El sketch tiene tres formas de expresión. Uno es el dibujo lineal (equivalente al dibujo lineal en la pintura china); el segundo es el llamado método de luces y sombras, que utiliza luces y sombras para expresar el volumen de un objeto; el tercero es la combinación de líneas y luz y oscuridad; , también llamada combinación línea-superficie.
El dibujo es la base de las artes plásticas porque excluye la expresión directa del color y se centra en los factores básicos de las artes plásticas para expresar los objetos. En el proceso de desarrollo de la pintura, se formó gradualmente la formación básica del dibujo, que es diferente tanto de la creación de bocetos como de la práctica del dibujo del pintor. Este tipo de formación sistemática en bocetos básicos se ha convertido en la única forma para los estudiantes de pintura.
Primeros bocetos
El ser humano empezó a comprender que la pintura comienza con el boceto. Según los descubrimientos arqueológicos, los murales más antiguos conocidos en el mundo son pinturas rupestres cerca de Dordoña en Bielgarde, en el suroeste de Francia, y pinturas rupestres en las montañas de Altamira, en el norte de España. El primero tiene unos 20.000 años y es una reliquia pictórica del Paleolítico; el segundo fue pintado hace unos 10.000 años a finales del Paleolítico. Los pueblos primitivos utilizaban los materiales más simples para describir su presa principal durante las actividades de caza. Los bisontes de las pinturas rupestres de Altamira, España, son particularmente fantásticos. Un bisonte, con la cabeza gacha, los cuernos listos para atacar, explosivo como flechas, lleno de movimiento hacia afuera. Fue pintado con humo de lámpara y grasa de ciervo quemada, luego coloreado con pigmento mineral bermellón en polvo. Estos antiguos murales están básicamente pintados de un solo color, por lo que también se puede decir que son los bocetos más antiguos del mundo.
Con el progreso de la humanidad, la pintura ha evolucionado gradualmente de lo simple a lo complejo, desde principalmente el boceto hasta la expresión del color, y el boceto también se ha desarrollado gradualmente desde su etapa inicial.
En la historia del desarrollo del arte mundial, después de las pinturas del período prehistórico, los más llamativos son los murales del antiguo Egipto y la antigua Grecia. Desafortunadamente, se han conservado muy pocos de ellos. A juzgar por los únicos murales incompletos que quedan, los murales del antiguo Egipto son principalmente lineales y tienen un fuerte color oriental. Aunque los antiguos murales griegos todavía están dominados por el concepto de formas lineales, han evolucionado hacia expresiones tridimensionales; El boceto "Perro" del pintor del antiguo Egipto expuesto en el Museo de Arte de El Cairo es un boceto conservado de esta época. Se puede ver que este pintor del antiguo Egipto ya tenía considerables habilidades realistas. A juzgar por las esculturas más preciosas conservadas en la antigua Grecia y las historias pictóricas de muchos pintores famosos transmitidas, las pinturas griegas antiguas deben tener obras tan altas como sus esculturas. Si los pintores que pintaron estos murales hicieran bocetos, estos serían bocetos hechos por Jason. Es una pena que no podamos ver este boceto. Pero podemos ver el nivel de dibujo del arte griego antiguo en ese momento en las pinturas de vasijas griegas antiguas conservadas. Hay tres estilos de pintura de vasijas griegas antiguas. Las primeras imágenes en negro eran imágenes delineadas con líneas, pintadas de negro sobre un fondo blanco, como una silueta. El período posterior se llamó tipo elefante rojo, que es lo opuesto al tipo negro. El fondo se rellena con esmalte negro y la imagen se deja en blanco (el espacio en blanco es la superficie roja de la cerámica, por eso se llama elefante rojo). tipo). Posteriormente desarrolló el uso de pinturas de botellas con dibujos lineales. Estas pinturas de botellas tienen una forma simple y hermosa y una estructura rigurosa. Son obras maestras del dibujo en sí mismas. Las pinturas en seda de las tumbas Chu del Período de los Reinos Combatientes en Changsha, China, se produjeron alrededor del 400 a. C. al 200 a. C. (el mismo período que la antigua Grecia). La pintura en blanco y negro representa a una mujer de mediana edad, abrazando la victoria de la vida y la paz con la creencia de la victoria (el fénix en la pantalla representa la vida y la paz, y ataca vigorosamente a una serpiente, que representa la muerte y el desastre). Este antiguo boceto muestra que la pintura china antigua también ha alcanzado un nivel muy alto. Desde entonces, la pintura tradicional china se ha desarrollado básicamente siguiendo el camino del modelado lineal.
