En los siglos XV y XVI, los primeros trajes de ballet abogaban por el lujo. En el siglo XVII, la falda corta "Tonelli" con aros de alambre que llevaba el protagonista masculino y la falda de ballena que llevaba la protagonista femenina parecían voluminosas. Para demostrar plenamente las posturas de danza y las habilidades del ballet, los trajes de ballet han sufrido varias innovaciones a lo largo de la historia y se han mejorado gradualmente. Entre ellos, es más importante la reforma de los zapatos y faldas de baile.
① Zapatillas de ballet: A principios del siglo XVIII, Kamal Ge inventó los zapatos de tacón fabricados con materiales blandos. Se agrega una almohadilla especial a la punta de los zapatos sin tacón 1790, lo que permite a los actores bailar de puntillas.
②Falda de ballet: En 1832, M. Taglioni comenzó a utilizar el vestido sin tirantes diseñado por E. Lamy, que fue llamado la "falda de ballet romántica". Esta falda de baile tiene un top ajustado y una falda plisada en forma de campana hasta las rodillas. Se cortaron varias capas de tul blanco en la falda y se combinaron con pantimedias de color rojo claro para permitir a los actores realizar bailes como patadas. En 1880, el tutú se acortó para exponer los muslos, se llamó tutú y se convirtió en el tutú estándar. La falda se compone de 4 a 5 capas de pliegues de seda y está conectada a un chaleco del tamaño correspondiente.
Desde el siglo XX, la mayoría del ballet moderno ha adoptado trajes de vida artística.
Póster creativo de zapatillas de ballet Repetto
Repetto es la marca líder de zapatillas de ballet francesas. Lippetto se fundó en 1947 y la dirección actual de la oficina central de París es el estudio de ballet de la fundadora de la marca, la Sra. Ross Repetto. Para fabricar las mejores zapatillas de ballet profesionales para su hijo, el famoso bailarín francés Roland Petit, la Sra. Rose Lippeteau fundó Lippetot Shoe Store.
Desde entonces, Lipado se ha convertido en la marca de calzado designada por muchos bailarines y compañías de ballet. Lo que realmente lo hizo famoso fue que en 1956, la sexy actriz francesa Brigitte Bardot usó zapatos rojos de Cenicienta con el logo de Lippeto en su película. Desde entonces, este tipo de zapatos de baile Repetto Cenicienta se ha convertido oficialmente en un producto clásico que representa uno de los estilos franceses. Hoy en día, las bailarinas Repetto Cinderella siguen siendo las favoritas entre las mujeres parisinas.
Requisitos de vestuario para representaciones de ballet
Vestuario para representaciones de ballet. Incluye medias y pantalones para actores, zapatillas de ballet para bailarinas de ballet, medias y zapatillas de ballet. En los siglos XV y XVI, los primeros trajes de ballet abogaban por el lujo. En el siglo XVII, la falda corta "Tonelli" con aros de alambre que llevaba el héroe y la falda de ballena que llevaba la heroína parecían voluminosas. Para demostrar plenamente las posturas de danza y las habilidades del ballet, los trajes de ballet han sufrido varias innovaciones a lo largo de la historia y se han mejorado gradualmente. Desde el siglo XX, la mayoría de los ballets modernos han adoptado trajes de vida artística.
La ropa de ballet masculina actual es principalmente un producto estandarizado de la forma de arte del ballet. Ha evolucionado lentamente y es algo universal, por lo que no significa que la ropa actual sea absolutamente razonable (bailarines modernos Los trajes). y la danza del ballet a menudo se critica como irrazonable, completamente contraria a las leyes de la naturaleza y no como una danza hermosa). Su propósito es mostrar el contorno del cuerpo humano en la mayor medida posible, mostrar la belleza del cuerpo humano. y al mismo tiempo facilitar los movimientos corporales a gran escala.
El desarrollo histórico del ballet
Ya en el Renacimiento, las personas bajo la influencia del humanismo comenzaron a prestar atención al valor y función del propio cuerpo humano, promoviendo así el desarrollo de la economía social, la ciencia y la cultura. En Italia, cuna del Renacimiento, los príncipes y nobles consideraban el arte como una herramienta y un medio para mostrar su poder y ampliar su influencia política. No dudaron en gastar enormes sumas de dinero para compararse y competir entre sí, por lo que la cultura y el arte de este período alcanzaron un desarrollo sin precedentes. En este contexto histórico, el ballet, basado en danzas folclóricas sencillas, pasó gradualmente de ser una danza de juego a convertirse en una forma de arte con estilos, pasos y técnicas claros en la corte italiana. En aquella época, el ballet era una forma sencilla de entretenimiento interpretada por príncipes y nobles en diversas celebraciones y banquetes de la corte, por lo que también se le llamaba "ballet de banquete". El ballet del banquete representado en la boda del duque de Milán en 1489 es su representante. Al mismo tiempo, surgió en la corte una nueva profesión: la de maestro de danza.
A finales de 2015, cuando el rey francés Ricardo VIII dirigió sus tropas a Italia, quedó gratamente sorprendido al descubrir este hermoso y lujoso "ballet de banquete", por lo que los artistas franceses e italianos "introdujeron" el arte. del ballet juntos a Francia.
