2. El ballet originalmente se refiere a un arte dramático que utiliza la danza clásica europea como principal medio de expresión e integra música, pantomima, arte escénico y literatura para expresar una historia o un festival emocional. ballet (o ballet clásico). Tras el surgimiento de la danza moderna en el siglo XX, el ballet moderno que combina técnicas de danza moderna y danza clásica como principal medio de expresión se denomina ballet moderno. Poco a poco, la palabra ballet también se utiliza para referirse a obras de ballet que utilizan otras danzas como principal medio de expresión, aunque se diferencia del ballet clásico o del ballet moderno en cuanto a estilo de danza, características estructurales y técnicas de expresión.
3. Un número considerable de obras de danza creadas por coreógrafos modernos no tienen contenido argumental ni argumento. Los coreógrafos utilizan danza clásica europea o danza moderna, o las combinan para expresar un determinado estado de ánimo, una concepción artística o la comprensión del autor de una obra musical. También se les conoce como ballets.
Ballet
El "Ballet[1]" se originó en Italia y floreció en Francia. La palabra "ballet" es una transliteración de la palabra francesa "ballet", que significa "saltar" o "bailar".
Ballet proviene del latín antiguo ballo. Originalmente, la palabra simplemente se refería a bailar o realizar bailes en público y no tenía ninguna connotación a representaciones teatrales.
La historia del ballet se remonta a las grandes cortes de Italia y la corte de Borgoña en el sur de Francia durante el apogeo del Renacimiento europeo. Siempre que te casas, te encuentras con jefes de estado extranjeros o tienes otras celebraciones importantes, este baile se realiza para expresar deseos o agregar diversión.
El primer ballet de la historia del ballet, "The Queen's Comedy Ballet", se representó en 1581. Cuando Margaret Mies de Lorena se casó con el duque Yao Yousi de Fancier, la partitura de este ballet todavía existía y puede considerarse como la música de ballet más antigua.
Prosperidad
El ballet alcanzó su apogeo en la época de Luis XIV (1643-1715). El propio Luis XIV era un bailarín destacado y amaba las representaciones de ballet. En 1661, Luis XIV fundó la primera escuela de danza de la historia, la Real Academia Francesa de Danza, que se especializaba en la enseñanza de la danza. La escuela pertenece ahora a la Ópera de París. Los siguientes cinco movimientos corporales y algunas maravillosas posturas de ballet se crearon aquí en el siglo XVIII.
Bajo el fuerte apoyo de los maestros de danza reales Beauchamp, Cambefort y Lully, la importancia cultural y musical del ballet francés ha aumentado considerablemente. Por tanto, el ballet se convirtió en el origen de muchos nuevos bailes de la corte como: Gavitt, Paspid, Bore, Rigaoden, etc. El más importante de estos bailes es el minueto. En 1653, Li Lu comenzó a participar en actividades de ballet en la corte francesa y alcanzó un nivel muy alto. En ese momento, estaba trabajando con Moliere en el llamado ballet cómico, un híbrido de teatro y ballet.
En el año 161, el rey francés Luis XIV ordenó el establecimiento de la primera Escuela Real de Danza del mundo en París, estableciendo cinco pies básicos y siete manos para el ballet, dotando al ballet de un conjunto completo de acciones y sistemas.
"Le Bourgeois Gentilhomme", estrenada en 1760, puede considerarse como la obra representativa más famosa de este tipo de danza dramática. Lurie incorporó el ballet a sus óperas y sus dos sucesores, Campra y Rameau, hicieron lo mismo.
Las obras de Moura, en particular, son aún más cómicas porque asimilan sentimientos extranjeros como México, la salud y China. Por supuesto, esto tiene algo que ver con su carácter y su paisaje. La parte británica también creó un ballet extraordinario llamado Persona. En la segunda mitad del siglo XVII, Viena se había convertido en el centro del ballet. Sin embargo, el ballet europeo de aquella época se encontraba en medio de debates entre tradición e innovación, dureza y lirismo, danza pura y danza problemática, y ballet y danza moderna. Hoy, en el siglo XXI, estas ideas poco atractivas tienen sus propias repercusiones y, en ocasiones, son objeto de debate.
