistas que se esfuerzan por integrar todos los aspectos de las artes visuales, incluyendo la pintura, la escultura, la arquitectura, el diseño gráfico y la artesanía, con las formas naturales. conjunto.

Técnicamente, los diseñadores están muy interesados ​​en explorar nuevos materiales estructurales, como el hierro fundido.

Para los propios artistas, el Arte Nuevo reflejaba su disgusto por el historicismo y la mentalidad de que un nuevo siglo necesitaba un nuevo estilo para interactuar con él. El surgimiento del Art Nouveau pasó por un largo período de gestación, y muchos historiadores del diseño de renombre creen que la cultura británica allanó el camino para el Art Nouveau, aunque por diversas razones, la propia Gran Bretaña no era un país donde este estilo hubiera madurado.

El Art Nouveau enfatiza el entorno artístico general, es decir, cualquier factor humano en el entorno visual humano debe diseñarse cuidadosamente para lograr un efecto artístico general armonioso.

El Art Nouveau se opuso a cualquier división y jerarquía en los campos del arte y el diseño. Creía que no había distinción entre el arte grande y el arte pequeño, no había arte práctico y el arte puro. crear una única "obra de arte", sino que debe crear un arte integral que proporcione un entorno adecuado para la vida social. La actitud del Art Nouveau hacia la industria era algo engañosa. Fundamentalmente, el Art Nouveau no se oponía a la industrialización. El ideal del Art Nouveau era ofrecer una elegancia moderna al público más amplio posible, por lo que la industrialización era inevitable. Samuel Bean (1838-1905), figura central del movimiento Art Nouveau, creía que "las máquinas desempeñarán un papel importante en el desarrollo de los intereses públicos". Sin embargo, al Art Nouveau no le gustaba ser demasiado simple y abogaba por conservar algunos elementos decorativos vitales. Esto suele ser difícil de lograr en la producción en masa. De hecho, debido a la naturaleza experimental y la complejidad de las nuevas obras de arte, no son adecuadas para la producción mecánica y sólo pueden fabricarse a mano. Por lo tanto, son caras y sólo unos pocos consumidores adinerados pueden patrocinarlas.

Ya en 1865, Jones afirmaba en el libro "La sintaxis del ornamento": "La belleza de la forma proviene de las ondas onduladas y las líneas entrelazadas de la teoría y la práctica de Dreiser, especialmente su trabajo sobre El diseño". La fabricación de productos metálicos es simplemente el precursor directo del Art Nouveau. Sin embargo, fue el movimiento británico Arts and Crafts el que tuvo el impacto más profundo en el desarrollo del Art Nouveau. Morris enfatizó la coherencia y coordinación de los factores decorativos y estructurales, por lo que lo abandonó. apego pasivo a la modernidad. Los patrones decorativos tradicionales estructurales abogan firmemente por el uso de decoración con temas naturales, creando un proceso de refinamiento de formas naturales, patrones lineales suaves y formas vegetales. Los diseñadores del Art Nouveau llevaron este proceso al extremo.

Las ideas del Movimiento Arts and Crafts fueron ampliamente difundidas por todo el continente europeo a través de diversas exposiciones y publicaciones. Aunque el movimiento Arts and Crafts era antiindustrial, en el continente europeo las actitudes antiindustriales fueron relativamente leves y eventualmente giraron hacia la aceptación de la mecanización en la búsqueda de ideales sociales estéticos, lo que eventualmente condujo a un amplio movimiento de diseño centrado en el Art Nouveau y el Art Nouveau. en Alcanzó su clímax durante 1890-1910.

Los estilos del Art Nouveau fueron diversos. En diferentes países europeos tienen diferentes estilos e incluso diferentes nombres.

El término "Art Nouveau" es una palabra francesa que lleva el nombre de Francia, Países Bajos, Bélgica, España e Italia, lo llaman "Jugendstil", y Viena y Austria lo llaman "Separacionismo". Los países escandinavos lo llaman el "Movimiento de Artes y Oficios".