Se puede ver en las pinturas y bocetos posteriores al período prehistórico del mundo antiguo que las pinturas y bocetos de varios países en esta época tenían diferentes estilos nacionales, pero todos conservaban las características de las pinturas prehistóricas que estaban dominados por formas lineales.
La antigua Roma heredó la cultura y el arte de la antigua Grecia, pero no tuvo creaciones destacadas. Más tarde, con el gobierno feudal cada vez más autoritario en la Edad Media, el desarrollo del cristianismo y la supremacía de la teocracia, el arte medieval creó la arquitectura románica y gótica y se desarrollaron mosaicos de vidrio para la construcción de iglesias. La mayoría de las pinturas estaban destinadas a decorar iglesias cristianas o hay. murales pintados para palacios principescos y residencias nobles, así como ilustraciones pintadas sobre pergamino. Estas ilustraciones también se encuentran entre los bocetos que se han conservado, pero son básicamente dibujos lineales, y la mayoría de ellos son muy ligeros e infantiles. De acuerdo con los conceptos ascéticos cristianos, los personajes están representados con rostros inexpresivos. Se puede decir que este período es el período oscuro de la pintura. En aquella época no había pintores especializados y la gente corriente decoraba sus nuevas casas o iglesias bajo las órdenes o instrucciones de nobles y obispos. Después de pintar, estos artesanos volvieron a criar ganado, arar los campos o forjar hierro. Ninguna de sus obras fue firmada porque no tenían ningún estatus en la sociedad. En ese momento, puede haber habido situaciones en las que los aprendices trabajaban (es decir, ayudaban a sus maestros a copiar o ampliar obras) mientras aprendían pintura de sus maestros. Sin embargo, no tenían una formación básica en pintura, por tanto, el nivel de pintura en. La Edad Media era muy baja. Las proporciones de las figuras eran erróneas y no se prestaba atención a la ley de la distancia. Durante este período, antes de la introducción de la fabricación de papel en China, los bocetos de los pintores se dibujaban en pieles de oveja, tablas de madera, seda, láminas de bambú, pieles de animales o paredes. Estos materiales son mucho menos convenientes y expresivos que dibujar en papel. Los bocetos de esta época también fueron monótonos y su verdadero desarrollo se produjo después del Renacimiento.
El desarrollo del dibujo y el nacimiento de la formación básica en dibujo
Uno de los pintores. Durante este período, muchos maestros de la pintura no sólo fueron grandes pintores de colores, sino también grandes pintores de bocetos. Como Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael (1483-1520), Miguel Ángel (1475-1564).
En segundo lugar, debido al desarrollo de la ciencia y la combinación de ciencia y arte, los pintores crearon una teoría científica básica de la pintura, la teoría del arte y la teoría del boceto basadas en una práctica extensa, lo que promovió el desarrollo del boceto.
Durante el Renacimiento, debido al énfasis en el estudio de la naturaleza, el avance de las ciencias naturales y los nuevos descubrimientos, muchos maestros de la pintura tomaron en serio los objetos que representaban. Diseccionaron cadáveres, aprendieron sobre anatomía humana, dibujaron una gran cantidad de tablas de análisis y ejercicios de figuras y produjeron dibujos anatómicos artísticos. Creó la perspectiva en su estudio del procesamiento espacial. El pintor italiano florentino Masaccio (1401-1428) heredó la tradición del pintor italiano Giotto (1267-1337) a principios del Renacimiento. Francesca (c. 65437), pintora de la Escuela de Umbría, tras descubrir la perspectiva junto a otros pintores de su tiempo. La teoría del arte más antigua de Europa occidental, la teoría de la pintura de Leon Battista Alberti (1404-1472), nacido en 1435, elogió mucho las teorías básicas de la pintura, como el realismo y la perspectiva, y enfatizó que los pintores debían fortalecer su creatividad con los objetos. El aprendizaje requiere la capacidad de sintetizar imágenes de objetos. Con este fin, primero propuso que los pintores practicaran el boceto del modelo geométrico más simple, que era la preparación teórica más temprana antes del surgimiento de la formación básica en bocetos. Posteriormente, Leonardo da Vinci escribió muchas notas sobre pintura, enfatizando claramente que "la pintura es una ciencia" [1] y proponiendo que la naturaleza es la fuente de la pintura. Cuando los pintores expresan la naturaleza, no solo deben confiar en los sentimientos para comprender el mundo, sino también utilizar la razón para analizar y comprender las leyes de la naturaleza. Sólo así el arte de la pintura puede basarse en la ciencia. Las "Notas sobre la pintura" de Leonardo da Vinci no sólo profundizan en muchos principios artísticos, sino que también llevan a cabo investigaciones teóricas científicas y sistemáticas sobre temas básicos de la pintura como la anatomía, la perspectiva, los bocetos, la luz y las sombras y el procesamiento de la composición. Miguel Ángel creía que la profundidad de las habilidades para dibujar influía directamente en el éxito o el fracaso del pintor. Vasari (1511-1574) creía además que el dibujo era la base de todas las artes plásticas. Chu Jiali (1542-1609) elevó el dibujo al nivel de expresión del pensamiento del pintor y propuso teóricamente la independencia del dibujo. Las discusiones sobre estas teorías promovieron el desarrollo del arte (incluido el dibujo) y también prepararon las condiciones para el nacimiento de la Academia de Bellas Artes y la formación básica en dibujo.
