El traje de escenario (traje de teatro) es el traje que usan los actores en las representaciones. Es uno de los medios importantes para dar forma a la imagen externa del personaje y reflejar el estilo de interpretación. La ropa de escenario se origina en la ropa de vida, pero es diferente de la ropa de vida. Éste y el maquillaje son los primeros factores de estilo que aparecen en los eventos de actuación. El significado original de diseño de vestuario escénico se refiere a "apuntar a un objetivo específico y encontrar una solución y estrategia en el proceso de planificación para satisfacer ciertas necesidades de las personas". Aunque el color del vestuario escénico se basa en los principios básicos de la ciencia del color, después de todo no es una obra de arte puramente plástica. Los colores del vestuario escénico también son obviamente diferentes de los colores de las obras de arte. propias particularidades. Introducción básica Nombre chino: traje de escenario Nombre extranjero: traje de teatro Categoría: trajes de personajes, trajes de actores Propósito: encarnar el mecanismo de clasificación de la evolución cultural humana, desarrollo, extranjero, nacional, diseño, propósito, elementos, tipo de pensamiento, tareas, requisitos, Antecedentes culturales, características de color, clasificación Los trajes escénicos generalmente se dividen en trajes de personajes (trajes de teatro, incluidos trajes de dramas, óperas, dramas de danza, óperas, sketches dramáticos, espectáculos pull, espectáculos unipersonales), trajes de actores (música, danza, acrobacias, magia, arte popular y otros disfraces de actores) son dos categorías principales. Desarrollado en el extranjero, en las representaciones de las obras del antiguo dramaturgo griego Esquilo, los actores vestían túnicas de manga larga con adornos florales de varios colores, máscaras y botas de suela alta para exagerar la figura del actor y hacer que el público se sintiera distante. se puede identificar claramente. En la época de Sófocles y Eurípides, los personajes de la obra vestían principalmente trajes negros trágicos, cercanos al estilo jónico de la época. Los trajes de comedia griegos antiguos eran más exagerados, y los trajes de comedia griegos posteriores representados por Menandro se acercaban más a los trajes de la vida real. En los dramas religiosos de la Edad Media europea, los actores que también eran monjes vestían túnicas de monje ordinarias como disfraces. A finales de la Edad Media, los principales gremios financiaban el trabajo escénico, mostrando así riqueza y compitiendo por el temperamento. Los actores vestían trajes magníficos, y trajes escénicos fantásticos y simbólicos competían por la apariencia. Durante el Renacimiento, en las representaciones de dramas históricos, a excepción de los cambios en las joyas y los accesorios de mano, los trajes de los personajes eran muy diferentes a los trajes de la vida cotidiana. Por ejemplo, en las representaciones de las obras de Shakespeare, los actores generalmente vestían. los trajes de la época isabelina. Sube al escenario. Los dramas en el escenario palaciego en el siglo XVII tenían como objetivo ser extravagantes, desde el vestuario hasta la escenografía, con el fin de lucirse. La comedia de máscaras italiana (comedia de improvisación) es única en el sentido de que los personajes estereotipados deben usar máscaras y trajes especiales estereotipados en el escenario para que el público pueda reconocerlos fácilmente. Una corriente arqueológica surgió en el escenario europeo en el siglo XVIII. Para buscar la autenticidad histórica y realzar el sentido de la realidad, se añadieron una serie de adornos históricos al vestuario, talma, un actor de la Comédie Française, incluso tomó la iniciativa. en actuar imitando los antiguos trajes romanos. Posteriormente, la tendencia arqueológica se hizo cada vez más popular, hasta el punto de que los trajes escénicos se copiaban de objetos reales de los museos. No fue hasta alrededor del siglo XX que aparecieron "Ghosts" del francés A. Antoine y "Nightclub" del ruso. Stanislavsky revirtió la situación. Vestuario escénico Después de 1890, géneros dramáticos modernos como el simbolismo, el expresionismo, el constructivismo y el futurismo aparecieron sucesivamente en la escena teatral europea. Los dramas naturalistas, alguna vez populares, fueron cuestionados y rechazados. En las representaciones teatrales modernas, incluidas las obras clásicas y las de Shakespeare, el vestuario se ha vuelto abstracto y grotesco, y los factores subjetivos del diseñador se han fortalecido significativamente, creando así un impacto poderoso. A partir de 1928, el director británico B. Jackson causó sensación al utilizar trajes modernos para interpretar "Macbeth", seguido de "Romeo y Julieta" interpretada con trajes de danza y canciones japonesas y "Duodécima noche" interpretada con trajes árabes. Desde la década de 1930, los conceptos teatrales occidentales y las ideas de diseño artístico escénico han experimentado grandes cambios. Tanto los dramas realistas como los no realistas han creado sus propios vastos mundos en el campo del diseño de vestuario, formando un patrón diverso. Los trajes de la ópera tradicional china nacional se caracterizan por su carácter decorativo, exageración y bailabilidad, y existe una estrecha relación entre el papel del personaje y la estilización del traje. En la década de 1920, bajo la influencia del drama occidental, el vestuario dramático chino se deshizo por completo de la influencia estilizada y entró en el escenario de la vida. En la década de 1940, el vestuario diseñado por Ding Cong en el drama "Promotion" dio con éxito un tratamiento cómico.
