Conferencias de diseño artístico
Conferencia 1 sobre la definición de diseño artístico
En el siglo XX, el diseñador estadounidense Luo Wei creó el estilo simplificado en el diseño artístico. Aviones, coches, barcos, etc.
Un prototipo de teléfono moderno diseñado por el diseñador de arte estadounidense Dreyfus en 1937.
La belleza que nos rodea también incluye la belleza de la creación. El mundo creado es el mundo del diseño artístico...
1. El desarrollo histórico de los conceptos del diseño artístico
El diseño artístico no es el diseño completo del objeto, sino sólo lo artístico. diseño del objeto.
El diseño artístico es un diseño que combina de forma orgánica y armoniosa la funcionalidad, la comodidad de uso y la apariencia estética de un producto en las condiciones de la producción industrial en masa moderna. Como profesión nació y se formó a principios del siglo XX. La cuestión básica de su teoría es la relación entre producción y arte, utilidad y belleza.
(1) La formación de los conceptos de diseño artístico chino
1 Hay muchos registros sobre conceptos de diseño artístico en los documentos del período de primavera y otoño. Laozi, Las Analectas de Confucio, Universidad
2. "Kao Gongji", escrito durante el Período de los Reinos Combatientes, es el primer trabajo de tecnología artesanal de China y el documento más importante en la historia de la tecnología china antigua. Tuvo un gran impacto en la historia de la fabricación de utensilios chinos. 1. Resume la experiencia de fabricación de utensilios en la antigua China y formula los principios básicos para fabricar utensilios. 2. Contiene ricos conceptos de diseño artístico. Tomando como ejemplo los automóviles, los principios de fabricación de ruedas, compartimentos, cubiertas de automóviles y otras piezas encarnan plenamente el concepto de que la forma sigue a la función. Las ruedas deben fabricarse para que sean cómodas para el usuario y, en términos modernos, deben tener en cuenta la ergonomía. La producción de carros de madera también debería tener en cuenta los símbolos culturales.
3. "Tiangong Kaiwu" de las dinastías Ming y Song combina la cultura tradicional china con la ciencia y la tecnología. Las dos frases "Génesis" y "La buena fortuna engaña a la gente" personifican el pensamiento creativo tradicional chino.
4 Durante el período Kangxi de la dinastía Qing, ¿el "Sui Yuan" de Li Yu? El concepto de diseño artístico de Wanqibu. Trata los objetos como sustento emocional. Es bueno para convertir cosas despiadadas en sentimentales mediante arreglos. Mirar los utensilios de esta manera significa que la creación está en la mano y realizada.
(2) Conceptos de diseño de arte occidental
1. Las artes entendidas por los antiguos griegos incluyen música, pintura, escultura, artesanía, agricultura, medicina, equitación y tiro, cocina, etc. . Arte y tecnología son actividades diferentes pero complementarias.
2. Sócrates planteó la cuestión de la relación entre belleza y practicidad. Sócrates vinculó la belleza con la utilidad y creía que nada debe ser útil. El estándar para medir la belleza es la utilidad y la utilidad es la belleza. Dañino y feo.
3. Platón distinguía entre belleza absoluta y belleza relativa. Dijo que la belleza de las cosas reales es belleza relativa, mientras que la belleza de las formas abstractas como líneas rectas, círculos, planos y sólidos es belleza absoluta, belleza eterna y belleza por la belleza.
4. Cicerón heredó la visión de Sócrates de que la belleza depende de la función, creyendo que las cosas útiles son cosas bellas, y aplicó esta visión a los animales, las plantas y el arte, distinguiendo entre belleza útil y belleza decorativa.
5. Los Diez Libros de Arquitectura escritos por Vitruvio en la antigua Roma analizan la relación entre la nada y la función en las actividades creativas. Se señala que los principios fundamentales de la arquitectura son "los principios de solidez, practicidad y belleza". Debe haber un cierto equilibrio entre la belleza de la forma y la belleza de la función.
6. Agustín distinguió entre la belleza de la existencia y la belleza del ser. La belleza de la libertad es la belleza de la cosa misma, y la belleza de la acción propia es la belleza de que una cosa sea adecuada para otras cosas, que contiene factores utilitarios y con un propósito. La inspiración para el diseño artístico es que el diseño artístico es un diseño orientado a objetos y debe basarse en las necesidades reales de los consumidores.
