El principio de "múltiples actos en el mismo escenario" en los escenarios dramáticos medievales europeos es representativo. Las llamadas "escenas múltiples en el mismo escenario" se refieren a organizar varios lugares de acción (llamados lugares escénicos) requeridos por la trama en una representación, como el cielo, el infierno, la iglesia terrenal, el océano, el lugar de nacimiento de Jesús, el cruz, etc Al mismo tiempo en un lugar de actuación. En las representaciones medievales se utilizaban a menudo efectos especiales como dispositivos mecánicos y cambios mágicos, siendo el cielo y el infierno los lugares más atractivos para el público. Desde el siglo XV hasta principios del XVI se produjeron nuevos cambios en el arte escénico italiano. El símbolo más destacado fue la aplicación integral de la ley de la perspectiva focal y diversos métodos de modelado en el escenario. El pintor y arquitecto Bramont fue el primero en estudiar la perspectiva focal y aplicarla a la escenografía, y Pevokino y Paolo Peruzzi fueron los primeros en ponerla en práctica en el escenario. El arquitecto Serio practicó en escena los paisajes clasificados descritos por el antiguo arquitecto romano Vitruvio: palacios y templos para la tragedia, casas urbanas para la comedia, montañas y valles para la ópera pastoral. Algunos de los grandes artistas de la época, como Leonardo da Vinci y Rafael, participaron en el diseño de performances.
Desde finales del siglo XVI hasta finales del XVII, el desarrollo del arte paisajístico europeo estuvo estrechamente relacionado con la ópera y el ballet de la corte. Los temas míticos de las actuaciones y la búsqueda de escenas lujosas y hermosas promovieron el desarrollo de la tecnología y la maquinaria escénica. El antiguo paisaje del prisma triangular se utilizó como referencia para resolver el problema del cambio de escenario. La perspectiva se aplicó aún más al escenario y se combinó con la tecnología escénica para crear un nuevo estilo de escenografía: el sistema de escenografía lateral. Este sistema de escena se caracteriza por dibujar varias imágenes en los bordes, cortinas y cortinas traseras para formar arcos de árboles, edificios o escenas interiores con techos. El inventor de este sistema de escenografía fue el escenógrafo italiano Aleotti, y fue mejorado por muchos arquitectos y escenógrafos italianos, los más famosos de los cuales fueron los arquitectos teatrales, escenógrafos y mecánicos de escenarios Torelli de Fano. Era conocido como el "mago del escenario" debido a su habilidad para utilizar maquinaria escénica para cambiar los patrones de escena. De 1618 a 1619 apareció en Parma el primer escenario de estructura permanente adaptado al sistema de escenario lateral.
El sistema escénico italiano se ha extendido ampliamente por toda Europa. Sus comunicadores son I. Jones en el Reino Unido, Cosmao Loti en España, J. Feddenbach en Alemania, Burnas Cheney en Viena y Torelli y Bigarani en Francia.
En el siglo XVI, al mismo tiempo que se formaba y desarrollaba el sistema escenográfico italiano, basado en representaciones folclóricas, aparecieron en España los teatros de hotel y en Inglaterra los teatros populares (comúnmente conocidos como teatros isabelinos). Este tipo de actuación utiliza poco o ningún escenario, pero utiliza la estructura espacial del teatro y el escenario para ayudar a los actores a actuar.
En el siglo XVII, con el establecimiento del sistema monárquico centralizado en Francia, surgieron los principios clásicos de la creación dramática. Sus decorados se caracterizan por su tipología, que generalmente sólo representan ambientes como "palacio" y "habitación". Cualquier tragedia (en el palacio) o comedia (en la casa) puede representarse en un mismo decorado, por eso se le llama deber. colocar. El desarrollo ulterior del arte operístico planteó nuevas exigencias para el arte escénico. En aquella época había muchas familias escénicas en Europa, la más representativa de las cuales era la familia Bibi en Italia. Cuatro generaciones de abuelos se han dedicado al trabajo artístico escénico. Introdujeron la tecnología de perspectiva angular en el arte del paisaje, expresaron con éxito la compleja imagen de la arquitectura barroca y llevaron la tecnología de la pintura de paisajes a un nuevo nivel.