El "Ballet de Comedia de la Reina" se representó en 1581 en la boda de la hermana de la reina Luisa de Francia. Fue el primer ballet de gran escala de la historia. La obra fue escrita y dirigida por el músico y profesor de danza italiano Bergioso (15-1587), y más tarde pasó a llamarse "Poloye". En el siglo XVII d.C., el ballet se convirtió en una parte importante de la vida de la corte francesa. Tanto Luis XIII como Luis XIV amaban el ballet y participaban en representaciones en persona, especialmente Luis XIV, el "Rey Sol", que estaba fascinado por el ballet. Ha desempeñado el papel principal en 26 ballets de gran escala y organizó a tres maestros, Lurie, Molière y Beauchamp, para que se encargaran de la creación y ejecución del arte del ballet, formando una nueva forma de ballet, el "ballet intermedio". En 1661, fundó la Real Academia de Danza, la primera escuela de danza en la historia del ballet, y comenzó a estandarizar la investigación y la organización de la formación en danza. Los cinco pies del ballet y la posición de sus manos se establecieron en esa época y todavía se utilizan en la actualidad. En la segunda mitad del siglo XVII, el arte del ballet salió de la corte, subió al escenario y comenzó a convertirse en un arte teatral, surgiendo así el primer grupo de bailarines de ballet profesionales. Pero en ese momento, todas las heroínas eran interpretadas por actores masculinos. No fue hasta 1681, cuando se representó "El triunfo del amor" de Li Lu en la Ópera de París, cuando debutó una bailarina de ballet, La Fontaine, que interpretó a la heroína y se convirtió en la primera bailarina de ballet de la historia. Luego, poco a poco aparecieron los zapatos puntiagudos que llevaba la actriz.
El origen del ballet francés
Ballet, palabra francesa, tiene su origen en el antiguo latín ball-lo. Originalmente sólo se refiere a bailar o realizar danzas en público, y no existe. teatro. El significado de la actuación. Como arte escénico, el ballet nació en Italia durante el Renacimiento y se formó en la corte francesa en el siglo XVII d.C. En la historia del ballet se le llama ballet de corte. De hecho, es una actuación integral de danza, canto, música, recitación y teatro en una estructura flexible bajo un tema unificado. Está diseñado por bailarines profesionales de la corte, con el rey y los ministros nobles como actores, y los papeles femeninos también son interpretados por hombres. Los actores usan máscaras de cuero, por eso también se le llama ballet de máscaras. En 161, el rey Luis XIV de Francia ordenó el establecimiento de la Real Academia de Danza en París, lo que impulsó en gran medida el desarrollo del ballet. Anteriormente, los ballets de la corte se representaban en la sala central del palacio, rodeados de dignatarios y damas del palacio. Desde 65438 hasta los años 1970, el teatro del Palacio Richelieu se utilizó para representaciones de ballet, que cambiaron el lugar y la perspectiva del público, así como las técnicas de danza y las perspectivas estéticas. Como los actores tienen que mirar al público y estar cada vez más abiertos, se determinaron cinco formas y posiciones básicas de los pies, que también se convirtieron en la base para el desarrollo de la tecnología del ballet. En esta época surgieron actores profesionales que gradualmente sustituyeron a los actores aficionados de los príncipes y nobles, y comenzaron a aparecer actrices profesionales. El ballet se ha transformado de una actividad social para el entretenimiento personal a un arte escénico dramático. Hasta mediados del siglo XVIII, las representaciones de ballet generalmente incluían una escena agregada a una ópera. Era una representación relativamente simple y los historiadores la consideraban así. cantando ballet. J-G Novels propuso por primera vez la idea de un "ballet argumental" en "Cartas sobre la danza y la danza" publicadas en 1760, enfatizando que el ballet no es solo una habilidad física, sino también un medio de interpretación dramática y comunicación de pensamientos y emociones. Esta teoría impulsó la reforma integral del ballet, que hizo que el ballet sufriera enormes cambios en contenido, temática, música, forma estructural, vestuario, etc., y lo convirtiera en un arte escénico independiente con la danza como principal medio de expresión. Esto permite que el ballet exprese plenamente las obras dramáticas y dé forma a los personajes. A finales del siglo XIX, el ballet tuvo una tendencia de desarrollo sinfónico. Tras el desarrollo de la danza moderna en el siglo XX, influido por ella, surgieron en el ballet un gran número de obras que expresaban emociones, filosofía o interpretaban música.
Ballet-Danza Pura
En la historia del desarrollo del ballet, hay dos puntos de vista estéticos principales en juego. Una opinión es que el ballet es una "danza" pura. Se centra por completo en la belleza formal del ballet e ignora casi por completo su contenido, lo que lleva a la búsqueda de una técnica soberbia y escenas magníficas. Antes de mediados del siglo XVIII, este punto de vista era dominante. Otro punto de vista enfatiza que el ballet es una "danza teatral" que comenzó en las novelas. Esta visión sostiene que "la trama y la coreografía deben estar unificadas, con una historia clara y fácil de entender como tema central, y los bailes solistas y los segmentos de danza que no tienen nada que ver con la trama deben eliminarse". No sólo debe sobresalir en la tecnología de la danza, sino también sobresalir a través del drama. Las actuaciones conmueven al público emocionalmente”. Esta visión todavía juega un papel dominante hoy. Desde el siglo XX, si bien han aparecido excelentes ballets dramáticos, también han aparecido muchos ballets no diegéticos que se centran en la belleza formal.