Ballet
A partir de 1789, presentó una serie de obras maestras del ballet temprano (también conocido como era prerromántica), como "La hija encarcelada". En el siglo XIX aparece en París el "Ballet Romántico", la época dorada de la historia del ballet, con un gran número de repertorios clásicos como Le Sylphide (1832), Giselle (1841) y Gabriella (1870), como como "La Bella Durmiente" (1890), "El Cascanueces" (1892), "El Lago de los Cisnes" (6543865438+ El Teatro del Palacio del Obispo de Richelieu comenzó a utilizarse para representaciones de ballet en la década de 1970. Los cambios en el lugar y los ángulos de visión del público provocaron cambios en Técnicas y estéticas de la danza, la postura del actor se volvió cada vez más abierta, determinando formalmente las cinco posiciones básicas de los pies, que se convirtieron en la base para el desarrollo de la tecnología del ballet. Surgieron bailarines de ballet profesionales que gradualmente reemplazaron a los bailarines de ballet aficionados aristocráticos en el escenario. La tecnología de la interpretación y la danza se desarrolló rápidamente. La interpretación del ballet se transformó gradualmente de una actividad social de entretenimiento personal a un arte escénico. Durante este período, el ballet estaba subordinado a la ópera, y el compositor de la corte J.B. Lully añadió el ballet a la ópera. de espectáculos de danza, pero la trama parece irrelevante, por lo que hasta mediados del siglo XVIII se la llamó ballet o ópera de ballet. La novela, el maestro de ballet del siglo XVIII, fue la más influyente en la historia del ballet. Innovador de la danza. Propuso por primera vez el concepto de "ballet dramático" en sus "Danza y cartas de danza" publicadas en 1760, enfatizando que la danza no es sólo una habilidad física, sino también una herramienta de expresión dramática y comunicación ideológica. Ola de innovación del ballet Con los esfuerzos continuos de él y de muchos actores y directores, el ballet llevó a cabo una serie de reformas en el contenido, los temas, la música, las técnicas de danza, el vestuario, etc. Estas reformas finalmente separaron el ballet de la ópera y se formaron. un arte dramático independiente.
En la historia del desarrollo del ballet, hay dos visiones estéticas principales que han estado presentes. Una visión es que el ballet es una "danza pura". director de la comedia de la Reina "Ballet", cree que el ballet es "una combinación geométrica de varias personas bailando juntas". Esta visión se centra por completo en la belleza formal del ballet e ignora casi por completo el contenido o la trama del ballet, lo que a menudo conduce a la pura búsqueda. Magníficas y magníficas habilidades. Antes de mediados del siglo XVIII, este punto de vista dominaba la creación del ballet. Otro punto de vista enfatizaba que el ballet es una "danza dramática", que está representada más concentradamente por la teoría del "ballet argumental" de la novela. Él cree que en una obra de ballet, los dos puntos principales anteriores siguen siendo válidos hoy en día. Muchos directores se comprometen a crear obras de ballet dramáticas o pretenciosas, y algunos directores prefieren el ballet sin pretensiones y se centran en la belleza formal. en las obras son apreciadas por el público y a menudo se interpretan como parte del repertorio. Desde el siglo XX, la influencia de diversas corrientes literarias en la creación del ballet se ha vuelto cada vez más evidente y han aparecido muchas obras de diferentes estilos. p>
Ballet
El coreógrafo es la persona clave en la creación de una obra de ballet. Concibe la estructura del ballet o estructura de la danza a partir de un guión literario (o de un cuento, de un poema, de una obra musical). , y luego los actores lo crean. Tanto los coreógrafos como los actores deben dominar el lenguaje del ballet (o vocabulario de ballet): habilidades técnicas de ballet y la capacidad de utilizar el lenguaje del ballet para expresar contenidos o emociones específicas. El director necesita saber en qué es bueno y qué no puede expresar. Los actores, por otro lado, deben estar bien capacitados para adaptar y encarnar creativamente las ideas del coreógrafo. Sólo cuando se cumplen estas condiciones básicas se puede llevar a cabo y completar la creación del ballet. Las formas estructurales del ballet incluyen: danza solista, dúo, danza en trío, danza en cuarteto, danza en grupo, etc. Danza clásica, danza individual (danza folclórica escénica, danza folclórica), danza moderna, etc. Según las formas anteriores, el ballet en múltiples actos (romper y combinar, como "El lago de los cisnes"), el ballet en un solo acto (como "La Sylphide") y los bocetos de ballet (como el ballet), esta forma estructural se desarrolló hasta un Alto grado de estandarización y desarrollo a finales del siglo XIX. La estilización ha influido y restringido el desarrollo del ballet. En una gran cantidad de obras de ballet creadas por directores en el siglo XX, estas normas y procedimientos se han roto en gran medida, y han surgido nuevas exploraciones y han seguido surgiendo creaciones.