En términos de características de estilo, las nuevas obras de arte en Francia, Bélgica y España tienden a ser artísticas y enfatizan la belleza formal, mientras que los países nórdicos de Alemania, Austria y Escandinavia tienden a estar orientados al diseño. y enfatizar la racionalidad y la belleza estructural y funcional.

Reynaud: La obra clásica "El pecho de la mujer de la libélula" es la joyería más típica del periodo Art Nouveau. La inspiración original vino de la naturaleza. Impulsado por la curiosidad y la sed de conocimiento, se integró en el mundo, intentando explorar cada detalle y explorar todos los elementos de la naturaleza que pueden servir para decoración.

Figuras femeninas, mariposas, polillas, libélulas... Las obras de joyería de René Lalique incorporan diversas temáticas peculiares y reflejan su amor por la naturaleza. Los insectos han vuelto al tema de la belleza, e incluso las avispas, los escarabajos y los saltamontes pueden mostrar su encanto poco conocido. Reni Larique es un mago increíble. Es experto en capturar detalles exquisitos y sutiles para decorar sus amadas joyas y explora cómo transformar materiales comunes en obras maestras espirituales.

Horta (1867-1947) y Wilde (1863-1957) son las dos figuras más representativas del movimiento Art Nouveau belga. Al arquitecto Horta le gusta utilizar líneas retorcidas, parecidas a enredaderas, en arquitectura y diseño de interiores. Esta línea ondulante y poderosa se convirtió en una característica representativa del Art Nouveau belga y se llamó "Línea belga" o "Línea de látigo".

Otro representante del movimiento Art Nouveau francés es Germade (1867-1942). El período comprendido entre finales de la década de 1990 y 1905 fue un período importante para su diseño como miembro importante del movimiento Art Nouveau francés. El trabajo más influyente de Jimad fue su diseño para el Metro de París. Estos diseños dieron al Art Nouveau su apodo más famoso: "Estilo Metro". "Metro Style" es bastante similar a "Belgian Line". Las barandillas, farolas y bolardos en la entrada del metro adoptan patrones de plantas onduladas y rizadas. El café diseñado por Jimad en 1908 es también un diseño típico del Art Nouveau.

Además de París, Nancy, Francia es también el centro del movimiento Art Nouveau.

El movimiento Art Nouveau de Nancy fue impulsado principalmente por el diseñador Emile Galle (1846-1906).

¿Antonio? Antonio Graudi (1852-1926) fue una figura representativa del movimiento Art Nouveau español. Es un arquitecto romántico. Sus diseños famosos incluyen la Sagrada Familia y los Apartamentos Mira.

El diseño de Gaudí tiene un fuerte sabor expresionista. Las esculturas de estalactitas y piezas decorativas dentro y fuera de la Sagrada Familia, así como las vidrieras y piedras adheridas a ellas, hacen que parezca un edificio mítico. Mira Apartment también utiliza curvas onduladas horizontales para formar paredes y balcones. Las partes sobresalientes utilizan la forma natural de los tallos de las plantas para formar un todo unificado con el edificio. Parece ser un arte escultórico perfecto, ya que casi no hay líneas rectas ni planos. , los muebles del apartamento deben ser diseñados y fabricados especialmente.

Los Apartamentos Mira

Barcelona, ​​España, 1906-1910

Los Apartamentos Mira fueron planteados como un “modelo” de arquitectura residencial durante el ensanche urbano de Barcelona en el siglo XIX. La casa consta de dos patios de forma libre. Underground era un estacionamiento subterráneo para residentes, ¡lo cual fue una innovación absoluta en ese momento!

El marco principal se construye con un sistema de arriostramiento de hierro, lo que permite tener una fachada independiente a la calle. Otra característica especial es la construcción de la bóveda parabólica de ladrillo. El techo se vuelve ondulado debido a los diferentes tamaños de los arcos. Este techo es famoso por sus fantásticas chimeneas y respiraderos.

Sagrada Familia

Barcelona, ​​España, 1883-1926

Gaudi pasó la mayor parte de su vida diseñando la Sagrada Familia, y este edificio se convirtió en su El más Reflexión importante en la vida de un arquitecto. La cripta y el coro exhiben el estilo neogótico, formando el origen estilístico de todo el esquema.