Después de la fundación de la República Popular China, la mayoría de las más de 3.000 compañías de teatro en todo el país ya tenían sus propias capacidades de producción y diseño de vestuario. Desde la década de 1950, el vestuario de "Lotus Dance" diseñado por Yu Feng, el vestuario de "Qu Yuan" diseñado por Zhang Zhengyu, el vestuario diseñado por Yan Xiumin para "Cai Wenji" y "Tiger Fu", y el vestuario de " Teahouse" diseñada por Guan Zaisheng han alcanzado un alto nivel. El vestuario de Li Keyu para "El lago de los cisnes" y la ópera de Pekín "Otelo", el vestuario de Mu Yiqing para "Lotus Lantern" y el vestuario de Li En para el drama de danza "Wind in Qishan" han recibido elogios. En el Festival de Shakespeare celebrado en China en 1985, interpretó "El Rey Lear" y "Noche de Reyes" de Shakespeare con trajes de ópera tradicionales chinos, lo que también fue reconocido por el público. En otras representaciones dramáticas también han aparecido "trajes neutrales" que no reflejan el sentido de la época y la localidad. Propósito del diseño El significado original de diseño de vestuario escénico se refiere a "apuntar a un objetivo específico, encontrar una solución a un problema y una estrategia en el proceso de planificación, y luego satisfacer una determinada necesidad de las personas". El alcance del diseño de vestuario escénico es muy amplio, incluyendo la planificación social, los modelos teóricos, el diseño de productos y la formulación de planes de organización de ingeniería, etc. Por supuesto, el objetivo del diseño de vestuario escénico refleja el mecanismo de la evolución cultural humana y es un medio importante para crear estética. Elementos El diseño de vestuario escénico tiene tanto "elementos factuales" como "elementos de valor". El primero explica el estado de cosas, mientras que el segundo utiliza proposiciones teóricas y estéticas para expresarlo, es decir, "bueno o malo, bello o feo". Tipos de pensamiento Los diferentes tipos de diseño de vestuario escénico a menudo se centran en diferentes tipos de pensamiento. Por ejemplo, en el diseño de ingeniería se pone más énfasis en el análisis racional, mientras que en el diseño de modelado de productos y en el diseño industrial se pone énfasis en el proceso general, que requiere el uso de factores de pensamiento de imágenes, y en el diseño de vestuario escénico se pone más énfasis. colocado en "estética", etc. Tarea La tarea del diseño de vestuario escénico no es solo satisfacer las necesidades personales, sino también tener en cuenta las necesidades sociales, económicas, técnicas, emocionales y estéticas. Dado que existen ciertas contradicciones entre estas numerosas necesidades, la tarea del diseño de vestuario escénico en sí incluye la coordinación y oposición entre varias necesidades. Los conceptos modernos de diseño de vestuario escénico se están actualizando y también deben seguir las especificaciones del diseño de vestuario escénico y considerar estas muchas "necesidades". Se requieren diferentes épocas y diferentes regiones para dar forma a las imágenes escénicas, pero en resumen, el vestuario escénico debe cumplir con los siguientes requisitos: ① Ayudar a los actores a dar forma a las imágenes de sus personajes; ② Favorecer las actuaciones y actividades de los actores; ③ El diseño debe esforzarse por lograrlo; coincidir con la interpretación de toda la obra El estilo debe estar unificado ④ Debe poder cumplir con los requisitos estéticos de la amplia audiencia; Antecedentes culturales El diseño de vestuario escénico es el eslabón principal en la producción material y la creación cultural. Siempre está mediado por una determinada forma cultural. Por ejemplo, si se utilizan aproximadamente los mismos materiales de construcción para diseñar vestuario escénico para proyectos de construcción, diferentes culturas sociales producirán diferentes formas arquitectónicas; si se utilizan conceptos de diseño de vestuario escénico similares, diferentes normas sociales también producirán estilos de diseño de vestuario escénico completamente diferentes. Características del color Aunque el color del vestuario escénico se basa en los principios básicos de la ciencia del color, después de todo no es una obra de arte puramente plástica. Los colores del vestuario escénico también son obviamente diferentes de los colores de las obras de arte. tienen sus propias particularidades. 1. El color primero debe basarse en la imagen de la persona. Por lo tanto, el diseño de color del vestuario escénico debe "variar de persona a persona" y de estilo a estilo. 2. Varios trajes de escenario están adheridos a telas A medida que los trajes de escenario hechos de telas se usan sobre el cuerpo humano, el color de los trajes de escenario cambia de un estado plano a un estado tridimensional. Por lo tanto, al diseñar colores, no solo debemos considerar el efecto bidimensional del color, sino también el efecto tridimensional, considerar el tratamiento del color en ambos lados y la espalda después del uso y prestar atención al equilibrio visual de cada ángulo. 3. El vestuario escénico son pinturas fluidas que irán entrando en diversos lugares con el movimiento del cuerpo humano. Por lo tanto, la coordinación con el color ambiental también es algo a lo que se debe prestar atención en el diseño de color del vestuario escénico. 4. En el diseño de color de un conjunto de vestuario escénico, no debe haber demasiados colores. Excepto por el color de la tela estampada, generalmente no debe haber más de tres colores, y no más de cuatro o cinco colores como máximo. . 5. En el diseño del color del vestuario escénico, no sólo debe ser artístico, sino que también debe considerarse su practicidad. Por ejemplo: los colores de los uniformes en diversas industrias son diferentes. El personal médico generalmente usa blanco o azul claro, etc. 6. El color del vestuario escénico no solo debe prestar atención a su personalidad, sino también a su popularidad, es decir, la popularidad de las cosas populares, para que el valor económico y la importancia social del vestuario escénico puedan reflejarse mejor. .