El arte persigue tantas posibilidades como sea posible
El diseño persigue la menor cantidad de posibilidades posible
Diferentes públicos tendrán diferentes interpretaciones de una buena obra de arte. Es desde múltiples ángulos y definitivamente no es uno solo.
Por ejemplo, en la obra de Yoshitomo Nara, Dog on Stilts, la interpretación que el público haga de la obra inevitablemente proyectará sus propias experiencias. Las personas que aman tener mascotas sentirán que las cosas que usan las mascotas deben ser cada vez más humanas. ¡Las cosas que usan los humanos también deben ser utilizadas por las mascotas! La comprensión del empresario sobre este trabajo es que no se puede comer la comida del cuenco estando parado sobre pilotes. ¡A veces hay que bajar la postura para obtener beneficios! Los políticos entienden esto: incluso si eres un perro, ¡tienes que estar en un terreno elevado!
Los buenos trabajos de diseño minimizan la ambigüedad y transmiten directamente el tema del autor.
Concepto de bicicleta, todo el mundo sabe lo que está haciendo el diseñador: crear un coche que sea extremadamente atractivo desde la apariencia hasta el funcionamiento.
Cuando el arte llega a su extremo, cada vez menos personas pueden entenderlo
Cuando el diseño llega a su extremo, cada vez más personas pueden entenderlo
A medida que el arte se desarrolla Al final, es muy probable que las obras de un grupo de artistas sean estridentes e impopulares. Deben estar hechas para que las vea la gente de la industria, y requiere cierta experiencia en arte o conocimiento de la historia del arte. para entenderlos. De hecho, es igual en todos los campos. Al igual que la teoría de la relatividad de Einstein, sólo las personas altamente capacitadas en la industria pueden comprenderla en profundidad.
Esta es la famosa pintura "Cuadrado negro sobre blanco" de Kazimir Malevich. Esta es la primera obra del suprematismo y marca el nacimiento del suprematismo. Malevich dibujó un cuadrado en una hoja de papel blanco con una regla y luego lo ennegreció uniformemente con un lápiz. Ahora el público puede decir, ¿qué es esta pintura? No puedo entenderla, etc., pero debes saber que las pinturas de Malevich definitivamente no son solo dibujos aleatorios inspirados por la inspiración de un día. En términos de efectos visuales, tienen que serlo. Pasar por Se necesitan muchos años de investigación y experimentación para producir una obra de este tipo, y debe verse a la luz del entorno social de ese momento.
Desde 1914 hasta 1918 estalla la Primera Guerra Mundial. Esta obra se expuso en la "Exposición de Pintura 0, 10" de Petrogrado en 1915, causando gran sensación. El público suspiró frente a esta pintura: "Todo lo que amamos se ha perdido... Frente a nosotros, no hay nada más que un cuadrado negro sobre un fondo blanco. ¡Debes saber que el autor creó esta obra en 1913, durante!" La Segunda Guerra Mundial un año antes de que estallara, Malevich era muy consciente de la crisis que se avecinaba y del daño que la guerra había causado al pueblo. Por lo tanto, cuando el público de ese momento vio esta obra, naturalmente la relacionaron con la situación de ese momento y así la interpretaron.
(PD: Desde el momento en que Malevich creó esta obra hasta el momento en que se exhibió, Rusia estaba en una profunda crisis, el Frente Oriental estaba ocupado librando la Primera Guerra Mundial, la economía nacional colapsó, las fábricas cerraron, los trabajadores se declaró en huelga y la Revolución de Octubre se avecina. En una situación social tan turbulenta, los artistas se aferran a su propia tierra sin escapatoria. Todavía conservan sus pinceles y hacen oír su voz. exposiciones, y mucha gente irá a verlas. Es un amor por el arte y un sentido de responsabilidad social)
Diseño Dado que el diseño en sí debe ser funcional, no habrá un umbral académico para la audiencia. de la obra. Por ello, los buenos trabajos de diseño son muy populares entre el público, como el iPad, un producto que ha cambiado el estilo de vida de las personas en el siglo XXI.