La fachada este completada por Gaudí durante su vida es mundialmente famosa por su forma fantástica, que también hizo famoso al propio arquitecto en la historia.

Lo más impresionante es la nave de la iglesia, para la que Gaudí diseñó muchos modelos diferentes y aún hoy se construye. He aquí un nuevo lenguaje formal completamente liberado de la decoración. La forma geométrica hiperboloide extraída de la naturaleza le da el poder de declarar. Este lenguaje formal inspirado en la naturaleza, rico en simbolismo cristiano, se expresa en la cantidad de torres, innumerables esculturas y sutiles vitrales que aún se encuentran en obras.

"¿Quieres saber dónde encontré la muestra? Un árbol alto, que sostiene el tronco, que sostiene las ramas, y las ramas sostienen las hojas. Desde que el artista Dios las creó, cada una es independiente Todas las partes han crecido armoniosamente y poderosamente”.

En la época en que prevalecía el funcionalismo, las obras de Gaudí siempre fueron ignoradas. Después de la Segunda Guerra Mundial, el auge de la "arquitectura orgánica" lo convirtió en un pionero de esta tendencia. ¿Un famoso arquitecto contemporáneo? Corbusier lo llamó "pionero del posmodernismo" y, desde cierta perspectiva, era bien merecido.

McIntosh (1868-1928) fue un arquitecto y diseñador en Glasgow, Inglaterra. Fue único en el diseño británico de finales del siglo XIX y tuvo una importante influencia en el movimiento de reforma del diseño austriaco "Secesión" en Viena.

Ya en 1865, Jones afirmaba en el libro "La sintaxis del ornamento": "La belleza de la forma proviene de las ondas onduladas y las líneas entrelazadas de la teoría y la práctica de Dreiser, especialmente su trabajo sobre El diseño". La fabricación de productos metálicos es simplemente el precursor directo del Art Nouveau. Sin embargo, fue el movimiento británico Arts and Crafts el que tuvo el impacto más profundo en el desarrollo del Art Nouveau. Morris enfatizó la coherencia y coordinación de los factores decorativos y estructurales, por lo que lo abandonó. apego pasivo a la modernidad. Los patrones decorativos tradicionales estructurales abogan firmemente por el uso de decoración con temas naturales, creando un proceso de refinamiento de formas naturales, patrones lineales suaves y formas vegetales.

Los diseñadores del Art Nouveau llevaron este proceso al extremo.

Hay muchos factores que contribuyeron a la aparición y desarrollo del movimiento Art Nouveau.

El primero son los factores sociales. Desde la guerra franco-prusiana, Europa ha disfrutado de un largo período de paz y de condiciones políticas y económicas estables. Muchos países recientemente independizados o unificados están tratando de unirse a los pueblos del mundo y entrar en el mercado internacional ferozmente competitivo, que requiere una forma nueva y no tradicional de expresión artística.

Culturalmente, la filosofía del llamado "Arte Holístico" es muy popular entre los artistas que se esfuerzan por integrar todos los aspectos de las artes visuales, incluyendo la pintura, la escultura, la arquitectura, el diseño gráfico y la artesanía, con las formas naturales. conjunto.

Técnicamente, los diseñadores están muy interesados ​​en explorar nuevos materiales estructurales, como el hierro fundido. Para los propios artistas, el Arte Nuevo reflejaba su disgusto por el historicismo y la mentalidad de que un nuevo siglo necesitaba un nuevo estilo para interactuar con él. El surgimiento del Art Nouveau pasó por un largo período de gestación, y muchos historiadores del diseño de renombre creen que la cultura británica allanó el camino para el Art Nouveau, aunque por diversas razones, la propia Gran Bretaña no era un país donde este estilo hubiera madurado.

El Art Nouveau enfatiza el entorno artístico general, es decir, cualquier factor humano en el entorno visual humano debe diseñarse cuidadosamente para lograr un efecto artístico general armonioso.