Ballet
Existen siete compañías de ballet clásico de primer nivel reconocidas mundialmente: el Ballet Kirov y el Ballet del Teatro de Moscú, en la antigua Unión Soviética, el Nuevo. York City Ballet y el American Ballet Theatre en Estados Unidos, el Royal Ballet en el Reino Unido y el Paris Opera Theatre Ballet y el Royal Danish Ballet.
El ballet contemporáneo ha demostrado una popularidad y prosperidad sin precedentes. Figuras y colectivos representativos incluyen al checo Jiri Kirian (1947-) y su Dutch Dance Theatre, y al estadounidense William Forsyte (1949-) y su Frankfurt Ballet.
El ballet clásico tiene su propia estructura y forma específicas. Sólo mediante la estrecha cooperación del director artístico, el coreógrafo, los bailarines, la iluminación y el sonido, el vestuario, la escenografía y el personal profesional del teatro se podrá presentar completamente la actuación al público.
Si puedes tener una comprensión básica del estilo en el escenario de ballet, te divertirás mucho y cantarás mientras ves actuaciones de ballet. La representación de ballet se compone principalmente de los siguientes tres personajes:
1. Protagonista: El protagonista es el personaje central de la historia. Los bailarines deben tener habilidades y fuerza física por encima de cierto nivel y, lo más importante, deben tener excelentes conocimientos de danza y personalidad para interpretar los roles de la obra. El dúo de ballet clásico es el centro de todo el drama de danza y está interpretado principalmente por protagonistas masculinos y femeninos. La secuencia estructural de un dúo de ballet clásico es el adagio del héroe y la heroína, luego el solo del héroe y el solo de la heroína, y finalmente el allegro final. La calidad artística y el nivel técnico del protagonista quedarán demostrados en el dúo.
2. Bailarín solista: Persona con dotes protagónicas que puede actuar en solitario o en grupos de tres o cuatro.
3. Bailarines del grupo: Aunque los pasos de baile de los bailarines del grupo son simples, la imagen compleja cambia y toda la atmósfera es más importante. Cada bailarín del grupo es importante. Mientras una persona esté desafinada, la situación general se verá afectada.
Bailarina de ballet de puntillas. Para el público, bailar de puntillas es relajante y divertido. Las zapatillas de ballet rosas en los pies de la actriz son tan hermosas y elegantes, un recordatorio de que este es un arte noble. Pero, de hecho, bailar de puntillas es muy difícil. Quienes se dedican al arte del ballet y exploran sus misterios se resisten a que el público conozca sus secretos. Si se revela el secreto de las zapatillas de ballet, parece que el misterio del ballet dejará de existir.
La enorme carga que pueden soportar las zapatillas de ballet se puede comparar con las zapatillas de fútbol. La clave son los dedos. La puntera no sólo es suave, sino que también tiene un factor de seguridad considerable. Aunque se rompa la punta del zapato mientras baila, la actriz garantiza que no quedará discapacitada.
Las zapatillas de ballet producidas por la famosa compañía rusa Grishko son populares en más de 30 países, desde África hasta México.
La punta de las zapatillas de ballet está hecha de tela, como el raso, lo que produce un corsé. Los expertos de "Grishko" concluyeron que el color más adecuado para las zapatillas de ballet es el melocotón, que estimula al público y tranquiliza a la propia actriz, en lugar del color rosa que se utiliza habitualmente en muchos países.
El mayor secreto de la puntera de las zapatillas de ballet es la "caja de zapatos" que permite a la actriz bailar de puntillas. La caja de zapatos está oculta en la puntera. Una "caja de zapatos" es en realidad una funda dura que cubre los dedos y parte del pie. La "caja de zapatos" está hecha de seis capas del lino u otros textiles más comunes y no contiene madera, plástico, corcho ni otros materiales. La empresa "Grishko" tiene experiencia en adhesivos que hacen que los dedos de los pies no sean ni demasiado duros ni demasiado blandos y sean menos propensos a romperse.
La puntera se cose a mano y luego se cose junto con el resto del zapato al interior y exterior de la "caja de zapatos". Después de eso, el zapatero gira la punta del zapato hacia atrás y usa un pequeño martillo para golpear la "caja de zapatos". Si no hay desniveles, coloque el zapato en posición vertical sobre un objeto duro para ver si puede sostenerse.
