En 1900, Hollywood era sólo una ciudad escasamente poblada a más de diez kilómetros del centro de Los Ángeles. Los Ángeles originalmente perteneció a México y se convirtió en una ciudad estadounidense después de que California fuera anexada a los Estados Unidos. En 1886, el agente inmobiliario Harvey Wilk compró un terreno aquí y su esposa plantó aquí una gran cantidad de acebos de Escocia, de ahí el nombre de Hollywood (en inglés, Hollywood significa Holly Grove). Hoy, Hollywood se ha convertido en un símbolo de gran importancia en la cultura estadounidense. Lugares famosos como Sunset Strip, Beverly Hills, el Valle de San Fernando, Santa Mónica y las playas de Malibú están llenos de mitos modernos. Se puede decir que la historia del desarrollo de Hollywood es la historia del desarrollo del cine estadounidense.
En 1907, el director Francis Burgess llevó un equipo de filmación a Los Ángeles para filmar "El Conde de Montecristo". Descubrieron que el hermoso paisaje natural, la suficiente luz y el clima adecuado son un lugar natural para fotografiar. A partir de 1909, el famoso productor Griffith rodó varias películas ambientadas en la naturaleza en Hollywood. En aquella época, el centro del cine americano estaba en el Este, con Nueva York como base. Después de eso, muchas compañías cinematográficas vinieron aquí para rodar películas, iniciando el gran traslado de la industria cinematográfica estadounidense a Hollywood. A partir de 1912, muchas compañías cinematográficas se establecieron en Hollywood y, en 1928, las "ocho grandes compañías cinematográficas" habían formado una situación que dominaba el mundo. Las ocho principales compañías cinematográficas son:
MGM
Marcus Lowe, presidente de Rockwell Ltd., adquirió Metro Films en 1920. Luego estaba Goldwyn Pictures, que finalmente se fusionó con Louis B. Meyer Pictures formará Metro-Goldwyn-Mayer. Rockwell retuvo la parte de la película, mientras que MGM tomó el control del estudio. Después de la muerte de Rockwell y de que Nicholas Schenck asumiera la presidencia, Thalberg volvió a ser productor. Thalberg murió en 1936. Tres años después, Metro-Goldwyn-Mayer lanzó Lo que el viento se llevó. En 1973, MGM se vio limitada financieramente y tuvo que abandonar la distribución y reducir la producción. En 1981, Kerkorian tomó el control de todos los estudios estadounidenses del conglomerado financiero Pan American, formando MGM/American Entertainment. De 1985 a 1986, el jefe de CNN, Ted Turner, compró el estudio y luego lo vendió a Kirklian, dejando solo la filmoteca. En 1990, el italiano Giancarlo Parretti y su holding Patai Communications adquirieron MGM con la ayuda de Time Warner. En 1989, MGM/USA poseía el 6% del mercado.
Paramount
Adolf Zucker, propietario de Star Studios, compró Lasky Feature Film Company en 1916. Después de varios cambios de nombre, pasó a llamarse Paramount-Pablix Corporation en 1930. Se vio muy fortalecido al utilizar el crédito de Wall Street para comprar algunas salas de cine. En 1932 se produjo una grave crisis financiera que llevó a la quiebra de la empresa. De 1933 a 1936, Paramount se reagrupó bajo el liderazgo de Barney Balaban. Desde 65438 hasta 0946, las ganancias de la empresa alcanzaron un récord de 39 millones de yuanes. En ese momento, la Corte Suprema obligó a Paramount a vender sus salas. A partir de 1971, Frank Yablans, Robert Evans, Martin Davis y Frank Mancuso se desempeñaron como presidente de la empresa. Paramount, una de las cuatro grandes empresas con una cuota de mercado del 14%, intentó adquirir Time Warner en 1989, pero fracasó tras un pleito.