En tercer lugar, la formación básica en dibujo, como método científico y sistemático de formación de la juventud artística, nació con el surgimiento de la Academia de Bellas Artes.
Después de la muerte de algunos grandes artistas durante el apogeo del Renacimiento italiano, surgió el llamado Manierismo que siguió los estilos de algunos grandes artistas. Los representantes que se opusieron al manierismo en aquella época fueron Caravaggio (1573-1610) y los hermanos Carrazzi (Aniba Carrazzi, 1560-1609). Lodovico Carrazzi (1555-1619); Agostino Carrazzi (1557-1602) y otros. Para restaurar más conscientemente las tradiciones del Renacimiento italiano, los hermanos Carrazzi fundaron en 1585 la Academia de Bellas Artes en la ciudad de Malone. Han cambiado los métodos de aprendizaje de los jóvenes artistas desde la Edad Media, utilizando los logros científicos y las teorías básicas de la creación artística desde el Renacimiento para formar sistemáticamente a los jóvenes artistas según determinados procedimientos. El boceto nació como principal método de formación básica. Este tipo de academia de arte con formación básica en dibujo como principal método de aprendizaje apareció en Italia y pronto se extendió a los países europeos, influyendo en la educación artística en todo el mundo. En este momento, el contenido principal del entrenamiento básico de bocetos es copiar primero y luego dibujar, siendo el boceto del modelo humano el método de aprendizaje más alto. El procedimiento de enseñanza específico es: los estudiantes primero copian los bocetos del maestro y, al mismo tiempo, copian algunas impresiones como introducción al aprendizaje de métodos básicos de pintura, y luego dibujan estatuas geométricas de yeso y estatuas antiguas de yeso talladas (principalmente estatuas de yeso talladas por la antigua Grecia y Roma), esta es la base para un buen boceto de maniquí. Finalmente, el principal componente de aprendizaje es dibujar modelos desnudos. Después de que este programa de enseñanza de bocetos apareciera en las academias de arte, también se hizo popular en los estudios de pintores. Esta formación básica en dibujo, desde copiar hasta dibujar, cambió la situación en la Edad Media, donde los aprendices sólo podían aprender en el proceso de copiar las obras de los artesanos y ampliar los manuscritos para los artesanos. De copiar a copiar y luego a dibujar, la enseñanza del arte ha dado un gran paso adelante. Debido a que copiar es solo un proceso de imitación, la imagen creada por el maestro pasa de un plano a otro. Aunque se mueve como una imagen, carece del proceso de observación directa, análisis e investigación del objeto y, en última instancia, del proceso de expresión del objeto por qué medios es necesario para cultivar la aguda observación y expresión de los objetos en los estudiantes; Además, el método de aprendizaje basado en la copia es propenso a preconceptos y planes subjetivos basados en el estilo del profesor. Según este procedimiento, las imágenes creadas serán las mismas. Por eso, en los estudios que copiaban ciegamente las obras de sus profesores, sólo unos pocos afortunados recorrieron un largo camino hasta encontrar su propio lenguaje artístico, y finalmente lograron el éxito y se hicieron famosos de un solo golpe. Aunque la formación básica en dibujo para recién nacidos todavía hace hincapié en la copia, considera el dibujo como el contenido de aprendizaje más elevado y enseña muchos conocimientos científicos como anatomía, perspectiva y composición. El uso de yeso para crear estatuas y maniquíes mientras se dibujaban esculturas antiguas contribuyó al desarrollo del arte en esa época.