Ballet
Equilibrio. Finalmente, deja secar los zapatos de baile a 50 grados centígrados y guárdalos a temperatura ambiente. ¡Un par de zapatillas de ballet están listas! Desafortunadamente, un par de zapatillas de ballet tiene una vida útil corta: dos o tres presentaciones. El disco de los zapatos "Grishko" es el de la solista del Teatro Bolshoi Nadezhda Gracio, quien colaboró con Kittery y bailó nueve veces en el ballet "Don Quijote".
Para adaptarse a pies de diferentes alturas, existen tres tipos de zapatillas de ballet: "Vaganova", "Alita" y "Fujie". Cada modelo se divide en 17 tamaños. Además, existen cinco grasas para cada tamaño. Cualquier actriz puede elegir sus zapatos ideales entre 255 tipos de zapatos de diferentes grosores, tallas, gorduras y pesos.
Sin embargo, para que los zapatos se ajusten mejor a sus pies, cada actriz tiene su propio método ingenioso: algunas usan un pequeño martillo para golpear los zapatos, otras usan una puerta para apretar los zapatos y algunas colocan varias cosas en "cajas de zapatos". ." ..
El lago de los cisnes
La bailarina de ballet rusa Yekaterina Maximo Vaya admite que en una época en la que no hay suficientes opciones, cada vez que aparece una nueva obra, Pasa todo el día acostumbrando sus pies a los zapatos de baile.
Hay una cosa más que no se menciona. Cada actriz suele coser ella misma una pequeña cinta en sus zapatos de baile. ¡El camino al escenario está abierto!
En cuanto a los actores, usan los llamados zapatos blandos; para los no iniciados, son simplemente zapatos de tela comunes y corrientes. Su tecnología de producción no es tan buena como la de las actrices, pero también tiene sus propias sutilezas. Hay dos tipos de zapatos blandos: de suela entera y de suela partida. La suela partida consta de dos partes: la parte delantera y el talón. Es la parte delantera del zapato la que permite que los pies del actor se sientan cómodos y libres por dentro.
El método de atado de los zapatos de baile también es muy particular: normalmente se ata la cinta dos veces en la pierna, para luego atarse con un lazo. Como no se pueden usar cintas durante las actuaciones, los actores deben atarse bien los cordones de los zapatos antes de subir al escenario. [1]
Lenguaje Corporal
Edición y Difusión
Todos los ballets comienzan y terminan con una de estas cinco posturas. Estas posturas fueron creadas en el siglo XVIII para lograr el equilibrio y hacer que los pies luzcan hermosos.
Las técnicas tradicionales del ballet clásico se basan en la estética de la apertura, el estiramiento y la rectitud. Incluye: cinco posturas básicas de los pies, como arabesco, postura e ikat, y tres danzas básicas: varios movimientos de piernas, incluidos estiramientos de piernas, divisiones y ronddejambo (círculos de piernas); diversas amplitudes y danzas; pasos de baile y movimientos de conexión; técnicas de baile de los dedos de los pies de las mujeres; soporte a dúo, levantamiento y otras técnicas; Estos movimientos (elementos) básicos del ballet clásico son como las letras del alfabeto. El coreógrafo utiliza estas letras para registrar las personalidades, identidades, emociones y roles de diferentes personajes durante el desarrollo de la trama, y organiza y combina estos elementos de acuerdo con técnicas estructurales específicas para formar un vocabulario de danza visual para expresar la trama y crear danzas con diversos encantos artísticos.
Las cinco posiciones básicas de los pies:
Primer lugar: ambos talones están cerca de una línea recta y los dedos de los pies están 180 grados hacia afuera;
Segundo lugar: ambos talones Con un pie separado, gire los pies hacia afuera y forme una línea recta;
Tercer lugar: coloque los talones hacia adelante y hacia atrás, con los dedos de los pies extendidos hacia afuera;
Cuarto lugar: Ambos pies Mantenga un pie entre la parte delantera y trasera, mantenga los dedos de los pies y los talones en dos líneas rectas y gire las piernas hacia afuera;
Quinto lugar: superponga los pies por delante y por detrás, los dedos de los pies se tocan y giran las piernas hacia afuera;
Posición básica de las manos:
1. Escuela Vakanova (Escuela Rusa)
Primer lugar: manos formando una. círculo natural delante del abdomen;
Segundo lugar: manos extendidas hacia los lados, a la vista, palmas hacia adentro;
Tercer lugar: manos encima de la cabeza, a la vista ;
2. Escuela Chagdi (Escuela Italiana)
Primer lugar: manos colgando en un círculo natural, dedos tocando el costado del muslo;
Segundo lugar : manos estiradas hacia un lado ;
La tercera posición: una mano delante del cuerpo, la otra mano extendida hacia un lado;
La cuarta posición: Mantenga una mano delante del cuerpo y el diafragma Las membranas están a la misma altura y luego se elevan por encima al mismo tiempo. No hagas twerking al hacer estos movimientos, de lo contrario se considerará grosero y poco elegante.