20th Century Fox (20th Century Fox)
La Fox Film Company de William Fox fue fundada en Hollywood en 1917. En 1927, la compañía invirtió fuertemente en el desarrollo de la tecnología cinematográfica sonora de Fox, y " Antimonopolio" Se produjeron disputas legales. Después de que estalló la crisis financiera en Wall Street en 1929, se encontró con dificultades financieras. Después de la muerte de William Fox, la compañía se fusionó con 20th Century Studios de Darryl Zanuck y Frank Schenker en 1935 para convertirse en 20th Century Fox. En 1981, Fox fue adquirida por el magnate petrolero Marvin Davis, quien vendió la mitad de sus acciones al magnate de los periódicos australiano Rupert Murdoch. Fox Corporation ocupó el sexto lugar en 1989, con una participación de mercado del 6%.
Warner Bros. (Warner Bros.)
Los hermanos Huners fundaron Warner Bros. Production Co., Ltd. en 1923, y anexaron Vitagraph Corporation en 1925 e invirtieron en sus filiales Audio tecnología desarrollada conjuntamente por Vitalone y Western Electric Company. El primer cine sonoro, The Jazz Singer (1927), agotó los esfuerzos de Sam Warner y murió ese mismo año. Warner Bros. pasó a la producción televisiva en la década de 1950. En 1957, Jack Warner tenía sólo una pequeña participación en Warner Corporation. En 1967, Warner Bros. fue adquirida por Seven Arts Studios y, en 1969, fue adquirida por Kinney National Services. La compañía de Burbank, dirigida por Steven Ross, pasó a llamarse Warner Communications Co., Ltd. en 1971, y sus divisiones de cine, grabación y televisión conservaron el nombre de Warner Bros., con Ted Ashley a cargo. De 1983 a 1984, Warner cayó en una grave crisis financiera. Bajo el liderazgo de Terry Smear, la compañía se revitalizó gracias al éxito de películas como "Gremlins" y "Batman". De 65438 a 0989, Warner ocupó el primer lugar entre los ocho principales estudios cinematográficos y representa el 19% de la cuota de mercado. En ese momento, Time Inc. se fusionó para convertirse en Time Warner Corporation.
Radio Keith Offen (RKO)
La compañía de radio y televisión es la más joven de las ocho grandes compañías de Hollywood. Fue fundada en 1928 a partir de la fusión de David Sarnoff y Joseph Kennedy de la American Broadcasting Company. Cineastas independientes como Walt Disney, Orson Welles y Selznick se unieron a la empresa, pero no hicieron contribuciones destacadas al desarrollo de la empresa. En 1948, la empresa estaba controlada por el magnate aeronáutico Howard Hughes. En 1955, la General Long Distance Broadcasting Company de Thomas O'Neill, una filial de una empresa de neumáticos, compró la televisión abierta y los derechos de cientos de películas fueron cedidos a The Coca-Cola Company. En 1958, Desilu Studios reanudó la producción de películas para televisión bajo la dirección de la actriz Lucille Ball. La empresa finalmente desapareció de Hollywood debido a decisiones desfavorables de los líderes de la empresa.
Universal Pictures (Universal)
Karl Lemley fundó Universal Studios en 1912 tras fusionar varios negocios. Después de la muerte de Lemley en 1936, Universal Pictures fue adquirida por un consorcio. Después de salir de la crisis financiera de la década de 1930, Universal Pictures se fusionó con International Productions en 1946. En 1962, Universal International fue adquirida por American Music Corporation. De 65438 a 0976, Ned Tannan, Frank Price y Sidney Shamback dirigieron Universal Pictures. Universal Pictures ocupó el segundo lugar en 1989, con una cuota de mercado del 17%. En 1990, Universal Pictures fue adquirida por Panasonic Corporation de Japón por 6 mil millones de dólares.
United Artists
1919 Fundada por Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin, Mary Pickford y Griffith, y fundada por Hiram Abra Dirigida por Joseph Schenck desde 1926. Después de una profunda reorganización, Arthur Crim y Robert Benjamin obtuvieron el liderazgo de la empresa estadounidense en 1951. En 1967, Estados Unidos fue adquirido por el conglomerado financiero Pan American.