El Art Nouveau se opuso a cualquier división y jerarquía en los campos del arte y el diseño. Creía que no había distinción entre el arte grande y el arte pequeño, ni el arte práctico y el arte puro, y que los artistas nunca deberían dedicarse únicamente a sí mismos. no crear una única "obra de arte", sino crear un arte integral que proporcione un entorno adecuado para la vida social. La actitud del Art Nouveau hacia la industria era algo engañosa. Fundamentalmente, el Art Nouveau no se oponía a la industrialización. El ideal del Art Nouveau era ofrecer una elegancia moderna al público más amplio posible, por lo que la industrialización era inevitable. Samuel Bean (1838-1905), figura central del movimiento Art Nouveau, creía que "las máquinas desempeñarán un papel importante en el desarrollo de los intereses públicos". Sin embargo, al Art Nouveau no le gustaba ser demasiado simple y abogaba por conservar algunos elementos decorativos vitales. Esto suele ser difícil de lograr en la producción en masa. De hecho, debido a la naturaleza experimental y la complejidad de las nuevas obras de arte, no son adecuadas para la producción mecánica y sólo pueden fabricarse a mano. Por lo tanto, son caras y sólo unos pocos consumidores adinerados pueden patrocinarlas.

Diseño en tiempos de guerra

Durante las dos guerras mundiales, que duraron mucho tiempo y cubrieron una amplia gama de áreas, la mayoría de los países y regiones implementaron un sistema en tiempos de guerra, y todos los ámbitos de la vida En consecuencia, el diseño se ha desplazado hacia la industria militar.

Los aviones comenzaron a utilizarse en la Primera Guerra Mundial, pero se hicieron más comunes y jugaron un papel mayor en la Segunda Guerra Mundial.

La nueva fuerza disuasoria en la Segunda Guerra Mundial: los portaaviones (aviones basados ​​en portaaviones)

Lo más letal y representativo de la más alta tecnología militar en la Segunda Guerra Mundial fue la exitosa explosión de prueba. y aplicación de bombas atómicas.

Logros de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) - "La era de los tanques"

Ametralladora Hiram Maxim (666 disparos por segundo)

Propuesta en 1914 por Swindon, Inglaterra Desarrolló el diseño de un tanque con orugas, que fue producido por Foster y Lincoln en 1915 y puesto en combate real.

Segunda Guerra Mundial (1939-1945) - "La era de los aviones"

Los aviones comenzaron a utilizarse en la Primera Guerra Mundial, pero se volvieron más comunes y desempeñaron un papel en la Primera Guerra Mundial. II Más grande también.

La nueva fuerza disuasoria en la Segunda Guerra Mundial: los portaaviones (aviones basados ​​en portaaviones)

Durante la guerra, el diseño de las municiones se desarrolló enormemente, incorporando el principio de diseño de ligereza y eficiencia. .

Diseñador famoso: Raymond Lowe (EE. UU.)

Productos diseñados: tiendas de campaña portátiles, estufas de marcha, hervidores militares, cascos, palas de zapador, uniformes militares y abrigos con capucha Parker, comida enlatada, detergente para ropa, etc.

Diseño japonés de posguerra

En primer lugar, hay dos características del diseño japonés:

Primero, es más nacional, tradicional, moderado e histórico. Basado en la estética y religión tradicional japonesa.

El segundo es: un modelo moderno, desarrollado e internacional desarrollado a partir de la experiencia aprendida de Europa.

Tres etapas del desarrollo del diseño japonés

1945-1952 fue el período de recuperación del diseño japonés - basándose en la experiencia estadounidense: "Laboratorio de Tecnología Industrial del Instituto de Diseño Industrial", "Asociación de Diseñadores Industriales de Japón" ", "Design Association"

1953-1960 fue un período de crecimiento - se prestó más atención a la experiencia del diseño europeo - un grupo de empresas destacadas plantearon requisitos más altos para el diseño de la empresa (Hitachi, Panasonic, Sharp, Sony, Canon, Ricoh, Fuji, Shiseido, Toyota, Mitsubishi, Nissan, Honda, Toshiba, etc.).

Después de 1961, habrá un período de gran desarrollo: el "sistema de doble vía".