En la primera mitad del siglo XVIII se popularizó la "escenografía de servicio". En la segunda mitad del siglo XVIII, París y Londres abolieron sucesivamente la costumbre de que el público se sentara en el escenario para ver obras, allanando el camino para un mayor desarrollo del arte escénico. La escenografía se desarrolló en una dirección más cercana a la vida. nacional e históricamente específico. Poco a poco se ha ido superando la influencia de los estilos barroco y rococó en el paisaje.
Con el desarrollo de los dramas de género serios, para satisfacer las necesidades de la vida escénica, a finales del siglo XVIII apareció en el decorado una escena interior en forma de tres paredes. Entre los artistas escénicos influyentes durante este período se encontraban el pintor francés Rothberg, el escenógrafo británico William Capone y otros, todos los cuales habían trabajado en Gran Bretaña durante mucho tiempo.
En el siglo XVIII, la característica común de las representaciones dramáticas en los países asiáticos era el énfasis en el uso del espacio escénico. Por ejemplo, en Japón aparecieron teatros y escenarios dedicados a representaciones de Kabuki. El frente del escenario es muy grande y se extiende hasta el auditorio. Hay un "camino de flores" entre el escenario y el auditorio, y un dosel móvil detrás del escenario. Las representaciones de Kabuki a veces utilizan escenas descriptivas tridimensionales, como paredes de casas y patios. Los tocadiscos operados manualmente se utilizaron por primera vez en representaciones en Japón en 1756. En ese momento, China, India, Indonesia y otros países rara vez usaban decorados para representaciones dramáticas y los tratamientos de estilismo se limitaban a máscaras, maquillaje facial, maquillaje y disfraces. La tendencia del realismo arqueológico que surgió a finales del siglo XVIII continuó en la primera mitad del siglo XIX. Durante la representación de "King John" en el Coving Garden Theatre en 1823, el escenógrafo de origen francés Planche demostró su búsqueda de la autenticidad histórica en los decorados y el vestuario. En la década de 1930, el drama romántico comenzó a dominar el escenario. Valora el lugar de acción como un “personaje silencioso”, testigo de los acontecimientos. Los dramaturgos románticos escribieron muchas sugerencias sobre los requisitos ambientales en sus guiones, participaron personalmente en el ensayo del guión y, a veces, incluso dibujaron dibujos de diseño para ilustrar sus intenciones. En aquella época, algunos pintores famosos también se sintieron atraídos por el teatro para participar en el diseño de actuaciones. En sus creaciones hay estructuras complejas que representan escenas realistas y trajes magníficos. Al tratar las imágenes de paisajes de los guiones históricos, continuamos persiguiendo la realidad arqueológica.
Para satisfacer las necesidades de la producción en masa de "escenografía de servicio", en la segunda mitad del siglo XIX, surgieron algunos talleres multinacionales de suministro de escenografía. Estos trajes producidos en masa eran voluminosos, duraderos y confeccionados con atención al detalle, pero de estilo muy inconsistente.
La Compañía Alemana de Teatro Meiningen se fundó en 1866. Incorpora el arte de la escenografía al concepto escénico y se caracteriza por la precisión histórica de los decorados. A finales de la década de 1970, Zola amplió la teoría naturalista al campo del drama, requiriendo el uso de escenas para "reproducir con precisión el entorno social". El director francés A. Antoine, el director alemán O. Brahm y el director estadounidense David Belas Coe han encarnado esta teoría en la práctica escénica. La escenografía naturalista promovió el desarrollo de la tecnología escénica, mejoró la expresividad de la escenografía realista y trazó una línea clara con la escenografía impersonal comercializada, la escenografía romántica barata y la escenografía de acrobacias sensacionales en el siglo XIX.
A finales de 2019, un grupo de pintores rusos famosos, como вддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддддд10719 A finales del siglo XX, el Teatro de Arte de Moscú llevó a cabo un conjunto de innovaciones, destacando la concepción de la imagen global de la La escenografía realista y la tarea del director de encontrar el mismo lenguaje figurativo crean al artista escénico que es un "director de estilo". ваа Simov es llamado "el precursor de este nuevo artista escénico". Al mismo tiempo, los artistas escénicos rusos кааабTam y аб Golovin que trabajaban en el Teatro Real introdujeron cambios fundamentales en el arte de la escenografía en el escenario oficial.