Fotos de Colombia.
CBS fue fundada en 1924 por los hermanos Joe Brandt, Harry Cohn y Jack Cohn, basándose en la CBS fundada en 1920. Entre 1927 y 1939, Columbia logró un gran éxito gracias al liderazgo de Frank Capra. En 1973, la empresa fue adquirida por Ellen Hirschfeld y David Bergman. En 1982, Coca-Cola adquirió la empresa y nombró presidente al cineasta independiente británico David Putnam. Putnam dejó Columbia cuando se fusionó con Samsung en 1987. Columbia se convirtió en la tercera productora más grande en 1989, con una cuota de mercado del 15%, y ese mismo año fue adquirida por la japonesa Sony Corporation.
2) La historia y la situación actual de Hollywood
Las primeras películas estadounidenses fueron todas películas mudas, a menudo llamadas la era del cine mudo. La mayoría de las películas de la era muda fueron comedias y el comediante más famoso fue Charlie Chaplin. Sus películas como "City Lights", "Modern Times" y "The Great Dictator" se han convertido en películas destacadas de la historia.
En 1923, salió el cine sonoro, que aportó muchos ingresos a Hollywood.
En 1927, bajo la dirección del jefe de MGM, Louis B. Meyer, se estableció oficialmente la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Pronto, Meyer propuso la creación de un Oscar para alentar y reconocer a los cineastas que hayan logrado logros sobresalientes en la industria cinematográfica. Así, el 6 de mayo de 1929 se celebró la primera ceremonia de los Premios de la Academia en el Hotel Roosevelt de Hollywood. El premio Oscar es una figura desnuda dorada de aleación de estaño y cobre, de 13,5 pulgadas de alto. En 1931, cuando el bibliotecario de la academia vio esta estatua dorada, se sorprendió y dijo: "¡Realmente se parece a mi tío Oscar!" A partir de entonces, el nombre Oscar se extendió. A partir de la séptima sesión, los Oscar pasaron a llamarse oficialmente Oscar. Los Oscar se dividen en dos categorías: premios a los logros y premios especiales. Los premios a los logros incluyen: Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actuación, Mejor Fotografía, Mejor Artista, Mejor Música, Mejor Sonido, Mejor Maquillaje, Mejor Cortometraje, Mejor Documental, Mejor Animación, Mejor Película en Lengua Extranjera. Entre los diversos premios cinematográficos del mundo actual, los Oscar son sin duda los premios cinematográficos más autorizados, influyentes y de mayor alcance. Simboliza el mayor logro del arte cinematográfico estadounidense.
A principios de los años 30, Estados Unidos había superado la crisis económica y Hollywood iniciaba una época dorada de 20 años. A principios de la década de 1930, la Fundación Rockefeller y Morgan iniciaron una feroz competencia por el control de Hollywood. En 1935, los dos principales consorcios controlaban básicamente las ocho principales empresas de Hollywood. Los estudios de Hollywood, que encontraron respaldo financiero, también comenzaron a desplegar una gran creatividad. En las décadas de 1930 y 1940, las películas de género, los westerns, las películas policiales y los musicales creados y desarrollados por Hollywood gozaron de gran popularidad entre el público. Hollywood produjo muchas películas excelentes durante su época dorada. Entre ellos, "Lo que el viento se llevó" es el clásico más atractivo de la Edad de Oro de Hollywood. "Citizen Kane" siempre ha estado entre las "Diez mejores películas" a lo largo de los años. Otros incluyen "Ha nacido una estrella", "Lágrimas en una camisa roja", "El mago de Oz", "Cumbres borrascosas", "Over the Mountain", "Philadelphia Story", "Butterfly Dream", etc. , todos lograron un éxito artístico y al mismo tiempo lograron enormes ingresos de taquilla.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Hollywood también utilizó el cine como arma contra los nazis. Entre todas las películas antifascistas, la más famosa es "Casablanca", filmada por la Warner a finales de 1942, y su heroína Ingrid Bergman se hizo famosa en todo el mundo. Además, películas como "La sangre de Henry Fonda", "Confesiones de un espía nazi", "Los descendientes de Hitler" y "Nazi" protagonizada por Chaplin también expusieron profundamente el feo rostro de los nazis.