7. Algunos productos diseñados por Leonardo da Vinci durante el Renacimiento reflejan la unidad inherente del arte y la tecnología.
8. Los esteticistas occidentales del siglo XVIII vieron la conexión entre belleza y utilidad.
En los siglos IX y XIX, cuando los artistas participaban en el proceso de producción, el diseño y producción de utensilios también se consideraba un arte...
2. actividades
Como actividad significativa para los seres humanos, el diseño se refiere a hacer un diagrama de método por adelantado de acuerdo con ciertos requisitos de propósito antes de participar formalmente en un determinado trabajo.
Dos formas de diseño: 1. Es sólo un factor intrínseco en el proceso de producción y no está separado de la producción. El prototipo del producto queda en la mente del lugar de producción, que es también el diseñador. El diseño es una actividad relativamente independiente y el productor lo procesa basándose en los dibujos diseñados por el diseñador de antemano.
La relación entre diseño y producción: 1 Diseño y producción son compatibles, y son comportamientos unificados. 2 El diseño no tiene nada que ver con la producción, pero tiene poco impacto en la producción. 4 El diseño es independiente de la producción y tiene una gran influencia sobre la producción, por lo que la producción está subordinada al diseño.
Diseño artístico
Diseño artístico e innovación independiente
(1) Complejidad y variabilidad del diseño artístico
Complejidad del diseño artístico El sexo tiene muchos tipos y modos. La diversidad de tipos no sólo depende de las diferencias en las estructuras socioeconómicas y los niveles de desarrollo industrial de varios países, sino que también depende de las diferencias en los objetos de diseño artístico. La complejidad y amplitud de las actividades de diseño artístico determinan la complejidad y amplitud de la teoría del diseño artístico, que involucra filosofía, sociología, estética, arte, economía, cultura, ergonomía, tecnología y otros campos.
La variabilidad en el diseño artístico también es evidente. Inicialmente, como parte de la arquitectura, lo más representativo fue el establecimiento de la Bauhaus (que significa "casa de la arquitectura"). Después de ser trasplantado de Europa a los Estados Unidos, se desarrolló independientemente de la arquitectura en los años 1930 y 1940. El diseño artístico estadounidense es principalmente diseño artístico comercial, con el propósito de obtener ganancias comerciales. El estilo es inseparable del estilisticismo, pero cambia la forma del producto además de su función. En las décadas de 1950 y 1960, la Escuela de Bellas Artes de Ulm, Alemania, criticó duramente el manierismo del arte y el diseño estadounidenses, liberándolo de él. El diseño artístico poco a poco se convirtió en una actividad independiente de la arquitectura o del manierismo.
(2) El diseño artístico es una forma importante para que las empresas integren la innovación.
La Conferencia Central de Trabajo Económico celebrada en junio de 2005 señaló: "La mejora de las capacidades de innovación independiente debe considerarse como la base estratégica para el desarrollo científico y tecnológico y el eslabón central para ajustar la estructura industrial y transformar el modo de crecimiento". ." Hay tres formas de innovación: innovación original, innovación integrada e innovación después de la introducción, digestión y absorción. Con base en las características anteriores del diseño artístico, creemos que el diseño artístico es una forma importante para que las empresas integren la innovación.
Como innovación integrada, el diseño artístico tiene las siguientes características:
1. El diseño artístico tiene un prototipo o material original, es decir, hay un objeto para la integración. Los objetos de integración no sólo pueden ser tipos iguales o similares de objetos y fenómenos, sino también diferentes tipos de objetos y fenómenos. Se pueden combinar objetos de diferentes campos, ni siquiera el objeto completo, sino sólo una parte del mismo, o integrar el principio de acción, las características funcionales y las características perceptivas en una nueva unidad.
2. El diseño artístico tiene un propósito claro y una gran practicidad. Las invenciones, por otra parte, suelen ser inesperadas o el resultado de una experimentación a largo plazo. Por ejemplo, la invención del teléfono por parte del escocés Bell fue una innovación original, y el diseño del teléfono de estilo moderno del estadounidense Dreyfus fue una innovación integrada.
3. El diseño artístico desempeña el papel de acelerador del progreso, catalizador tecnológico y catalizador social. Aplica los descubrimientos, leyes, principios y materiales obtenidos por científicos e inventores a la realidad concreta y los hace entrar en la industria, la tecnología y la vida cotidiana.