El arte hace que el mundo se sienta diverso
El diseño hace que el mundo se sienta hermoso
Los temas del arte pueden ser hermosos y cálidos, agudos y dolorosos, o deprimentes. y repugnante. Las obras que hacen que el público se sienta incómodo no son necesariamente malas.
Esta es la primera performance de la artista Marina Abramović. Publicó un aviso en la sala, permitiendo al público elegir 72 objetos sobre la mesa para realizar ejercicios físicos forzados con el toque del artista. Entre los 72 artículos hay cosas agradables como rosas y miel, así como instrumentos peligrosos como tijeras, dagas, ballestas y máquinas de enema.
Incluso había una pistola cargada con una bala.
Durante toda la actuación, Abramovič se anestesió y se quedó quieto, dejando que el público tuviera todo el poder. Esta actuación duró 6 horas. Durante este proceso, cuando el público descubrió que ella realmente no tenía resistencia a ninguna acción, gradualmente ejercieron con valentía el poder que se les había otorgado. La ropa de la artista fue cortada en pedazos y alguien le rascó el cuerpo. Alguien de repente apuñaló la rosa en su vientre, y un miembro de la audiencia incluso tomó la pistola cargada y se la puso en la boca, con la intención de apretar el gatillo.
Esto fue lo más cerca que estuvo el artista de la muerte, hasta que otro espectador le arrebató la pistola horrorizado. Durante el proceso de abuso, los ojos de la artista se llenaron gradualmente de lágrimas y su corazón se llenó de miedo, sin embargo, su cuerpo no pudo responder. Ella se dio cuenta claramente: ¡Realmente pueden hacerme cualquier cosa! Después de que terminó la anestesia, Abramovič se levantó de la silla, con cicatrices y lágrimas en los ojos. Caminó lentamente hacia el público, acusándolos en silencio con la mirada. Frente a los ojos enojados y tristes del artista, el público se asustó. Retrocedieron uno tras otro y luego comenzaron a huir en todas direcciones.
Abramovič dijo en una entrevista posterior: "Esta experiencia me hizo darme cuenta de que si dejas todas las decisiones en manos del público, entonces no estás lejos de la muerte (lo que aprendí fue que... si lo haces). déjalo en manos del público, pueden matarte.) Para la "víctima" Abramović, tal actuación fue más dolorosa que un trauma físico. Le tomó sólo 6 horas experimentar la debilidad y la oscuridad humanas. difícil de describir con palabras.
“La alegría no nos enseña nada, sin embargo, el dolor, el sufrimiento y los obstáculos nos transforman, haciéndonos mejores y más fuertes, al mismo tiempo que nos hacen darnos cuenta de la importancia de vivir el momento presente”, interpretó Abramovič años después. exploración de experiencias físicas y mentales dolorosas de esta manera.
Si el trabajo de diseño hace que el público se resista, será un fracaso. Los buenos trabajos de diseño hacen que la gente se sienta cómoda.
Enchufe tradicional: un diseño fallido ampliamente utilizado.
El arte libre es buen arte
El diseño razonable es buen diseño
Una obra de arte que rompe la tradición y invita a la reflexión es una buena obra de arte. En el siglo XX surgieron varias escuelas y hoy parece que cada escuela tiene sus sucesores. Cuando los sucesores perfeccionan gradualmente el espíritu y las técnicas de esta escuela, es como formar un capullo. Cuanto mejor es la técnica y más maduro es el sistema ideológico, más duro se vuelve este capullo y más difícil es romperlo. Si alguien puede salir del capullo en este momento, es el maestro.