Poco después del final de la Segunda Guerra Mundial, cuando Hollywood era vibrante y próspero, el "Comité de Actividades Antiamericanas" del Congreso de los Estados Unidos comenzó a investigar "** a los industriales que se habían infiltrado en la industria cinematográfica estadounidense. " El juicio del Comité de Actividades Antiamericanas comenzó el 20 de octubre de 1949 y los "Diez de Hollywood" fueron condenados a prisión. Decenas de directores, productores, actores y guionistas fueron incluidos en la lista negra, dejándolos desempleados o en el exilio. La polémica duró diez años y dañó enormemente la vitalidad de Hollywood. Además, la popularidad del cine en la década de 1950 también tuvo un impacto en Hollywood, que había atravesado una crisis de 30 años. La mejor película de este período es El Padrino, considerada "la mejor película americana desde Ciudadano Kane".
A finales de la década de 1970, surgió un nuevo amanecer en Hollywood. Desde entonces hasta la década de 1980, "Kramer vs. Kramer", "Gente normal", "Madre e hija", "Enamorándose", "En el estanque dorado", "Rain Man" y "Para Dai". Miss West Driving" mostró la preocupación del público en general por la ética familiar e integró temas sociales serios en historias conmovedoras y tortuosas, suscitando fuertes respuestas de la sociedad estadounidense. Dustin Hoffman y Meryl Streep son maestros en este arte de la interpretación cinematográfica
George Lucas y Steven Allen Spielberg tienen 20 años Dos magos del director surgieron en Hollywood en los años 1970 y 1980. George Lucas combinó los géneros de comedia y westerns con alta tecnología y fantasía para crear la franquicia Star Wars que ha fascinado a generaciones. Spielberg produjo "E.T.", "Encuentros en la tercera fase", "En busca del arca perdida", "El color púrpura" e "El imperio del sol" en los años 1980, y "La lista de Schindler" en los años 1990. Park" y "Salvando al soldado Ryan".
Después de experimentar la tendencia de mejorar el sistema cinematográfico en la década de 1980, las principales compañías cinematográficas de Hollywood alcanzaron un período de cosecha en la década de 1990. Desde 1995 se han producido una decena de éxitos de taquilla con una taquilla de más de 100 millones cada año.
En la década de 1990, las películas de Hollywood con éxito comercial y valor artístico incluyeron "El silencio de los corderos", "Mujer bonita", "Forrest Gump", "El rey león", "La lista de Schindler", "Corazón valiente" y "Titanic".
3) La perspectiva económica del cine americano.
Durante décadas, la industria cinematográfica estadounidense ha sido la fuerza dominante en el mercado internacional. Según datos de las Naciones Unidas, las exportaciones de películas estadounidenses continuaron aumentando antes de principios de los años 1980 y comenzaron a disminuir a mediados de los años 1980. Por otra parte, las importaciones de películas estadounidenses han seguido una tendencia ascendente desde 1953. Esta tendencia de divergencia entre importaciones y exportaciones puede explicarse por el aumento de la inversión extranjera directa en la industria cinematográfica estadounidense. La reducción de la brecha entre las importaciones y exportaciones de películas estadounidenses refleja un equilibrio de su comercio.