A medida que se desarrolló el arte de la escenografía, también lo hizo la tecnología escénica. A principios del siglo XIX apareció la pintura en pergamino y se hizo popular en el escenario el método de utilizar tul para presentar imágenes transparentes de dos caras. Este enfoque técnico ha ido acompañado de innovaciones en iluminación. En 1896, Raoutschleger utilizó por primera vez un tocadiscos mecánico en una actuación en el Teatro "Minister" de Munich. Las técnicas de actuación cada vez más complejas dieron como resultado la frecuente apertura y cierre de cortinas durante los intermedios.
Hubo un experimento en el siglo XIX para restaurar la apariencia original de las obras de Shakespeare sin montar representaciones. Karl Immelmann construyó el Teatro de Düsseldorf en 1840 y en 1843 representó El sueño de una noche de verano al estilo de Shakespeare.
1879 Se establece el Shakespeare Memorial Theatre en Stratford, Inglaterra. El Shakespeare Stage fue construido en Munich, Alemania, en 1889.
A finales del 19 apareció en Francia el drama simbolista. Pintores simbolistas como Degas en Francia y Munch en Noruega diseñaron obras de arte para representaciones teatrales. El simbolismo tuvo una gran influencia en las actividades escénicas de principios del siglo XX. A principios del siglo XX, la diversificación de las representaciones teatrales condujo al correspondiente desarrollo del arte escénico. Las actividades teóricas y creativas del suizo Appia, el británico Gordon Gray y el polaco Wisby Janski tuvieron una gran influencia en el desarrollo del arte paisajístico de este período. Se opusieron al naturalismo en el teatro y a la pintura plana en el escenario. Propusieron que la imagen de la actuación debería ser simple y general, y abogaron por el uso de imágenes de escenas abstractas y neutrales (superficies abstractas y productos compuestos de cubos, pantallas, plataformas y escalones). en la representación de las luces. Crea infinitos cambios para expresar el "mundo futuro" imaginario. En cuanto a su actitud hacia los actores, Appiah y Vespi Jansky abogaron por dar protagonismo a los actores, mientras que Gray defendió la dictadura del director y propuso sustituir a los actores por "supertíteres". Sus teorías y prácticas, por un lado, reflejan los requisitos de las representaciones dramáticas simbólicas y abren el camino para las representaciones dramáticas modernistas, por otro lado, también plantean nuevos temas para las representaciones dramáticas realistas; El "escenario gigante" imaginado por Wisby Jansky y el "escenario de relieve" experimentado por el organizador del Teatro de Arte de Munich, Georg Fox, comenzaron a romper el marco del escenario. Desde 1908 hasta principios de la década de 1920, la Compañía de Ballet Ruso organizada por Dzhagireev atrajo a un gran número de pintores rusos para diseñar representaciones para sus temporadas de representaciones externas. Estos pintores enriquecieron el escenario con sus colores brillantes, decoraciones llamativas y el estilo nacional ruso. Posteriormente absorbió pintores de diferentes países y escuelas, como Picasso, Braque, Baxter, Benoit, etc. , para diseñar, surgieron diversas formas, pero se perdieron las características nacionales de Rusia. M. Reinhardt aprovecha los puntos fuertes de otros, integra tiempos antiguos y modernos, colabora con artistas de diferentes estilos y realiza diversas actuaciones.
La escenografía expresionista se hizo popular por primera vez en Alemania durante la Primera Guerra Mundial y pronto se extendió a otros países. Los paisajes expresionistas utilizan líneas inclinadas, imágenes retorcidas, colores de luz fuertes y cambiantes y procesamiento de luces y sombras para expresar el mundo de fantasía de los sentimientos subjetivos del artista. Además, el cubismo (que expresa diferentes combinaciones de formas geométricas), el constructivismo (que expresa estructuras abstractas "esqueléticas"), el futurismo (que expresa la "agitación", la "velocidad" y el "poder" de la era mecanizada), el surrealismo (que expresa la muchos géneros como "Representar escenas de sueños como mi deber". Estos géneros han logrado avances en la exploración de nuevas formas y el desarrollo de medios de expresión, pero excluyen la naturaleza ideológica de la creación artística y tienden a ser absolutos y unilaterales.