Por un lado, la ropa, el mobiliario, el diseño de interiores, etc. aprenden sistemáticamente de las tradiciones y mantienen los estilos tradicionales.

Por otro lado, en el campo del diseño de alta tecnología, se diseña de acuerdo con las necesidades del desarrollo económico moderno, como automóviles, comunicaciones, equipos electrónicos audiovisuales, etc.

"Estilo japonés": caracterizado por una cuidadosa planificación, pensamiento cuidadoso y consideración.

Diseño modernista - Diseño en las décadas de 1960 y 1970

Antecedentes: La economía y los medios de vida de las personas se recuperaron en los diez años de la posguerra, y las economías de varios países estaban en auge. Cambios de posguerra: hay un excedente relativo de productos industriales y una rápida sustitución de productos.

Nuevos requisitos para el diseño:

(1) Con la expansión del material y la riqueza, los requisitos estéticos de los consumidores también han aumentado en consecuencia;

(2) Adaptación Nuevos materiales, nuevas tecnologías y diversas expresiones de diseño.

Cambios en los conceptos de diseño: pluralismo

Antecedentes: La crisis del modernismo radica en su conexión con el capitalismo en muchos aspectos.

El sistema económico fomenta el consumo y la búsqueda de novedades. Diseño modernista: basado en el mercado de masas, que enfatiza la estandarización, requiere que diferentes tipos de comportamientos y tradiciones se transformen en patrones fijos y unificados, y se basa en un mercado internacional enorme y unificado. La ideología rectora es fabricar productos que sean adecuados para todos. Hay muchos productos similares, pero a menudo resultan contraproducentes y no son adecuados para todos.

Diseño en las décadas de 1960 y 1970: la sociedad y varios mercados coexisten, y los mercados reflejan las necesidades de diferentes grupos culturales. Cada grupo tiene sus propios comportamientos, lenguaje, modas y tradiciones específicas, así como sus propias necesidades de consumo. Estilo: estilo de alta tecnología

El desarrollo de la ciencia y la tecnología y los cambios en los conceptos estéticos

Antecedentes: Durante la Guerra Fría, las principales potencias del mundo participaron en una carrera armamentista.

1. El rápido desarrollo de la tecnología aeroespacial e informática ha llevado a la prevalencia del "estilo cósmico": gris plateado + forma de avión

2. era del plástico colorido.

3. Recuperación económica de la posguerra

La sociedad ha entrado en una etapa de rico desarrollo y los consumidores tienen necesidades cada vez más diversas de productos.

En segundo lugar, el diseño italiano líder en el mundo

Ponti: Nuestra familia y nuestro estilo de vida son exactamente los mismos que nuestros ideales e intereses en una vida hermosa.

Características del diseño: relación armoniosa entre producción y cultura.

Características del estilo de diseño italiano:

(1) Tiene características modernistas y características nacionales y connotaciones culturales italianas;

(2) Ambos El diseño es alta tecnología y conserva la excelente tradición artesanal;

(3) Es altamente racional y tiene un fuerte estilo individual y toque humano.

Los muebles, lámparas y otros productos de consumo de plástico de bajo coste muestran un nuevo estilo con sus colores claros, transparentes y brillantes, rompiendo por completo las características de diseño encarnadas por los materiales tradicionales y el valor absoluto y eterno asociado a ellos. .

Escuela de Arquitectura Bauhaus

El 1 de abril de 1919, se estableció en Weimar, Alemania, la primera nueva institución educativa de diseño moderno, la Escuela Estatal de Arquitectura Bauhaus. El término Bauhaus fue acuñado por su fundador y primer presidente Gropius entre 1919 y 1944. Ha cultivado toda una generación de talentos de arquitectura y diseño modernos, así como toda una era de arquitectura moderna y estilos de diseño artesanal, y es conocida como la "cuna del diseño moderno".

Promover la libre creación en diseño y oponerse a la imitación y la crueldad.

b. Combinar la artesanía con la producción mecánica y abogar por comprender las características de la industria moderna mientras se domina la artesanía.