Desde principios del siglo XX, muchos países han impuesto restricciones al comercio de productos culturales. El Acuerdo de Beirut de 1948 estipula la eliminación de derechos de importación, licencias y restricciones cuantitativas en el comercio internacional de materiales audiovisuales educativos. El Acuerdo de Florencia de 1950 se centró en la libre circulación de libros, revistas, periódicos y otros productos intelectuales. Sin embargo, estos acuerdos internacionales no cubren productos culturales de entretenimiento ni identidades culturales. De hecho, tanto el Acuerdo General sobre Aranceles Aduaneros y Comercio (GATT) como el código DECE de Invisibles de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económico (OCDE) han aprobado cuotas reservadas para la proyección de películas para salvaguardar la identidad cultural de cada país. Para proteger el desarrollo de sus propias industrias culturales, los países suelen plantear la cuestión de la soberanía cultural como la razón principal. La soberanía cultural no se trata esencialmente del consumo de productos artísticos per se, sino de la elección de productos culturales por parte de los consumidores. El gobierno utilizará juicios de valor para promover y estimular el consumo de productos culturales nacionales porque estos productos culturales expresan sus propios valores y cultura. Por ejemplo, Canadá y Estados Unidos comparten muchas características culturales, como el inglés como el mismo idioma (aunque casi una cuarta parte de los canadienses afirman que el francés es su idioma nativo), el capitalismo como sistema económico y el judeocristianismo como religión. Irónicamente, es precisamente debido a estos valores culturales similares que los canadienses creen que la mayor amenaza a su soberanía cultural proviene del dominio de los productos culturales estadounidenses más que de los de otros países (Morris, 1978). La soberanía cultural es un argumento central en apoyo de las barreras comerciales, y a menudo se plantean cuestiones económicas y políticas en apoyo de las restricciones comerciales.
Algunos países importadores se quejan de que los desequilibrios en el tamaño del mercado, como los factores demográficos, brindan a los productores estadounidenses oportunidades para disfrutar de economías de escala. De esta manera, la reducción de los costos unitarios del producto hace que los fabricantes estadounidenses sean más competitivos en el mercado internacional. Por lo tanto, Europa y Canadá comenzaron a prestar atención a la influencia cultural de las películas estadounidenses a principios de los años noventa. En la década de 1920, Alemania implementó un sistema de cuotas para la importación de películas estadounidenses (Feldman y Nelson, 1977). A medida que Alemania utiliza sus propias películas para promocionarse, las restricciones a las películas estadounidenses están aumentando. De hecho, tanto el Acuerdo General sobre Aranceles Aduaneros y Comercio como los Estándares Intangibles de la OCDE ahora autorizan la retención de cuotas cinematográficas para proteger las identidades culturales de los países. Según Wildman y Siwek, tanto los países industrializados como los en desarrollo han erigido barreras comerciales a los productos de vídeo. Estados Unidos también ha estado utilizando barreras comerciales limitadas en la industria cultural, principalmente barreras arancelarias. A diferencia de los países europeos, Canadá utiliza subsidios gubernamentales o inversiones en producción para promover el desarrollo de su industria cinematográfica nacional, en lugar de utilizar barreras a las importaciones para proteger su industria de producción cultural (Feldman y Nelson, 1977). Sin embargo, según una investigación de Wildman y Siwek, frente a la competencia extranjera, la supervivencia de las industrias culturales nacionales no requiere apoyo económico gubernamental. Al estudiar las estadísticas sobre la producción y el comercio de televisión en Italia y América Latina, sostienen que el desarrollo de la televisión comercial es clave para empoderar a los productores de programas y cineastas locales. Señalan que la competencia extranjera sólo debilita a los medios financiados y controlados por el Estado (Wildman y Siwek, 1990).
Wildman y Siwek también creen que las restricciones al comercio de películas y programas de televisión, especialmente las restricciones de cantidad, no satisfarán la demanda de los consumidores, por lo que esta parte debe obtenerse de los canales normales. Las necesidades insatisfechas a menudo se satisfacen mediante la piratería. (Wildman y Siwerk, 1988). La facilidad y velocidad de las nuevas tecnologías de copia y las comunicaciones por satélite han convertido la piratería en un problema global. Un informe reciente de la Motion Picture Export Association of America dirigido a representantes empresariales de Estados Unidos señaló que la piratería de vídeos existe en la mayoría de los países.