4. Arte y diseño producen efectos de calidad al integrar la innovación. Por ejemplo, dotar a los productos de atributos bellos y cómodos.
Conferencia 2: Diseño artístico en el período industrial temprano
El diseño artístico como profesión surgió a principios del siglo XX. ¿Guillermo de Inglaterra? Más tarde, Morris y Ruskin fueron considerados los pioneros del arte y el diseño. El arquitecto alemán Zemper jugó un papel importante en la transición del diseño artesanal al diseño artístico industrial a finales del siglo XIX, transición lograda por la Unión Alemana de Arte-Industria.
Influenciado por la Alianza Alemana de la Industria del Arte, también se desarrolló el diseño artístico temprano en Gran Bretaña y Francia.
Ruskin fue un teórico del arte, pintor, poeta y comentarista político británico que perteneció al periodo romántico tardío británico.
Abogó por un resurgimiento de los artefactos medievales "creativos". La obra "Siete lámparas de arquitectura" explora los principios de diseño de la arquitectura y la decoración, afirma que "la decoración es la parte principal de la arquitectura" y pide que la Gran Bretaña industrializada regrese a la Edad Media.
Como moralista, Ruskin prestó atención a los aspectos éticos de la interacción entre arte y tecnología, y criticó la sociedad burguesa desde un punto de vista moralista.
Entre las dos principales corrientes estéticas formadas en el Reino Unido a mediados del siglo XIX: el moralismo y el esteticismo, el moralismo representado por Ruskin creía que la estética y la ética son lo mismo, enfatizando la moralidad de la belleza; arte Con un contenido moral noble, el valor artístico de una obra depende directamente del significado ideológico que encarna. Perder la belleza también significa perder la moralidad; Ruskin abogó por volver a la producción manual. No está en contra de la tecnología en sí, sino en contra del severo consumo de recursos y la destrucción del medio ambiente natural que acompaña a la tecnología. Debido a esto, Ruskin criticó seriamente el famoso edificio "Crystal Palace" en ese momento, creyendo que su fijación destruyó por completo el paisaje natural.
Ruskin adoptó un enfoque cultural de los fenómenos artísticos, enfatizando la "lectura" de la arquitectura de épocas pasadas como se leería a Milton o Dante. Vio el elemento creativo en el trabajo manual y poetizó este trabajo. Fue el primero en integrar consistentemente factores artísticos, laborales y morales.
¿Guillermo? Morris fue uno de los primeros partidarios de las opiniones de Ruskin.
Respecto al declive de la arquitectura y las artes prácticas en la segunda mitad del siglo XIX, Morris concluyó dos puntos: En primer lugar, el capitalismo sólo reconoce como único valor los productos que aportan beneficios comerciales y, al utilizarlo, productos mucho más baratos. se pueden producir con las mismas horas de trabajo y costos, lo que resulta en una disminución de la calidad artística de los productos; en segundo lugar, el crecimiento de la producción material con fines de lucro conduce a la división del trabajo y la pérdida de la creatividad del trabajo; Creía que el factor decisivo en la naturaleza del arte en cada época histórica es la naturaleza del trabajo que es la base de esa época.
Morris puso en práctica las ideas de Ruskin. La casa nupcial de Morris, la "Casa Roja", se esforzó por acercarse al estilo medieval tardío. Por ejemplo, algunos detalles góticos: bóvedas apuntadas, tejados a dos aguas, etc. Todos son adoptados. La "Casa Roja" no sólo influyó en el diseño de residencias privadas, sino que también se convirtió en un ejemplo de la disposición general del entorno habitacional.
Morris ayudó a fundar el Crafts Research Guild, una de las primeras sociedades de diseño de Gran Bretaña. Defendió la oposición entre la producción manual y la producción mecánica y prestó gran atención a la estructura del producto.
Morris convirtió las casas privadas y las condiciones de vida, de las que a los británicos no les gustaba hablar públicamente en ese momento, en objetos de discusión. Recomienda interiores de colores claros, papel pintado brillante y colorido, lámparas y muebles nuevos. La "Salón Verde" expuesta en 1866 fue un diseño experimental para la futura decoración de interiores y ganó gran popularidad como la "Casa Roja". Morris utilizó esto para demostrar las posibilidades que tienen los artistas de participar en el diseño ambiental.