Terminología de danza
Edición y difusión
Imagen
La imagen dinámica de los personajes creados por el arte de la danza, la postura, la forma y el juego de pies. del cuerpo humano Acciones como la música, el arte escénico, el maquillaje, el vestuario y otros factores artísticos crean efectos visuales con valor de apreciación. Tiene las características estéticas de visibilidad y fluidez. Es el objeto principal a ser percibido y reconocido en el proceso de apreciación de la danza, y es el tema que encarna el valor estético del arte de la danza.
Expresión
Según las actividades psicológicas de las personas y las características habituales de expresar expresiones en la vida real, luego del refinamiento y procesamiento artístico, se resume en diferentes formas de danza para expresar alegría, enojo, tristeza, etc. Cambios emocionales internos. Además de las expresiones faciales coordinadas con los movimientos, los movimientos rítmicos, las posturas, los gestos y las formas corporales también pueden producir expresiones artísticas de danza.
Forma; Apariencia
Cuáles son los beneficios de utilizar materiales didácticos para moldear el cuerpo de ballet: entrenar a los niños en tres largos y uno pequeño (tres largos: largo de la mano, largo de la pierna, largo del cuello; un pequeño: cara pequeña) puede moldear y cambiar la figura del niño en la mayor medida posible, ayudarlo a alargar la postura de las piernas y, mediante un entrenamiento a largo plazo, el niño puede tener una postura hermosa y aumentar la confianza en sí mismo. Mostrando un temperamento noble distintivo. El entrenamiento de danza infantil de Beijing Dance Music Square ofrece una variedad de bailes, que se organizan de acuerdo con los diferentes períodos de crecimiento de los niños, y cultivan la calidad integral y el temperamento artístico de los niños a través de diferentes niños y cuerpos.
Comportamiento
El método de expresión básico del arte de la danza se origina a partir de la imitación de los movimientos emocionales humanos y diversas cosas dinámicas de la naturaleza. Incluye principalmente:
1. Acción única, es decir, una parte del cuerpo humano toma la iniciativa y otras partes son estacionarias o siguientes.
2. significa que todas las partes del cuerpo humano siguen la acción al mismo tiempo. Acciones realizadas en un cierto orden y especificación;
3. En términos generales, se refiere al propósito principal del entrenamiento de habilidades de danza, que consiste en dos o más movimientos simples o compuestos en un cierto orden, dirección, velocidad y amplitud, como deslizamiento, flexión y extensión, patadas, saltos, rotación y otros movimientos continuos.
Equipo
Edición y retransmisión
Los bailarines visten ropa especialmente diseñada. Para ellos, la ropa de entrenamiento no es sólo una cuestión de apariencia, cada prenda es práctica. El requisito más básico es tener las funciones de protección y modelación corporal.
Las faldas ajustadas y las pantimedias blancas ajustadas son la ropa de entrenamiento básica más utilizada por los bailarines en la sala de entrenamiento. La ropa de baile ajustada se usa generalmente para proteger la figura. La combinación de algodón y Lycra mantendrá la comodidad y la elasticidad.
El peinado también forma parte del traje de baile. A las chicas de ballet les gusta atar su cabello en un moño en la parte posterior de su cabeza, porque los peinados como las colas de caballo afectarán la práctica y el desempeño, y no atarlos se convertirá en una carga.