El Motion Picture Export Council estima que la piratería le cuesta a Estados Unidos entre 25 y 50 millones de dólares en el comercio con Canadá, lo cual es una estimación muy aproximada. Wildman y Siwek creen que la piratería de vídeos es causada por países que no tienen legislación sobre propiedad intelectual y que no aplican adecuadamente las leyes de derechos de autor existentes (wildman y siwek, 1985). Por ejemplo, en 1984, la Corte Suprema de Estados Unidos dictaminó que era legal utilizar equipos de grabación de televisión para copiar programas de televisión transmitidos en el hogar con fines no comerciales (Vogel, 1986).
Características del producto y del mercado
Diversas formas de "star system" siempre han sido un medio utilizado por los Estados Unidos para diferenciar los productos cinematográficos. En el sentido de que los "éxitos de taquilla" dependen de las estrellas para actuar en ellos, esos éxitos de taquilla son raros porque las estrellas de renombre son escasas. El resultado de esta situación es que los principales estudios cinematográficos dependen de una o unas pocas películas cada año para obtener ganancias. A finales de la década de 1980, se estrenaban anualmente entre 60 y 80 películas importantes, pero menos de 25 estrellas ganaban más de 3 millones de dólares por película. En 1997, a algunas estrellas se les pagaba hasta 20 millones de dólares, lo que provocó un aumento significativo en los costos de producción cinematográfica. En consecuencia, los ingresos de taquilla de varios éxitos de taquilla representan la mitad de todos los ingresos de taquilla de las películas.
El star system resulta en parte en altos costos de producción y marketing, crea barreras para que nuevas empresas ingresen a la industria cinematográfica y, en última instancia, conduce a un alto grado de concentración en la industria. Se estima que entre 1965 y 1988, la participación de los cuatro principales productores cinematográficos estadounidenses en el mercado de taquilla norteamericano osciló entre el 48% y el 69%. Se puede discutir si la industria cinematográfica estadounidense es un oligopolio o una competencia monopolística. Durante el período 1965 ~ 1988, el índice de concentración promedio de las cuatro empresas principales fue de 58,64, mientras que el índice Herfindahl Hyrschman durante el mismo período fue de 1236. (Nota: El índice Herfindahl Hirschman (HHI) es un indicador de la concentración del mercado estadounidense, que oscila entre el 38,2% y el 39,2%. Por cada aumento del 65.438±0% en la participación del mercado comercial, el índice HHI aumentará en 78 puntos.) Estas cifras espectáculo.
Aunque el poder de mercado de las grandes empresas existe en esta industria, cada vez hay más productores independientes en esta industria y la composición de las cuatro empresas principales también cambia constantemente, lo que demuestra que esta industria está desarrollándose en la dirección de la competencia. A medida que el mercado continúa desarrollándose, algunos fabricantes independientes han comenzado a ocupar una cuota de mercado menor, como Orion. Los productores independientes entregan sus películas a grandes empresas para su comercialización y distribución. Debido a que las pequeñas empresas invierten grandes cantidades de dinero y tienen amplios canales de distribución, les resulta difícil distribuir con éxito sus películas. Sin embargo, las grandes empresas tienen fuerza en ambos aspectos. Además, la concentración de teatros también es bastante alta, con alrededor del 40% de los teatros en manos de las seis principales y principales compañías de teatro de cadenas. Para fortalecer este efecto de concentración, en la década de 1980, las principales cadenas invirtieron fuertemente en la construcción de un gran número de salas multipantalla en Estados Unidos, el Reino Unido y Canadá (Vogel, 1986). En 1982, había aproximadamente 7.300 empresas integrales dedicadas a la producción, distribución y exhibición de películas en los Estados Unidos, pero sólo 11 (Service Trade, 1986) eran grandes empresas con ingresos anuales superiores a los 100 millones de dólares.