C. Énfasis en la formación básica. Los cursos básicos como composición plana, composición tridimensional y composición de color desarrollados a partir de pintura y escultura abstractas modernas se han convertido en una de las mayores contribuciones de la Bauhaus al diseño industrial moderno.

d. Prestar igual atención a la capacidad práctica y a la alfabetización teórica.

Integrar la educación escolar con la práctica de producción social.

En términos de teoría del diseño, la Bauhaus planteó tres puntos de vista básicos: ① La nueva unidad del arte y la tecnología. El diseño es para personas, no para productos. ③El diseño debe seguir leyes naturales y objetivas. Estos puntos de vista han jugado un papel positivo en el desarrollo del diseño industrial moderno, haciendo que el diseño moderno pase gradualmente del idealismo al realismo, es decir, las ideas racionales y científicas han reemplazado la autoexpresión artística y el romanticismo.

La primera etapa (1919-1925) del período de Weimar - dominada por Gropius - la idea de "la unidad del arte y la tecnología" - formó la combinación de educación artística y artesanía.

La segunda etapa (1925-1932) - Período Desso - Hans Maier (28-30) y Mies van der Rohe (30-32) - enseñanza integrada del diseño y la producción.

La tercera etapa (1932-1933), el período berlinés, duró 6 meses y se vio obligada a cerrar definitivamente.

El papel histórico y la influencia de la Bauhaus

1. El arte del diseño moderno pensó en la Bauhaus

(Prestar atención a los factores funcionales, técnicos y económicos)

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(1) La unidad del arte y la tecnología;

(2) El propósito del diseño es la función, no el producto

(3) Diseño; debe seguir leyes naturales y objetivas.

2. La influencia de la Bauhaus en la educación del diseño

(1) La Bauhaus estableció un conjunto de métodos y sistemas de enseñanza para el arte del diseño, reconociendo que el "conocimiento técnico" es lo que se puede hacer. se enseña, mientras que la “capacidad creativa” sólo puede inspirar. Sentó las bases para el establecimiento y desarrollo del sistema científico de diseño industrial.

(2) La práctica del diseño de la Bauhaus realmente comprendió la unidad de la tecnología y el arte, formó principios de diseño verdaderamente racionales y llenó la brecha entre el arte moderno y la tecnología, la artesanía y la industria.

(3) La educación en diseño de la Bauhaus creó el estilo de diseño alemán: funcionalidad altamente racional y rigurosa.

Diseño "popular" británico

Antecedentes: La generación joven que creció después de la guerra está cansada del diseño monótono e indiferente del modernismo y está ansiosa por nuevos conceptos de consumo y nuevos conceptos culturales. Aparecen estilos. La cultura popular emergente (telenovelas, jazz, swing, videojuegos) se está poniendo al día con la alta cultura tradicional. Por ello, se reutilizan los colores y decoraciones del arte.

Arte y diseño pop

Arte pop: persigue las formas, colores y estructuras más populares en la vida diaria, forma un estilo popular, simbólico y orientado a los ciudadanos, y persigue un estilo que es apreciado tanto por personas refinadas como populares.

Características: popular, efímero, consumible, barato, voluminoso, joven, humorístico, reservado.

Lema del diseño: El arte no debe ser elegante, el arte debe ser igual a la vida.

Medios artísticos: empalme, amplificación, combinación, imitación.

El diseño pop apareció en los años 50, también conocido como pop art, arte popular y neodadaísmo. Representa un sabor popular y popular. Su apogeo se produjo en la década de 1960, con sus principales centros de actividad en Reino Unido y Estados Unidos. Representa la tendencia expresionista del diseño industrial de la década de 1960 de perseguir la alienación formal y el entretenimiento. Refleja los valores sociales y culturales de la generación más joven que creció después de la guerra y trató de expresarse y buscar la novedad. Los estilos populares toman diferentes formas en diferentes países. Por ejemplo, la American Telephone Company utilizó la imagen más popular de Mickey Mouse para diseñar teléfonos, mientras que el diseño pop italiano reflejó las características de la escultura suave, como diseñar el sofá con forma de labio o darle la forma de un guante grande.