El declive de la formación básica en dibujo académico y la restauración y desarrollo de la tradición de la formación básica en dibujo realista
La Academia de Bellas Artes de Bolonia surgió como una restauración de la tradición del apogeo del Renacimiento. Uno de los principales contenidos de esta tradición es la admiración por el arte clásico de la antigua Grecia y Roma. Requiere que los estudiantes utilicen la belleza clásica de la antigua Grecia y Roma como estándar en sus creaciones, y los temas de sus creaciones sólo pueden expresar religión, mitología e historias históricas. En la formación básica de dibujo, también prestan especial atención a la belleza clásica. Esto genera el peligro de que la educación en las academias de arte se convierta en una academia y eventualmente decaiga.
Para apreciar la belleza clásica, los estudiantes deben copiar las obras o grabados del maestro antes de comenzar a dibujar, y comenzar a inculcar el requisito estético de la belleza de la lengua. Posteriormente, dieron gran importancia al dibujo y a la investigación especializada sobre esculturas antiguas griegas y romanas o esculturas de yeso, e incluso tomaron como plato principal la introducción de la escultura antigua. Cuando los estudiantes finalmente ingresan a la clase de dibujo natural, deben usar estas normas del arte clásico como estilo estándar para dibujar y dibujar. Aunque los estudiantes también tienen sus propias observaciones directas, debido al excesivo énfasis y elogio de los estándares de modelado de la escultura clásica, es bastante natural que los estudiantes realmente expresen los estándares de modelado del arte clásico casi intactos en la práctica. En 1675, la Real Academia Francesa de Pintura y Escultura promulgó el llamado "Canon de la Pintura", que hacía aún más ridículos los requisitos normativos de la belleza clásica. Negaba por completo la observación directa de los estudiantes y sólo podía pintar según el clásico estandarizado. normas.
Los pintores capacitados en bocetos básicos en la Academia de Bellas Artes ya no pensarán que necesitan observar la apariencia original de la naturaleza y gradualmente formarán un sistema de bocetos académico rígido, conceptual y formulado, y eventualmente abandonarán por completo el sistema del Renacimiento. Abogando por la naturaleza, abogando por el estudio natural y dándole importancia. La tradición realista del dibujo. Si contamos desde el Código de Pintura, este tipo de formación básica de boceto académico ha dominado la educación artística básica durante casi 200 años, desde la segunda mitad del siglo XVII hasta finales del siglo XIX, finalmente fue sacudida y consolidada bajo el impacto de. El realismo romántico y el impresionismo empiezan a desmoronarse.
¿Cuál es el método de dibujo estandarizado que se recomienda firmemente en la formación básica de dibujo académico?
Antes del Renacimiento, el método de dibujo del boceto se basaba principalmente en líneas. Desde el Renacimiento, la luz y las sombras se han utilizado para expresar el sentido tridimensional de los objetos a partir de líneas. Leonardo da Vinci propuso perfectamente el método de la luz y la oscuridad al nivel de los cinco tonos de luz y oscuridad (la distinción correcta de estos cinco tonos todavía se utiliza hoy en día, consulte el Capítulo 2 de este libro para más detalles), y propuso la importancia de apoyándose en la superficie para expresar la forma de los objetos, como "pintar" los Primeros Principios de la Ciencia”. Sin embargo, él y muchos pintores de la época enfatizaron la suave transición de la luz y la oscuridad y evitaron los límites obvios entre la luz y la oscuridad, por lo que abordaron el efecto ondulante del cuerpo de una manera más redondeada. la forma y el contorno del objeto, por lo que su método básico de pintura era delinear. Agregue tonos claros y oscuros a la forma del objeto, centrándose principalmente en la representación de contornos y líneas. El método de pintura básica de la formación básica en pintura en la Academia de Bellas Artes de Bolonia es la continuación de este método de pintura tradicional del Renacimiento. Más tarde, a medida que la búsqueda de la belleza clásica se estandarizó en la formación básica del dibujo académico, la expresión de contornos y líneas en el dibujo y la pintura se volvió más absoluta. Es cierto que la expresión de líneas y colores no está mal como medio de expresión. Hasta el día de hoy, muchos pintores siguen utilizando este método de combinar líneas, luces y sombras para pintar, y han logrado avances y desarrollo. Sin embargo, debido a que el formato del arte requiere estudiantes, restringirá el desarrollo diversificado del arte e incluso conducirá al desastre. Esta forma de formación básica en dibujo académico siempre se utilizó en aquella época. Después del establecimiento de academias de arte en varios países, el desarrollo de la pintura experimentó el período del arte barroco y el período del arte rococó en el siglo XVI, y el período del arte clasicista francés en el siglo XIX. Durante el período del arte barroco, las pinturas ya se centraban en el uso de la luz y la oscuridad, y los pintores comenzaron a ejercer el poder conmovedor de la luz y la oscuridad, fortaleciendo la atmósfera del cuadro y el sentido tridimensional de la imagen. Entre las figuras representativas de este estilo de pintura se encuentran Vilas Husband (1599-1660) y Rubens (1577-1640), especialmente el pintor holandés Rembrandt (1606-65438). La luz y las sombras se han convertido en los principales medios de pintura. Se puede decir que el método de expresar la superficie y el volumen de un objeto a través de luces y sombras es independiente del método de pintura de líneas principalmente o líneas más luces y sombras. Sin embargo, este método no cambia la forma de formación básica en dibujo académico.