En Teoría del arte, Morris reevaluó el lugar de las artes y artesanías decorativas aplicadas en el sistema artístico general. Si Ruskin se centró en la historia y el arte de la arquitectura en el pasado, Morris creía que la artesanía era la base del arte. En su opinión, otras artes plásticas se produjeron y desarrollaron a partir de la artesanía. Morris creía que cualquiera podía crear arte, al igual que poder hablar, aunque crear arte plástico requería habilidades especiales y aprender el lenguaje del arte. Todas las personas deberían sentirse atraídas por la creación artística.
En teoría estética, Morris cree que cada generación considera la cultura acumulada de la humanidad como un legado, y su capacidad artística para percibir la belleza es casi igual a su capacidad para encarnar la belleza en el trabajo. La diferencia entre generaciones radica en la forma en que se expresa el talento. Por ejemplo, en la Edad Media muchas personas se dedicaban a la creación artística porque vivían en una economía natural y tenían que fabricar cosas y construir casas para ellos y su entorno.
Art Nouveau
“Al igual que el movimiento británico Arts and Crafts, el Art Nouveau en Europa continental tuvo la ventaja de revivir la artesanía y las artes decorativas.
No hay duda de que, además de una calidad sólida y confiable y formas concisas, el Movimiento de Artes y Oficios perseguía valores morales más elevados que el Art Nouveau. El movimiento Arts and Crafts representó un acto de conciencia hacia la sociedad, mientras que el Art Nouveau fue esencialmente arte por el arte. ”
Si el movimiento Arts and Crafts estaba interesado en revivir el arte medieval, entonces el movimiento Art Nouveau se inspiró en la naturaleza. Utilizaron la vida cotidiana como objetos de arte y observaron la apariencia de insectos, plantas y animales. en la naturaleza, se extraen de ella elementos de diseño para desarrollar diseños curvilíneos.
El movimiento Art Nouveau estuvo profundamente influenciado por el esteticismo de Wilde, que organizaba la vida según el principio de la “belleza pura” y defendía. Experimentar la belleza por experimentar la belleza. Por ejemplo, una entrada del metro en París utiliza tecnología de fundición de metal para imitar ramas retorcidas y enredaderas sinuosas, lo que luce elegante y romántico.
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(1 )Zempel
A principios del siglo XX, Zempel "tuvo una fuerte influencia en el movimiento alemán de artes aplicadas, que también valoraba los objetos por su puro propósito.
En su libro "Ciencia, Industria y Arte", Zemper de Alemania se explayó sobre el declive de la creación artística en el campo de la producción industrial, y abogó por cambiar el mundo existente reformando el arte, investigando y popularizando la belleza. de la situación del mundo objeto. Zempel se especializa en la conexión intermedia entre los logros del progreso científico y tecnológico y el uso estético de estos logros. En su opinión, este vínculo intermedio es la forma, que constituye las características de las actividades artísticas en el campo de la cultura material. La forma de un objeto depende no sólo de los materiales de los que está hecho, sino también de los medios para encarnar las ideas originales y de los factores de producción que influyen en la formación de determinadas formas.
Estilo o estética práctica en el arte técnico y el arte estructural: estudia las leyes históricas del modelado en el arte y profundiza en la dependencia de la forma con la función, los materiales y los procesos de fabricación. La estética práctica de Zempel formaba parte de la cultura europea de mediados del siglo XIX, con un evidente sabor positivista. Zempel recurre al concepto de estilo para señalar la relación entre las formas iniciales que se funden y las formas simbólicas que cambian con frecuencia en la historia del arte. Hay dos factores que determinan la forma original: uno es el material utilizado en los utensilios y el otro son los materiales utilizados en la fabricación de los utensilios. Su teoría estilística se convirtió en una de las herramientas más eficaces para crear un nuevo lenguaje arquitectónico en la Europa de mediados del siglo XIX. Este lenguaje se caracteriza por un énfasis en la funcionalidad de la estructura básica del edificio en consonancia con sus tareas sociales.
(2) La Alianza Alemana de la Industria del Arte
La Alianza Alemana de la Industria del Arte se fundó en 1907 y está relacionada con la oposición a géneros artísticos como el estilo juvenil.