Durante este periodo, el arte paisajístico de Rusia y la Unión Soviética también experimentó una diversificación. El Teatro de Arte de Moscú, dirigido por ксstanislavski y ви Nie Mirovic-Danchenko, experimentó con diferentes formas de actuación, lo que dio como resultado escenografías influyentes para El pájaro azul, Hamlet, Los hermanos Karamazov y Lucilat. Al mismo tiempo, en torno a las actividades artísticas de los directores вϲϲ Mercolid, Ty Carrizo Love, ебб Vakhtangov y otros, se exploraron formas de interpretación y estilos de ambientación no realistas. Basándose en su teoría del desempeño de las funciones biológicas, Meyerhold persiguió el "realismo hipotético" en el desempeño y llevó a cabo extensos experimentos sobre formas y medios de desempeño, que tuvieron una gran influencia. La escenografía constructivista fue alguna vez un aspecto importante de sus actividades artísticas. Tay Roff experimenta con decorados cubistas. Vakhtangov, por otro lado, experimentó con formas de actuación en torno a la necesidad de utilizar técnicas externas para expresar los pensamientos y sentimientos de los personajes. Su interpretación de Doraemon es famosa por su forma colorida y grotesca.
Durante este periodo surge el arte escénico americano. Después de Belas Coe, R.E Jones, L. Simonson, N.B Gaddis y otros determinaron sus diferentes características creativas en diversas exploraciones. Con su rica imaginación, Jones encarnó varias formas escénicas que aparecieron en el continente europeo en el escenario estadounidense; las creaciones de Simon fueron incluidas en la categoría de "realismo selectivo" en Occidente. Las creaciones de Gaddis son buenas para diseñar la apariencia tridimensional del; juego completo.
Los dramas épicos del alemán B. Brecht y los dramas políticos de E. Piscator plantearon nuevos temas para el desarrollo de la escenografía. Los diseñadores Caspar Nekh, Theo Otto y K. von Abenmi crearon los decorados del drama épico desde diferentes aspectos. Utilizan medias cortinas (usadas por primera vez en 1926), iluminación con luz blanca, fondos abstractos o neutros, dan pleno juego a las funciones naturales de los materiales del escenario y utilizan accesorios específicos, gráficos murales, proyecciones de pantalla y otros medios para complementar el entorno de la actuación y Evite la reproducción vívida del entorno. En la representación del drama político "El pescador", se utilizó ampliamente la tecnología de proyección.
Desde los años 1940 hasta los años 1950, las formas dramáticas realistas volvieron a dominar el escenario. Después de la década de 1960, con el surgimiento continuo de géneros dramáticos como el drama absurdo, el drama de crueldad, el drama de "pobreza" ("Trabajo duro"), el drama oportunista y el drama ambiental, el estilo del escenario también cambia constantemente. Estos géneros dramáticos también requieren que el espacio y la forma del escenario se manejen de acuerdo con principios artísticos consistentes con sus propias ideas estéticas. Pero en términos de forma escenográfica, los distintos géneros teatrales rara vez tienen sus propios decorados únicos. Las diferentes escuelas de teatro utilizan selectivamente medios, formas y métodos técnicos de acuerdo con sus propios conceptos dramáticos, formando un mundo del arte en constante cambio. El surgimiento de un nuevo tipo de "conjunto de funciones" refleja esta tendencia de desarrollo: crear un lote de conjuntos de componentes basados en formas abstractas y realizar diferentes combinaciones para satisfacer diferentes necesidades de rendimiento. En este desarrollo, el papel inherente del escenario en la expresión vívida del "entorno" se ha debilitado, mientras que la función práctica inherente del escenario en la organización de los espacios de actuación se ha fortalecido y resaltado. La expresión de los pensamientos y emociones subjetivos del artista ha cambiado desde el principio. Expresión directa de imágenes escénicas a sugerencias y formas sugerentes. Por tanto, la forma del paisaje tiende a ser abstracta.
En este proceso de desarrollo histórico, el desarrollo de la tecnología escénica se muestra claramente de la siguiente manera: ① Uso extensivo de nuevos logros científicos y tecnológicos para probar nuevos materiales de interpretación y utilizar la textura y el rendimiento de las materias primas para crear forma de actuación de actuaciones únicas. ②La investigación y aplicación de la luz. J. Swoboda de Checoslovaquia creó un mundo escénico que integraba presentaciones de diapositivas, películas, proyecciones de televisión y proyecciones multipantalla y desde múltiples ángulos, que tuvo una amplia influencia.