Las zapatillas de ballet son lo más importante. Al practicar puntas, se necesitan zapatillas de ballet suaves hechas de cuero o lona suave y fina. Por lo general, a las niñas les gusta vestir de rosa y los niños, de blanco o negro. Los zapatos deben quedar bien ajustados alrededor de sus pies. Los zapatos con punta rígida deben ajustarse perfectamente. Se entiende que la enorme carga que pueden soportar las zapatillas de ballet es comparable a la de las zapatillas de fútbol. La clave son los dedos. Los dedos de los pies son más duros, lo que resulta útil para realizar diversos movimientos erguidos, pero es necesario usar guantes antes de usar zapatillas de ballet, esto aumenta un factor de seguridad considerable y también puede reducir el dolor. [3]
Ropa de baile
En primer lugar, ropa de ballet clásico
1. La falda tutú (italiana) se deriva de la falda de ballet de Louis. Período XIV De longitud corta, con múltiples capas de tela de seda, menos de las tres cuartas partes del muslo quedan expuestas al agitar, pero las mangas incluyen mangas largas y sin mangas
2. ropa de ballet clásico, como El cisne blanco de "El lago de los cisnes"
3. Todo negro o rojo brillante, el primero es como el cisne negro de El lago de los cisnes
4. Mangas farol con chaleco, como " La muñeca "Corbela" interpretada por Shiva Nida en el segundo acto;
5. Chaleco de manga larga, decorado con bordados de cuentas brillantes;
6. Faldas de ballet de diferentes colores,
2. Falda de ballet romántica
La falda llega casi hasta el tobillo, tiene forma de campana, sin mangas y los colores de las mangas farol son blancos. , de color claro, lila, etc.
1. Vestidos de ballet románticos con mangas farol, como "Dance of Four" y "Essence of Rose"
2 Cuando te vistas como un monstruo, agrega ropa de gasa; los brazos o los hombros, como en el segundo acto de "Giselle", el drama de danza "La Sylphide".
3. Ropa de baile de estilo country, chalecos con mangas farol y lindos estampados en el abdomen, como el primer acto de Giselle, el primer acto de Corbera y el drama de baile de la hija romántica.
Baile
Edición y difusión
Danza folklórica
En general, se refiere a una danza que se originó y difundió entre el pueblo, y está influenciado por Restringido por la cultura popular, es una forma de danza improvisada pero que tiene un estilo relativamente estable, con el entretenimiento personal como su función principal. Las danzas folclóricas en diferentes regiones, países y nacionalidades se ven afectadas por factores como el entorno de vida, las costumbres, los estilos de vida, el carácter nacional, las tradiciones culturales, las creencias religiosas, etc., y están restringidas por la edad, el género y otras condiciones fisiológicas de los artistas. En términos de habilidades y estilos de desempeño, existen diferencias obvias. La danza folclórica tiene las características de simplicidad, formas diversas, contenido rico e imágenes vívidas. Siempre ha sido una fuente indispensable de material para la danza clásica, la danza de la corte y el emprendimiento de la danza profesional en varios países.
Baile de salón
El baile de salón, también conocido como baile de salón, se refiere al baile que ha sido popular en los bailes de la corte desde el Renacimiento europeo, así como al baile que ha sido popular en diversos espacios sociales desde los tiempos modernos. Los nombres y la música de baile utilizados, así como los pasos de baile básicos, formaciones, estilos y secuencias de danza, siguen en su mayoría las características de las danzas folclóricas de Italia, Gran Bretaña, Francia, Alemania, España y otros países.
Brontés, minuetos, gavits, polonesas, randlers, polkas, mazurcas, galuppas y valses fueron populares en las cortes europeas. Después de la Revolución Francesa, la forma de los bailes de la corte estaba lejos de satisfacer las necesidades de interacción social. Aparecieron salones de baile populares en el continente europeo y gradualmente reemplazaron a los bailes de la corte como lugar principal de actividades sociales. Los pasos de baile son simples y fáciles de aprender, y la forma es libre, lo que facilita la improvisación y la expresión de emociones. Populares en los salones de baile públicos, los bailes de salón se integraron rápidamente en la vida cultural de la clase civil.