Con la mejora y diversificación del gusto estético de la gente, ambos tipos de obras son bien recibidos por el público. Bajo la influencia de diversas corrientes literarias modernas, los estilos del ballet se han vuelto cada vez más diversos y las distintas obras se han vuelto cada vez más coloridas.
Una obra de ballet requiere primero que el director conciba la estructura del ballet o de la danza a partir del guión (o de un poema o de una obra musical), para luego plasmarlo a través de las actuaciones de los actores. La concepción del director y las actuaciones de los actores deben reflejar profundamente los pensamientos y sentimientos del guión (poesía, música). Tanto los directores como los actores deben dominar el vocabulario del ballet: las técnicas técnicas del ballet y la capacidad de utilizarlas para expresar contenidos específicos. Los editores deben saber en qué son buenos y qué no pueden expresar. Los actores, por otro lado, deben estar bien capacitados para adaptarse y encarnar creativamente las ideas e intenciones del director. Además, los coreógrafos y actores deben cooperar con los compositores y diseñadores de arte para integrar orgánicamente la danza, la música y el arte para lograr un efecto artístico general. El ballet incluye danza solista, danza a dúo, danza en trío, danza en grupo, etc. El coreógrafo puede organizar las danzas anteriores en ballets de múltiples actos, ballets de un solo acto o bocetos de ballet en forma de danza clásica, danza individual (danza folclórica escénica) y danza moderna.
La palabra ballet proviene del italiano ballet, que significa bailar, especialmente “toe dance”, que es una forma de danza clásica europea. Durante su desarrollo, esta danza se utilizó a menudo para contar historias escénicas y gradualmente formó una forma escénica especial. En 1772, Charles Didelot dijo en la "Enciclopedia Francesa" que "El ballet es un departamento que interpreta los movimientos a través de la danza... requiere especialmente el placer dramático..."
El arte del ballet se concibió en Italia y nació en La corte de Luis XIV en Francia a finales del siglo XVII, se volvió cada vez más perfecta en Francia en el siglo XVIII y entró en el período más próspero de Rusia a finales del siglo XIX. En su desarrollo histórico a largo plazo de casi 400 años, el ballet ha tenido un gran impacto en países de todo el mundo y se ha convertido en una forma de arte que países de todo el mundo se esfuerzan por desarrollar.
En el siglo XIX aparece en París el “Ballet Romántico”, lo que supuso una época dorada en la historia del ballet. Introdujo Sylphide (1832), Giselle (1841), Gabriella (1870). Dejó atrás una gran cantidad de obras clásicas como "La Bella Durmiente" (1890), "El Cascanueces" (1892) y "El Lago de los Cisnes" (1895), lo que llevó a la gente a formarse el concepto de que "la danza dramática es la forma más elevada". de la danza."
Cuatro ángulos para juzgar indirectamente la calidad.
1. ¿Es la actuación de la bailarina de ballet tan fascinante que el público sólo puede sentarse en la mitad delantera de la silla, estirar el cuello, abrir los ojos y mirar fijamente?
3. Si la actuación del bailarín alcanza un estado de libertad o al menos deja una impresión de tranquilidad en el público.
3. Si el bailarín se olvida de los detalles y simplemente sigue la lógica del espectáculo; movimiento en sí;
4. Durante la actuación, ¿la bailarina da a la gente la impresión de que simplemente está corriendo por el espacio con su cuerpo y olvidándose de todas las preocupaciones mundanas?
Apreciar el ballet requiere conocimientos.
El concepto tradicional de agradecimiento requiere que el público llegue al teatro con media hora de antelación, para poder dejar fuera de las puertas del teatro los asuntos triviales y las preocupaciones de la vida diaria, luego calmarse y dedicarse. se entregan de todo corazón al teatro. Un campo estético tan especial. El pensamiento moderno del conocedor cree que no importa cómo se "escriba" la trama. En última instancia, el ballet sigue siendo danza, complementada con teatro. De lo contrario, ¿cómo podemos explicar el fenómeno en el ballet de los bailarines principales que frecuentemente saludan al público después de un dúo, o incluso después de una variación?
En el proceso de apreciar el ballet, el "sexto sentido", el sentido cinestésico, debe ser la herramienta más importante para el público. Si realmente no sabes apreciar el ballet, entonces no pienses en nada, simplemente entra al teatro y comienza “sintiendo” el ballet. Por lo tanto, es mejor que el público del ballet viaje ligero y se vaya con las manos vacías para que pueda tener su propia respuesta cinestésica, libre, relajada e inmediata y comprensión de los movimientos del bailarín de ballet en cualquier momento.