En el siglo XX, continuaron los experimentos para restaurar la forma de representación de la época de Shakespeare. El Reino Unido, Canadá, Estados Unidos y otros países han construido algunos escenarios o lugares de representación que imitaban o se acercaban a las obras de Shakespeare. en la Inglaterra isabelina. El resurgimiento de esta antigua forma de actuación se ha denominado "isabelanización" o "nostalgia isabelina".
Aunque conservaba la tradición del drama clásico oriental, Japón comenzó a introducir formas dramáticas europeas, incluido el arte escénico, en Japón a principios del siglo XX, llevando el arte escénico japonés a la tendencia del desarrollo del arte escénico internacional. El arte escénico moderno de Japón con características nacionales fue creado después de la Segunda Guerra Mundial. Se ubica entre los círculos artísticos escénicos internacionales por su concepción única, formas diversas y ricos materiales y formas de modelado. En el proceso de su desarrollo, ha surgido un grupo de artistas escénicos con amplia influencia, entre los que se encuentran artistas representativos como Nishuo Ito, Kenji Yoshida, Ryotaro, Isamu Kitagawa, etc.
A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, el arte escénico soviético experimentó un punto de inflexión. Con el desarrollo de la comprensión del realismo socialista, la exploración artística de diversas formas de actuación en las décadas de 1920 y 1930 fue reevaluada y desarrollada aún más.
Los principales elementos del arte escénico de la ópera china son el vestuario, el maquillaje y los polvos arquitectónicos. El concepto moderno de paisaje se desarrolló bajo influencia extranjera. Su desarrollo sigue dos pistas: ① la mejora de la ópera y el desarrollo de espacios escénicos en el teatro reformado; ② el desarrollo de la escenografía dramática. La Colección de Drama Chino se produjo y formó entre 1907 y 1930. En 1907, se representó en Shanghai "El registro del esclavo negro", siendo pionero en el uso de escenografía en las representaciones dramáticas chinas. Más tarde, en obras como "La tragedia en el lago", representada en la Sociedad Nanguo, a menudo se utilizaban cortinas y accesorios neutros para representar escenas de la vida social china.
A principios de la década de 1920, Hong Shen y Lin estudiaron arte escénico en los Estados Unidos. Fueron las primeras personas en recibir formación profesional en arte escénico. Después de que Hong Shen regresó a China en 1923, lo utilizó por primera vez en la actuación. El abanico del rico" diseñada por su director. Un escenario duro con tres paredes y un plan estricto. En 1924, Yu Shangyuan y Zhao Taimou regresaron de estudiar en Estados Unidos. En 1925, establecieron el Departamento de Drama en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Pekín, ofrecieron cursos de arte escénico y capacitaron al primer grupo de talentos del arte escénico en China, como He Mengfu y Zhang.
Desde principios de la década de 1930 hasta 1937, el teatro echó raíces y se desarrolló en China. Las representaciones del movimiento dramático de izquierda, las representaciones experimentales de la Asociación de Promoción de la Educación Civil de China en el condado de Dingxian y las representaciones teatrales de aficionados y profesionales en Tianjin y Pekín han contribuido al desarrollo del arte escénico chino.
El diseño escénico durante este período ha mostrado un cierto nivel de profesionalismo y exploración de diversas formas. En 1932, Hong Shen dirigió el diseño del "Puente Wukui" con una estructura de plataforma escalonada tridimensional. "¡Hoo, China!" se mostró en 1933! "(Director:, Diseño: Zhang) La actuación es a gran escala, la composición es majestuosa y el escenario tiene una forma completa, lo que refleja el nivel de actuación y diseño de este período. También se utilizó un tocadiscos en "Quiet on the Frente Occidental" (Diseño: Xu Xingzhi). En la actuación de la Asociación de Promoción de la Educación Civil China de Dingxian del Norte, los escenógrafos Xu Qu, Zhao Yue, Zhao Ming, Chi Ning, Zhong Jingzhi y otros comenzaron a subir al escenario durante este período. Profesional actividades artísticas.