Ballet
Transliteración francesa. En particular, es una forma clásica europea con ciertas especificaciones de movimiento, habilidades y requisitos estéticos o generalmente se refiere a una forma de danza que utiliza movimientos y gestos del cuerpo humano para expresar contenido dramático, promover el desarrollo de la trama y expresar ciertas emociones artísticas; concepciones, estados psicológicos y comportamientos. El primero a veces se traduce como "danza dramática". El ballet se originó en el antiguo baile latino, que originalmente significaba bailar un determinado estilo de danza en público, y no significaba una representación teatral. Como forma de arte escénico, el ballet apareció por primera vez en los grandes banquetes y actividades de entretenimiento de las cortes italianas durante el Renacimiento. Más tarde, la princesa florentina Catalina de Medici llevó esta forma de danza a la corte francesa. En 1581, el primer ballet "La Comedia de la Reina" interpretado por la corte francesa tuvo gran repercusión en Europa. Las cortes de todo el mundo siguieron su ejemplo y consideraron el ballet como un modelo de entretenimiento cortesano. En 1616, el rey Luis XIV de Francia estableció la Real Academia de Danza en París. En 1669, autorizó el establecimiento de la Ópera de París. Después de que el ballet ingresó al teatro, pasó por dos etapas: "ballet de comedia" y "ballet de canto". A mediados del siglo XVIII, con la mejora de la "danza argumental" y las teorías relacionadas, el ballet cambió por completo su estatus como vinculado a los dramas y óperas, realizando danza sólo entre actos, y se convirtió en una forma de arte teatral con gran importancia social. utilizando danza y música Promueve el desarrollo de la trama. El comienzo del siglo XIX fue otra época dorada en la historia del desarrollo del ballet, con grandes avances en contenidos y temas, técnicas, interpretaciones y formas de interpretación. Las habilidades de baile con los dedos de los pies se han convertido gradualmente en el principal método de actuación de las actrices y se ha acumulado un conjunto de métodos de entrenamiento sistemáticos y científicos. Influenciado por la corriente cultural romántica, el desarrollo del ballet en varios países europeos prestó más atención a la expresión del espíritu y temperamento nacional, formando diferentes estilos de escuelas de ballet como la escuela italiana, la escuela francesa, la escuela rusa y la danesa. escuela. Desde el siglo XX, Rusia ha reemplazado a Italia y Francia como centro del desarrollo del ballet tradicional. En los escenarios de los países europeos y americanos, el ballet moderno con diferentes estilos y escuelas ha mostrado gradualmente un impulso de desarrollo vigoroso, inyectando nueva vitalidad al desarrollo del arte del ballet.
Drama
Terminología del ballet. El significado original hace referencia a una danza que tiene una estructura relativamente estable y está directamente relacionada con el desarrollo de la trama. Durante el período romántico, la estructura básica del melodrama era la "aparición", el dúo lento, los bailes solistas masculinos y femeninos y el baile grupal final con la participación de todos los actores. Los grandes duetos de "Raymonda", "El lago de los cisnes", "La bella durmiente", "La doncella" y las escenas de baile de "Esmeralda" son danzas diegéticas típicas. Desde el siglo XX, la danza dramática ha sido un concepto relativo a la danza de entretenimiento, y generalmente se refiere a todas las danzas que expresan los cambios psicológicos y emocionales de los personajes y promueven el desarrollo de la trama.
Danza dramática
(Danza-drama) utiliza la danza como principal medio de expresión y combina música, arte, teatro, literatura y otras formas de arte para expresar contenidos dramáticos específicos y concepciones artísticas. y personajes. Emociones, estados mentales y comportamientos, así como el arte escénico que impulsa la trama. Dependiendo de las necesidades de la trama o de la época y los estilos de los personajes, el drama de danza puede elegir o utilizar una combinación de danza clásica, danza folclórica, danza individual, danza moderna, danza palaciega o baile de baile, que consiste en bailes solistas coreografiados, dúos. , tríos, bailes grupales, dúos y tríos. Consta de varios estilos de baile, como baile grupal, etc. La danza dramática china tiene una larga historia y se origina en la música y la danza de la corte de la sociedad esclavista. No existe una definición clara entre ballet europeo y ballet.
Baile en grupo
(Baile en grupo) Uno de los estilos de baile. Generalmente se refiere a la forma de representación escénica derivada de la danza folclórica "danza en grupo", es decir, varias personas bailando con más de tres personas y un número variable de personas.
Las imágenes y composiciones de los bailes grupales son cambiantes, lo que requiere que los artistas se muevan con precisión, tengan un estilo unificado y una cooperación tácita, por lo que tienen una rica expresión artística. (1) Obras de danza con contenido y temática independiente y argumento completo. Danzas chinas "Tocando caracoles", "Milicia femenina en la pradera", "Bajo la parra", danzas rusas "Pequeño abedul", danzas coreanas "Es primavera", "Es hora de recoger manzanas", danza moderna estadounidense "Imagen" Son todas obras exitosas de danza grupal. (2) En obras de danza a gran escala, a veces debido a necesidades de imagen y composición, o para resaltar a los personajes principales y realzar el efecto dramático, a menudo se intercalan algunos pasajes de solista, dúo y trío en la danza grupal. , como "Fairy", "Swan Lake" 》Solo y dúo en escenas de ballet. (3) Bailes grupales coreografiados para mejorar la atmósfera general en dramas de danza y bailes a gran escala, como la "Danza de la guerrera" y la "Danza del sombrero" en el drama de danza chino "El destacamento rojo de mujeres" y la danza del cisne en el ballet ruso "El lago de los cisnes".