Cite el ejemplo más convincente, el gran dios Picasso. Antes de Picasso, el realismo clásico había alcanzado su apogeo. En este campo, independientemente de la composición, el tema y la selección de los diversos pigmentos minerales, sus predecesores lo habían explorado hasta el extremo. Y con la llegada de la fotografía y el cine en el siglo XX, la gente ya no necesita pinturas realistas tradicionales para registrar la vida. Sin duda, esto llevó la pintura realista a un callejón sin salida. Picasso fue obligado por su padre, profesor de arte, a aprender pintura realista clásica desde que era un niño. A los 14 años su técnica se perfeccionó, sus formas eran muy precisas y sus trazos parecían inspirados. Después de terminar un trabajo, siempre me levanto con el bolígrafo en la mano, miro a mi alrededor y me siento lleno de ambición. Después de que su padre vio sus obras, se sintió inferior y le dio todas sus herramientas de pintura a Picasso, de 14 años. A partir de entonces dejó de pintar.
Los amigos que pintan saben que cuando dominas una técnica con mucha competencia, en realidad es muy difícil superarla. La competencia de una técnica es una prisión invisible y los artistas a menudo no se atreven a romperla. No pienses en romperlo. Pero el genio Picasso, cuando la pintura realista clásica estaba en su ocaso, hizo una gran revolución y estableció una secta que ha influido en ella hasta el día de hoy. Por favor vea la imagen a continuación.
Esta es una obra del período del cubismo de Picasso. La imagen completa es plana y rompe la perspectiva tradicional. Si nos fijamos bien en el rostro del personaje del cuadro, se trata de un rostro frontal formado por dos caras laterales.
En la perspectiva tradicional, solo se puede ver un lado de la cara de una persona desde un ángulo, pero en este trabajo, ¡la misma persona tiene la cara izquierda, la cara derecha y la cara frontal! Nunca antes nadie había pintado así. Explique que cuando Picasso estaba pintando, corría hacia la izquierda y pintaba por la derecha.
Mirando el círculo en el cuerpo del personaje de la imagen, si se entiende que es el cofre, no parece estar en la posición correcta. Significa que no hay ningún punto de perspectiva o múltiples puntos de perspectiva en toda la imagen. ¡Picasso no observó el objeto desde un punto, sino que lo observó de forma integral y tridimensional! (Pero el origen del nombre Cubismo no se debe a su observación tridimensional, sino a que hay muchos cuadrados pequeños en la imagen. Haremos una publicación sobre esto cuando tengamos tiempo) Picasso rompió el capullo de la pintura realista tradicional, Ganó libertad y sentó las bases para sus obras posteriores. ¡Los artistas han abierto un mundo completamente nuevo!
Pero el diseño no puede ser tan libre como el arte. En lo que respecta al diseño gráfico, la composición debe ser razonable, la combinación de colores debe ser cuidadosa, las fuentes utilizadas deben considerarse cuidadosamente y los patrones deben elegirse. Sólo cuando todos los aspectos puedan lograr una "tensión armoniosa" podrá ser un buen trabajo de diseño gráfico. El diseño industrial también debe cumplir con las leyes de la física. Por supuesto, también hay muchos diseñadores con una imaginación salvaje, algunos de los cuales no pueden ser alcanzados por los niveles tecnológicos actuales.
Se trata de un diseño respetuoso con el medio ambiente para obtener energía espacial. Lanza el satélite al espacio, donde desplegará un panel absorbente solar de 1,5 millas de largo y entregará un flujo constante de energía limpia a la Tierra. Japón ya ha realizado muchas investigaciones en este campo. Los satélites pueden lanzarse y recolectar energía solar sin ningún problema, pero el haz de energía emitido no es fácil de controlar. Cuando la energía solar se convierte en haz de energía y se envía a la Tierra, no se conecta bien con el receptor en la Tierra. y a menudo se desvía, provocando daños en el receptor. Todo lo que estaba cerca se quemó. Los investigadores están trabajando para abordar este posible desastre, pero hasta el momento no tienen ni idea. No podemos decir que este no sea un buen diseño, sólo que puede resultar poco razonable en algunos aspectos.