El estilo juvenil en Alemania coincide con las opiniones de los separatistas austriacos. El estilo juvenil surgió de la revista "Youth" de Hirt, que se publicó por primera vez en Munich desde junio de 1896 hasta el 1 de octubre. La revista pretende "deshacerse de conceptos estrechos y estudiar cuestiones artísticas y de la vida". La portada de la revista está decorada con extrañas líneas onduladas y motivos de flores y pájaros. En medio del patrón hay algunas bellezas semidesnudas con el pelo suelto y cuerpos mimados. Las fuentes decorativas onduladas de la revista se convirtieron en características del nuevo estilo.
Bajo la influencia del Jugendstil y el Secesionismo, un gran número de edificios en Alemania y Austria fueron decorados con extraños patrones naturales. Este grupo de artistas produce muebles con líneas marcadamente curvas en las patas y respaldos, así como candelabros y lámparas de mesa, con partes metálicas de pantallas que recuerdan patrones botánicos. Prestan gran atención a la belleza de las materias primas, enfatizan la excelente tecnología de procesamiento de las materias primas e imitan directamente los principios estructurales y formales de la naturaleza: tierra, agua, viento, pájaros, animales y plantas.
En el contexto de criticar la decoración, negar el estilo juvenil y las opiniones separatistas, con el fin de explorar la naturaleza estética de las formas de los productos técnicos y el impacto de la estandarización en el desarrollo del arte, algunos arquitectos, artistas e industriales en Alemania unió a personas con los mismos intereses artísticos y temas de investigación. Esta idea fue apoyada por instituciones oficiales alemanas y se creó la Alianza Alemana de la Industria del Arte. Es una alianza de arte e industria, artistas e industriales. Su objetivo básico es perseguir la calidad de los productos y la forma que mejor encarne esta calidad.
La Federación Alemana de la Industria del Arte fue influenciada por Ruskin y Morris.
Su estatuto establece: "El propósito de Art Industry Alliance es mejorar la calidad de los productos industriales mediante los esfuerzos conjuntos del arte, la industria y la artesanía, y realizar publicidad e investigaciones exhaustivas sobre este tema. Artistas, industriales, expertos en producción, 'miembros suplentes' Todos pueden convertirse en miembros de la alianza, y grupos e instituciones enteras pueden ser admitidos como 'miembros suplentes'. "La primera aparición de la Art Industry Alliance en Alemania estuvo relacionada con el surgimiento del primer monopolio a gran escala del mundo. organización en Alemania en ese momento. En las organizaciones monopolistas se formaron fuertes alianzas entre artistas e industriales, demostrando una nueva relación entre tareas artísticas y tareas productivas. Debido a la participación de muchos empresarios famosos, Art Industry Alliance tiene una gran influencia. Atrajo a un gran número de artistas talentosos para trabajar en la industria.
El punto culminante de la Alianza Alemana de la Industria del Arte fue la Exposición de la Casa Weisenhoff celebrada en Stuttgart en 1927, que formó un nuevo concepto de vivienda. Desde la casa hasta la taza de café, todo tiene un estilo unificado.
La Federación Alemana de Artes e Industrias persigue abiertamente fines comerciales y sus actividades mejoran la calidad de los productos industriales y aumentan la competitividad de los productos industriales alemanes en el mercado mundial.
3. Diseño de arte temprano en Gran Bretaña y Francia
(1) Diseño de arte temprano en Gran Bretaña
La Asociación Británica de Industria y Diseño de Arte se estableció en 1915. Sus miembros son diseñadores artísticos, industriales y empresarios. Su trabajo incluye organizar exposiciones, obtener pedidos y formular estándares de evaluación para trabajos de arte y diseño. Edita y publica periódicos y publicaciones periódicas influyentes, realiza investigaciones detalladas sobre las prácticas de arte y diseño británico y organiza reseñas de libros para analizar obras de arte, diseño y arquitectura.
La Sociedad de Artistas Industriales Británicos se fundó en 1930. Comenzó como un grupo liderado por unos pocos gestores artísticos y un comité electo. Su función es coordinar el enlace con clientes y otros grupos creativos, incluidos: la Royal Society of Arts, la Society of Advertising Artists, la International Society of Artists y el Institute of British Architects. No tiene revista propia, pero publica artículos en diversas revistas especializadas y generalistas de arte para explicar su postura.
Reed, el teórico del arte y el diseño británico más importante de la primera mitad del siglo XX, resumió la relación entre arte e industria que más preocupaba a la comunidad británica del arte y el diseño en ese momento.