David (1748-1825) y Ángel (1780-1867), principales figuras de la escuela de pintura clásica francesa del siglo XIX, tuvieron bocetos precisos y bellos y una estructura rigurosa, y se desarrollaron en el boceto académico. estilo. Angel persigue la concisión y precisión de las líneas, y sus bocetos están cuidadosamente elaborados en detalle sin perder la calidad general, lo que puede considerarse como un modelo de boceto clásico. Proudhon (1758-1823) fue un famoso pintor francés con un estilo romántico que fue contemporáneo de David. Su estilo de dibujo y sus ideas eran diferentes a las de David. Era idealista y realista, y utilizaba la luz y la oscuridad para resaltar el contorno. cuerpo humano, con cambios sutiles en la realidad y una sensación de espacio poderosa. Fue elegido miembro de la Académie Française en sus últimos años y su estilo de dibujo no influyó en la educación en la academia. Después de que Angel se convirtiera en presidente de la Academia Francesa de Bellas Artes, siguió estrictamente los requisitos de la academia a la hora de buscar formación básica. Al observar sus bocetos, podemos ver el estilo general de la formación básica en bocetos académicos de esa época. Aunque Ángel creía que un boceto debía tener una forma interna, la buena forma que tenía en mente era un trazado circular. "La línea es un boceto, esto es todo" (1), exige simplicidad en las líneas y formas del boceto, pero en realidad persigue principalmente la belleza del contorno. En aquella época, muchos estudiantes de la Academia Francesa de Bellas Artes creían que el propósito del boceto era perseguir un contorno noble, e incluso consideraban los objetos como planos rodeados de contornos. Lo que los estudiantes que quieren ser realistas no pueden tolerar es que en la clase de dibujo natural, el modelo no se pueda dibujar tal como está, sino que el objeto que tienen frente a ellos debe modificarse de acuerdo con las normas clásicas (como ocho u ocho cabezas y media). formato).
A mediados del siglo XIX, la enseñanza académica (cuya columna vertebral era un sistema de formación básica en dibujo) se convirtió en un objetivo. En primer lugar, la escuela romántica representada por Delacroix (1798-1863) atacó los bocetos académicos: sólo los detalles externos son reales, pero no contienen ninguna realidad, especialmente la realidad interior, es decir, la falta de realidad del pintor. cosas Sentir. Luego estaba el impacto de los realistas representados por Courbet (1819-1877). Insistió en utilizar la vida real como base para la creación y se opuso a los académicos que representaban intereses oficiales que seguían el arte hipócrita y defendían que la formación básica en dibujo debería basarse en. La realidad. La vida como modelo. Una vez abrió un estudio para estudiantes que no estaban satisfechos con su educación universitaria. Trató de reemplazar las antiguas estatuas escultóricas de yeso y maniquíes con granjeros y vacas, y llevó las vacas al estudio para pintarlas para sus alumnos. En vista de la falta de entrenamiento de la memoria visual en la formación básica de bocetos en las escuelas académicas, de Bouabdelak probó un nuevo método de enseñanza basado en el desarrollo de la memoria visual fuera de la Academia de Bellas Artes. Los impresionistas simplemente salían del estudio para dibujar del natural e innovaban en la expresión de la luz y el color. Odiaban la hipocresía de los académicos que se adaptaban a los gustos oficiales y defendían que las obras no tenían ningún significado expresivo y sólo reflejaban la impresión visual y los sentimientos de sí mismo del pintor. Por lo tanto, sus bocetos (especialmente los de los pintores posteriores a los impresionistas) gradualmente prestaron menos atención a representar la forma natural de los personajes y solo se centraron en el sentimiento y la atmósfera de la imagen. Algunos bocetos de paisajes sólo se centran en registrar la impresión de la luz y explorar la organización de las pinceladas.