El arte tiende a interactuar con el público
El diseño siempre ha sido una comunicación unidireccional
El arte no puede colocarse en lo alto de la torre de marfil, debe estar Público* ** e interactividad, las diferentes interpretaciones que el público hace de la obra de arte son la interacción del pensamiento. Al tiempo que transmiten pensamientos personales, los artistas también esperan despertar el pensamiento y la retroalimentación del público. Por favor vea la imagen a continuación.
Este es el escenario de la exposición de 2013 de Yayoi Kusama en Shanghai. Los visitantes pueden obtener algunas pegatinas de puntos del personal y pegarlas en cualquier lugar de la sala de exposiciones. Esta es una obra en sí misma y el público participa en su creación. Todos publicaron felices. Esta es verdaderamente una sala que la gente nunca olvidará. Desde el proceso hasta el efecto, hay una atmósfera inexplicable de alegría.
Para trabajos de diseño, la audiencia o usuarios no participarán en el proceso de creación de la obra. Todo lo que publica el diseñador, el público lo sigue.
La torre Da Vinci de Dubái es una gran iniciativa única en el mundo.
En primer lugar, cada planta de este edificio puede girar de forma independiente. Has leído bien, ¡cada capa puede rotar automáticamente! Cada piso gira hasta 20 pies (aproximadamente 6 metros) por minuto, y una rotación dura 90 minutos. Esto hará que todo el edificio cambie constantemente de forma y muestre diferentes colores en diferentes momentos y condiciones climáticas. Este es un complejo que incluye hotel, oficinas y residencias. Cada hogar puede tener vistas incomparables desde múltiples ángulos.
En segundo lugar, el método de construcción de la Torre Rotatoria de Dubai es conocido como el primero del mundo. Es el primer rascacielos construido íntegramente a partir de piezas prefabricadas. Este método de construcción se llama "método Fischer". El método consiste en preensamblar cada unidad en una fábrica de Altamura, en el sur de Italia, con todos los sistemas de agua y electricidad y la decoración completa desde el suelo hasta el techo, baño, cocina, almacenamiento, iluminación y mobiliario. Luego se transporta a Dubai para su montaje in situ y se ensambla capa por capa a lo largo del tronco central fijo de cemento, lo que se puede completar en muy poco tiempo. Actualmente, un edificio de gran altura típico construye un piso cada seis semanas en promedio, pero este edificio dinámico construye un piso cada semana, lo que ahorra cinco semanas en comparación con los métodos de construcción ordinarios y puede reducir los costos de construcción en un 10%.
Y la fuente de energía de esta torre giratoria también es muy especial. Fischer diseñó turbinas eólicas en el entresuelo entre cada dos pisos, lo que equivale a 79 conjuntos de instalaciones de generación de energía eólica en todo el edificio. El aerogenerador tiene una forma especial y está fabricado en fibra de carbono, lo que garantiza el silencio. Además, se instalan células de captación de energía solar en el techo de cada piso. Un edificio de 80 pisos equivale a 80 techos. Mediante el sistema de rotación, las células fotovoltaicas pueden obtener la máxima cantidad de radiación solar. Siempre que el 20% del tejado de cada planta esté expuesto al sol, la energía que se puede recoger es 10 veces mayor que la de un edificio normal. Los constructores afirman que la energía respetuosa con el medio ambiente de la torre giratoria no sólo puede autoabastecerse. suficiente, pero también puede ser utilizado por edificios vecinos. En otras palabras, todo el edificio es autosuficiente energéticamente. Además, los residentes del edificio pueden aparcar sus coches en sus apartamentos mediante un ascensor.
Qué diseño tan soñador. La gente sólo puede maravillarse ante ello y es imposible participar en el proceso de diseño.
El arte se relaciona principalmente con la cultura
El diseño se relaciona principalmente con la tecnología
A medida que el arte se desarrolla, a menudo interactúa con la sociología y la psicología. Iniciativa de leer algunos libros filosóficos, para que tus obras artísticas tengan una dirección. Da un ejemplo.