El libro se divide en cuatro partes: Planteando preguntas: aspectos históricos y teóricos, forma, color y patrón, educación artística en la era industrial. Los puntos principales del libro son: (1) Durante casi cien años, la gente ha intentado dar una apariencia estética a los productos industriales. Esto a menudo aumenta el costo del producto y tiene un impacto negativo en la productividad laboral. La decoración se ha convertido en un lujo. No debemos adaptar los productos industriales a los estándares estéticos de las artesanías del pasado, sino desarrollar nuevos estándares estéticos que sean consistentes con los métodos de producción modernos. (2) El arte es completo en su desarrollo histórico, pero sus formas específicas cambian constantemente. Para eliminar la contradicción entre arte e industria, no sólo debemos considerar los requisitos de la producción moderna, sino también comprender la naturaleza de la creación artística. El arte da a los materiales una forma que atrae la atención emocional o intelectualmente y evoca sentimientos. Esto demuestra que el papel de las formas de arte es universal. (3) La aplicación de nuevos materiales, la revolución de la arquitectura y la renovación de los transportes y las comunicaciones han planteado muchos problemas para la transformación del entorno de vida. El entorno de vida debe tener un estilo unificado. Algunas personas pueden sentir que las cuestiones de belleza y perfección artística requieren demasiada energía y tiempo. (4) ¿Se pueden contemplar los productos industriales desde la perspectiva de la creación artística? Para responder a esta pregunta, Reed abogó por dividir el arte en dos tipos: arte humano y arte abstracto. En el arte humano, el significado humano domina y la forma artística es transmisora de ideales y emociones. En el arte abstracto, la atención no se centra en los ideales sino en la forma, apelando directamente a la experiencia estética humana.
(2) Diseño artístico francés temprano
Le Corbusier es el representante más importante del diseño artístico francés de principios del siglo XX, y el esteticista Sourio es un importante teórico del diseño artístico.
Corbusier nació en Suiza en el seno de una familia de talladores de relojes y recibió educación artística en Francia. Combinando los logros de la tecnología moderna con la forma, demostró las posibilidades del diseño moderno en casas e instalaciones públicas. Vive en París desde 1917.
En 1918, junto con el pintor francés Auzhanfan, formuló la teoría del purismo, tratando de plasmar en pinturas las reglas de la economía y la era de las máquinas, simplemente delineando las líneas de los objetos cotidianos (principalmente electrodomésticos). Cree que el entorno moderno en el que vive el ser humano incluye la construcción urbana, la arquitectura y el mundo de los productos.
En la construcción urbana, Corbusier pintó el cuadro de una ciudad ideal. Los rascacielos crean ciudades verticales, apuntando al cielo, llenas de luz solar y aire. La enorme fachada geométrica del rascacielos está hecha enteramente de vidrio, lo que hace que el edificio sea tan claro y transparente como el cristal. El parque está construido en la base del edificio, convirtiendo toda la ciudad en un jardín gigante. Corbusier entendía la residencia de la era industrial
cultural como un elemento básico de la estructura general de la ciudad moderna. El pabellón "New Spirit" que diseñó para la Exposición Universal de París de 1925 es un modelo de la misma escala. Cada apartamento es un cubo y se pueden construir 660 apartamentos juntos para formar una comunidad.
La creación de Corbusier reconsideró el papel de los factores estructurales y funcionales en el diseño y creación de imágenes artísticas, que en muchos sentidos determinaron el estilo de la arquitectura y el diseño artístico en el siglo XX. Creía que "el arte decorativo moderno no tiene decoración", centró su atención en la armonía entre la proporción pura y las figuras geométricas simples y, basándose en la proporción del cuerpo humano, formuló un sistema de armonía dimensional, que quedó expuesto en su libro "Humano" Ha quedado demostrado en "La Regla de Tres".
Suriot defiende la estética racionalista y muestra la belleza de la razón. El llamado argumento de la belleza racional consiste en buscar una forma de belleza objetiva, incluso técnicamente aceptada internacionalmente. Contrariamente a la estética experimental popular en ese momento, que buscaba leyes objetivas de la belleza de abajo hacia arriba, Suryaou demostró estas leyes filosóficamente de arriba hacia abajo. También aplicó los principios del racionalismo a la creación y los intereses artísticos, se opuso a las opiniones impresionistas y enfatizó el * * * papel de la emoción y la razón en el juicio de los intereses.