Bajo el impacto del romanticismo, el realismo y el impresionismo, las academias de arte europeas todavía estaban abiertas como de costumbre en ese momento, pero la enseñanza académica como sistema había perdido su base en la realidad y gradualmente estaba decayendo y colapsando. Diferentes métodos y sistemas de enseñanza que reflejan las visiones del realismo, el impresionismo y el modernismo en la sociedad han evolucionado gradualmente en la enseñanza universitaria, formando una situación más complicada. Algunas escuelas simplemente han establecido sus propias escuelas de arte.
En la segunda mitad del siglo XIX prevaleció el Impresionismo, dando lugar al surgimiento del modernismo y teniendo un gran impacto en la educación artística de aquella época. Entre las escuelas de arte, la primera no es la copia, sino el boceto, que apareció sólo después del surgimiento del impresionismo. Dibujar es la mejor manera de estudiar la naturaleza, explorar el origen de las imágenes artísticas y ejercitar habilidades básicas de modelado, pero diferentes escuelas tienen diferentes actitudes hacia el dibujo. La enseñanza del arte del impresionismo y el modernismo se centra en cultivar la memoria visual, la imaginación y las habilidades de expresión únicas de los estudiantes. Al dibujar, enfatizan los factores subjetivos de la impresión visual y la autoexpresión, prestando poca atención al prototipo de vida del objeto. El número de lecciones para la práctica del dibujo disminuye gradualmente, por lo que la capacidad realista de los estudiantes es generalmente débil. Es más, debido al gradual desprecio por el estudio de las leyes objetivas, la tradición del realismo ha sido negada. Algunos pintores modernos creen que la formación básica en dibujo ya no es importante y que las escuelas de arte pueden darse por vencidas. Por el contrario, los pintores que siguen el camino del realismo, se adhieren a la tradición del realismo y estudian la naturaleza están explorando reformas o creando nuevas escuelas y sistemas que son diferentes de la educación académica tradicional. Revivieron y desarrollaron la tradición realista defendida durante el Renacimiento en la formación básica en dibujo.
Durante este período, hubo muchos pintores, escuelas y sistemas de enseñanza en varios países que adhirieron y desarrollaron la tradición realista. El sistema de enseñanza de bocetos del ruso Cheshakov (1832-1919) tuvo un gran impacto en la educación artística en los primeros días de la fundación de la República Popular China y maduró con el surgimiento del impresionismo en la década de 1970. Cheshakov enfatizó el estricto procedimiento y la sistematicidad del entrenamiento básico de bocetos, heredó el método de luces y sombras iniciado por el arte barroco y propuso las reglas de modelado en perspectiva del espacio tridimensional basadas en las líneas de contorno y el formato de bocetos claros y oscuros de la época. Él cree que "un boceto no es una línea, sino una forma... Dibuja una línea y observa el volumen contenido entre las dos líneas paralelas". ① Comprenda la conexión orgánica de estos volúmenes desde una perspectiva estructural. Se enfatiza que los estudiantes no sólo deben dominar la regularidad de los objetos, sino también la exactitud de la descripción. Los pintores prestan atención al diseño, la proporción y la simplicidad. Intentando superar las carencias del boceto académico y basando el boceto en una descripción estricta y correcta de la forma. El sistema de enseñanza de bocetos de Cheshakov, como el de otros países, se adhiere a la tradición del realismo. Insistieron en el estudio de las leyes naturales y objetivas y desarrollaron la tradición realista defendida desde el Renacimiento. Durante el período en que la formación académica básica en dibujo dominaba la educación artística, esta tradición quedó casi sumergida por las normas clásicas.
Aunque el sistema de enseñanza de bocetos de Cheshakov es defectuoso, no presta suficiente atención al cultivo de la memoria visual, los bocetos, el dictado y las capacidades de imaginación de imágenes de los estudiantes. Sin embargo, sentó una sólida base de modelado para los pintores realistas rusos de esa época, influyó directamente en la educación artística en la Unión Soviética y Rusia en la década de 1950 y ayudó a mejorar la capacidad de modelado de la creación artística china.
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