Este es el famoso cuadro "La persistencia de la memoria" de Salvador Dalí, abanderado del surrealismo. En la pintura aparecen los símbolos característicos del artista, relojes blandos y hormigas. Estas dos imágenes aparecen una y otra vez en las pinturas posteriores de Dalí. De hecho, se trata de una escena que aparece repetidamente en los sueños de Dalí.
Cuando se habla de surrealismo, una persona que hay que mencionar es Sigmund Freud, el gran psicólogo del siglo XX. Fue él quien inventó el término "subconsciente", del que hablamos a menudo. La investigación de Freud muestra que la mente subconsciente se refleja particularmente en los sueños. Las cosas que aparecen en los sueños aparecen por una razón, y esta razón es un cierto tipo de mente subconsciente humana.
Las pinturas surrealistas registran los sueños y exploran su significado. Dalí soñaba a menudo con hormigas que salían de su cuerpo. Cuando era niño, Dalí tenía un pequeño murciélago y le dedicó todo su amor. Pero un día, por alguna razón desconocida, su pequeño murciélago favorito fue rodeado por un gran grupo de hormigas locas. Estaba cubierto de moretones, temblando de dolor y se estaba muriendo. Saltó, recogió el murciélago cubierto de hormigas, hizo un crujido y mordió la cabeza del murciélago como un loco, y lo arrojó al agua. A partir de entonces, las hormigas acompañaron a Dalí.
Algunos investigadores posteriores interpretaron las hormigas en las obras de Dalí de la siguiente manera: las hormigas ocupadas suelen ser símbolos de tensión, ansiedad y envejecimiento, lo que implica el miedo subconsciente, la impotencia, la inquietud y la ansiedad sexual de Dalí. Probablemente Dalí no sabía lo que significaban las hormigas en su sueño, pero a juzgar por las experiencias de su infancia, parece que algunas emociones negativas siempre estuvieron en lo profundo de su corazón.
El diseño parece estar muy alejado de las humanidades. Pero si un diseño excelente puede contar con la ayuda de la ciencia, el efecto será absolutamente deslumbrante.
Este es el concept car anfibio de Buick. La parte superior es un yate y la parte inferior es el chasis de un automóvil. Forma muy moderna y funcionalidad muy potente. Pero esto es sólo un concept car.
Los autos conceptuales también se dividen en dos tipos. El primer tipo es un auto que ya puede funcionar y está relativamente cerca de la producción en masa. Su tecnología avanzada ha sido probada y, en general, ha avanzado hacia la practicidad. convertirse en un automóvil en aproximadamente 5 años. Nuevos productos puestos en producción por la empresa. El segundo tipo de automóvil es solo un modelo conceptual de diseño. Aunque tiene un diseño relativamente avanzado, debido al nivel de investigación científica, ambiental y otras razones, es solo una idea de investigación para desarrollo futuro. Este vehículo anfibio Buick pertenece al segundo tipo. Se puede ver que si el diseño carece del apoyo de la tecnología, el concept car siempre será sólo un "concepto".
Ya sea arte o diseño, generalmente anteponen los conceptos. Primero piense en la idea y luego supere lentamente los obstáculos técnicos. En muchos casos, es el diseño el que lidera el desarrollo de la tecnología.
Un excelente artista o diseñador debe estar frente al público y ser capaz de proponer nuevas ideas y puntos de vista. Si haces obras a ciegas que agradan al público, caminarás detrás del público, lo cual es muy peligroso y puede convertirse en un público. Tendencia para un artesano.
——Espero que todos los artistas y diseñadores sepan exactamente lo que están haciendo cuando comiencen.
——Espero que puedas tener un sentido de responsabilidad social que abra la sabiduría de las personas.
——Espero que no se deje llevar por las voces del mundo exterior, especialmente de los profanos.