Ballet Acrobático
Edición y Difusión
Ballet Acrobático
En la mente de muchas personas, el ballet es la tristeza entre un príncipe y una princesa. El amor es la música inmortal de Tchaikovsky y los nobles pasos de baile realizados por los dedos de los pies. Después de ver tantas versiones del Lago de los Cisnes, los chinos comenzaron a usar su propia sabiduría para reinterpretar este clásico del ballet y nació el ballet acrobático "El Lago de los Cisnes". Deshacerse de las limitaciones del escenario parece ser el mayor avance del ballet acrobático. Los actores pueden liberar sus piernas y realizar movimientos más complejos. Por ejemplo, en el ballet con alambre, un grupo de monos dan vueltas y saltan hacia adelante sobre el alambre, mostrando el lado natural, animado y lindo del ballet.
Debido a que el cuerpo de un acróbata es más suave que el de un bailarín de ballet, puede superar más limitaciones físicas. Podrían formar un círculo interior y servir como ruedas para el carruaje del príncipe. Pueden envolverse alrededor de los árboles, realizar ballets de danza de serpientes parecidos a contorsionistas y pueden usar trampolines para expresar los mares agitados. La danza del grupo de ballet del cisne patinando, debido a sus pasos más suaves que el ballet tradicional y los cambios de velocidad, coincide con mayor precisión con la melodía brillante y compacta de Tchaikovsky, brindando al público un fuerte impacto visual.
El ballet acrobático "El lago de los cisnes" está basado en el mundialmente famoso cisne oriental: la cima del oponente. Este espectáculo, que ganó el premio acrobático más importante del mundo: el "Premio Payaso de Oro" en el Concurso Acrobático Internacional de Montecarlo en Mónaco, será la línea principal de toda la obra, abarcando el segundo, tercer y cuarto acto respectivamente, incluyendo El extremadamente difícil "ballet de hombros" obtuvo miles de aplausos. "Ballet de hombros" significa que el "cisne blanco" baila ligera y elegantemente sobre los hombros y la cabeza del "príncipe" sin ninguna medida de seguridad, se mueve hacia adelante y hacia atrás entre los hombros y la cabeza del "príncipe", sube, baja y gira. , el encanto llenó el escenario por un rato.
Como atracción icónica del ballet acrobático "El lago de los cisnes", el "Shoulder Ballet" apareció en la gran fiesta de celebración de la boda de la princesa Victoria de Suecia el 13 de junio por invitación del Parlamento sueco. Cuando el "Príncipe" y el "Cisne Blanco" con rostros orientales en el ballet acrobático "El lago de los cisnes" bailaron el "ballet de hombros", la perfecta actuación asombró a los miembros de la familia real sueca, a los funcionarios y a los líderes europeos presentes y ganó toda la boda. aplausos del partido.
Ballet
El ballet apareció en Italia durante el apogeo del Renacimiento en los siglos XV y XVI. Los artistas hicieron todo lo posible por imitar el estilo artístico de la antigua Grecia. La primera representación de ballet tuvo lugar en un banquete de palacio. En 1489, se representó "Orfeo" en un pequeño pueblo de Italia para celebrar la boda del duque de Milán y la princesa Idabel de Aragón, España. El formato de las representaciones en aquella época era completamente diferente a las representaciones de ballet que vemos hoy. Cada actuación está generalmente relacionada con el servicio de comida, como comer jabalí después del inicio de una actuación de caza simulada; Poseidón y el Dios del Río aparecen y comienzan a comer pescado; Luego, muchos personajes míticos subieron al escenario y presentaron muchos platos y frutas, y finalmente los invitados también participaron en la animada y carnavalesca actuación. Esta es una forma de actuación que integra canto, baile, recitación y teatro. Se puede decir que es el prototipo del ballet, y las generaciones posteriores lo llamaron "ballet de banquete"