1937 ~ 1949 fue una etapa especial en el desarrollo del arte paisajístico chino en el duro ambiente de guerra, la mayoría de las actividades dramáticas se realizaron en un ambiente de actuación móvil con una variedad de representaciones. Resolver los problemas de modelado de la actuación de acuerdo con las condiciones locales fue una característica importante del arte escénico durante este período. El nivel del arte escénico en ese momento se reflejaba en Shanghai, Wuhan, Guilin, Chongqing y otros lugares donde el entorno de la actuación era relativamente estable. Actuaron más y le prestaron más atención. Diseño escénico y calidad artística. Para satisfacer las necesidades de la práctica escénica, en 1948 se publicó el libro de Liu Lu "Conceptos básicos de la tecnología escénica". Con la fundación de Nueva China, se formó un gran equipo de arte escénico, que se centró en la creación profesional. Desempeñó un papel importante en la formación y desarrollo de teatros (compañías) a nivel nacional. Desde 1950, las escuelas de teatro han abierto sucesivamente departamentos de arte escénico. formó a un gran número de profesionales del arte escénico. A principios de 1981, se estableció la Sociedad China de Arte Escénico.
La escenografía de China sigue el principio de creación realista que refleja el nivel artístico de los primeros días de la fundación. La República Popular China incluye "Pavel Korchagin" (diseñado por Chen), "Longxugou" (diseñado por Chen Yongxiang) y "White-Haired Girl" (diseño), etc.), Russia Problem (diseñado por Liu Lu). y ¡Rugido, China!" (diseño: Sun Haoran, etc.), etc. En la primera representación dramática nacional en 1956, el patrón Qianshan fue diseñado por Zhao Senlin y otros. ) y "Looking West to Chang'an" (diseñado por Lu Yangchun y otros) ganaron el primer premio. Diseños como One Servant and Two Masters, Ordinary Citizens, Liubafu Yalova y Peach Blossom Fan han tenido un gran impacto. Como resumen artístico de las actuaciones de esta exposición, se publicó el libro "Estudio sobre el arte escénico".
Desde el comienzo de la actuación hasta principios de la década de 1960, comenzamos a explorar la diversificación de las formas de actuación y las formas de escenografía. Aparecieron uno tras otro varios diseños de escenografía diferentes, como "Cai Wenji" (diseñado. de Chen Yongxiang), "Under the Neon Lights" "Sentinel" (diseño: Zhou Luo), etc. ), Paper Tiger, en su forma actual, captura a hombres jóvenes (diseñado por Zhang et al.) y Riptide (diseñado por Yong Jin). La exposición de arte escénico celebrada en Beijing de 1963 a 1963 refleja los logros creativos y el nivel de este período.
En 1957, China comenzó a probar presentaciones de diapositivas en las representaciones de "La Tormenta". En 1964, la presentación de diapositivas a gran escala tuvo éxito en la presentación de danza y canto a gran escala de Dongfanghong y se convirtió en un medio importante para modelar la interpretación. Desde entonces, la tecnología de presentación de diapositivas a gran escala de mi país ha ido mejorando día a día y gradualmente ha atraído la atención de sus homólogos extranjeros.
Durante la "Revolución Cultural", el malestar social hizo que las representaciones teatrales en China casi cesaran. No fue hasta 1976 que el arte dramático comenzó a recuperarse.
El primer Simposio Nacional de Teoría del Arte Escénico a finales de 1980 y principios de 1981, la Primera Exposición Nacional de Arte Escénico en 1982 y la publicación de la revista profesional "Arte y Tecnología Escénica" son símbolos destacados de esta etapa de desarrollo. En su práctica creativa, rompió las limitaciones ideológicas formadas durante muchos años y la estrecha comprensión de los métodos de creación artística, abrió el concepto de drama y comenzó a buscar conscientemente formas de actuación y estilos de escenario diversificados. La publicación de libros como "Colección de obras de arte escénico" y "Espacio escénico lleno de símbolos", así como el surgimiento y cultivo de teóricos históricos profesionales, reflejan el desarrollo de la investigación teórica sobre el arte escénico.
En 65438-0986, China se convirtió oficialmente en miembro del Centro Internacional de Artes Escénicas y comenzó a participar en actividades de intercambio académico internacional. En 1987, participó en la Sexta Exposición Cuatrienal Internacional de Arte Escénico celebrada en Praga y ganó el "Premio a la Excelente Combinación de Arte Escénico Tradicional y Moderno".