Diseño pop: Tendencia expresionista, rebelión contra la ortodoxia, búsqueda de la perfección, pulcritud y elegancia, alienación de la forma y entretenimiento.

Los productos se centran en la expresión formal y la pura decoración de superficies, en lugar de conceptos modernos como la función y la producción racional. El diseño pop enfatizó la flexibilidad y el consumismo, por lo que los productos tenían una vida útil corta para adaptarse a las condiciones sociales y culturales cambiantes. Perseguir los gustos populares y populares y oponerse a las pretensiones altruistas del modernismo. Enfatizar el significado simbólico de los bienes de consumo más que sus cualidades formales y estéticas.

Elementos de diseño: los productos o residuos industriales más habituales y habituales.

Características del diseño Pop: estilos mixtos.

(1) El tema de la creación del diseño se deriva directamente del día de la comercialización total.

El mundo siempre estará comercializado.

(2) La imagen simple del trabajo de diseño está tomada de las necesidades diarias.

(3) El estilo de diseño básicamente acepta la influencia directa del arte comercial.

El posmodernismo

es una tendencia contracultural, antiestética y antiestética. Estilo literario La tendencia se originó en los años 1960 y se hizo popular en Europa y Estados Unidos en los años 1970 y 1980. Es un movimiento destinado a resistir la metodología pura y pura del modernismo, que se refleja ampliamente en la literatura, la filosofía, la teoría crítica, la arquitectura, el diseño y otros campos. El llamado "posmodernismo" no significa quedarse atrás de la "modernidad" en el tiempo, sino en términos de desarrollo y evolución de los estilos artísticos.

La esencia es una especie de antirracionalismo intelectual e indiferencia política, que refleja la insatisfacción, la impotencia e incluso el uso activo del público con fines prácticos. ) y hedonismo emocional.

El posmodernismo no es un estilo específico sino una serie de intentos de trascender el modernismo. En un caso, esto significa revivir un estilo artístico abandonado por el modernismo, y en otro, significa oponerse al arte objetual o a cosas que te incluyen a ti mismo.

La era industrial: caracterizada por la producción en masa (y la estandarización) en condiciones temporales y espaciales específicas.

La era postindustrial (era de la información): es la era de los ordenadores. Aunque también es una era de economías de escala, ya no está sujeta a condiciones de tiempo y espacio como la era industrial. Las personas pueden dedicarse a la producción en cualquier momento y en cualquier lugar, y los productos (no sólo la información) pueden circular por todo el mundo al instante.

El posmodernismo no es un estilo específico sino una serie de intentos de trascender el modernismo. En un caso, esto significa revivir un estilo artístico abandonado por el modernismo, y en otro, significa oponerse al arte objetual o a cosas que te incluyen a ti mismo.

La era industrial: caracterizada por la producción en masa (y la estandarización) en condiciones temporales y espaciales específicas.

La era postindustrial (era de la información): es la era de los ordenadores. Aunque también es una era de economías de escala, ya no está sujeta a condiciones de tiempo y espacio como la era industrial. Las personas pueden dedicarse a la producción en cualquier momento y en cualquier lugar, y los productos (no sólo la información) pueden circular por todo el mundo al instante.

La deconstrucción es un género que surgió en el campo del diseño arquitectónico a finales de los años 80.

El núcleo de esta teoría es la aversión a la estructura misma. Se cree que el símbolo en sí puede reflejar la verdad, y el estudio de los individuos es más importante que el estudio de la estructura general. La deconstrucción no sólo niega el constructivismo, que constituye uno de los componentes importantes del modernismo, sino que también niega el principio de la estética clásica (armonía y unidad).

Ejemplo: En la década de 1980, un artista occidental interpretó una pantomima en China después de tocar una pieza de música clásica en la viola, de repente se levantó, arrojó la viola al suelo, la pisó con fuerza. y luego se pegó rápidamente una pintura abstracta (la pintura reconstruida de Viola) en el lienzo utilizando los fragmentos de la viola. La forma original perfectamente armoniosa del violín ya no existe, pero los fragmentos que deja pueden renacer en otra forma de arte.