La creciente competencia de la televisión y otros medios de entretenimiento ha obligado a la industria cinematográfica a tomar nuevas medidas. Además de mejorar el sistema estelar. También aumentaremos la inversión en publicidad para segmentar aún más las películas y conseguir una cuota del mercado cinematográfico. En 1980, el gasto medio en publicidad por película fue de 540.000 dólares, frente a un promedio de 9,9 millones de dólares en 1991 (American Motion Picture Association, 191). En 1985, el gasto total en publicidad de la industria cinematográfica fue de aproximadamente 352 millones de dólares, lo que representa el 17% del gasto total en publicidad de la industria del entretenimiento (1.500 millones de dólares) (leading national anunciars 1985A). En Estados Unidos, la industria del entretenimiento ocupa el quinto lugar en gastos de publicidad por industria (Leading National Advertisers 1956). Como señalan Wildman y Siwek, si el tamaño del mercado interno es una razón exógena para que las empresas tengan una ventaja comparativa en la cantidad y calidad de las películas, entonces esta ventaja comparativa y estos enormes costos sólo pertenecen a aquellos países que disfrutan de un vasto mercado interno. mercado (wildman y siwek, 1988).
Otra estrategia de los estudios estadounidenses para hacer frente a la creciente competencia es trasladar la producción cinematográfica al extranjero para reducir los costos de producción y evitar barreras comerciales. La inversión extranjera directa, tanto dentro como fuera de Estados Unidos, está creciendo muy rápidamente.
De 1977 a 1993, los activos de las filiales de American Pictures en otros países aumentaron 5,1 veces, mientras que las ventas aumentaron sólo 6,4 veces durante el mismo período. Al mismo tiempo, los activos de otros países en la industria cinematográfica estadounidense aumentaron en 25438+0,5000080606 y las ventas aumentaron 233,1 veces. Sin embargo, la inversión extranjera directa en Estados Unidos parece ser principalmente inversiones de cartera, y el control de la producción y el contenido cinematográfico sigue en manos estadounidenses.
Los datos históricos muestran que los activos y las ventas de las filiales estadounidenses en otros países son igualmente buenos. Por ejemplo, en 1984, los principales estudios cinematográficos de Hollywood y productores independientes * * * filmaron 318 películas, 151 de las cuales fueron filmadas en otros países, con un valor estimado de 2 mil millones de dólares. Pero las filiales estadounidenses consideraban que las películas eran "importadas". 1. El valor de las “importaciones” de las filiales extranjeras en los Estados Unidos alcanzó los 654,38+0 mil millones de dólares (Oficina de Evaluación de Tecnología, 654,38+0,986). Aunque estos datos no son completos, también muestran que en la mayoría de los años, Estados Unidos también mantiene una enorme ventaja en la competencia de activos.
Otra característica de la industria cinematográfica estadounidense es la existencia de un mercado secundario o mercado auxiliar. Los recientes avances en la tecnología de vídeo han aumentado significativamente la proporción de ingresos que la industria obtiene del mercado secundario. Los mercados secundarios incluyen alquiler de vídeos, vídeo doméstico premium, televisión por Internet, cable premium y sindicación. La industria cinematográfica adopta una estrategia de precios aleatoria a través de diferentes canales de ventas a través de una estrategia de ventas "escalonada" o con retardos (Office of Technology Assessment, 1986). En este completo conjunto de enlaces de venta, las salas de cine son el primer y más importante enlace, seguido de las cintas de vídeo, la televisión de pago, etc. El mercado secundario puede generar décadas de ingresos para éxitos de taquilla como "Lo que el viento se llevó", "La novicia rebelde" y "Star Wars". La tecnología de procesamiento de imágenes por computadora puede evitar que las imágenes originales de películas populares se dañen o degraden, extendiendo así la vida de estas películas en el mercado secundario. El fuerte crecimiento del mercado secundario ha aumentado considerablemente los ingresos de las productoras cinematográficas y ha compensado el alto coste de la producción cinematográfica (Block, 1986). Además, la existencia de mercados secundarios permite a las compañías cinematográficas dirigirse a diversos segmentos del mercado, lo que puede aumentar la diferenciación del producto y reducir el riesgo de fracaso (Smith y Smith, 1986).
En resumen, la industria cinematográfica estadounidense utiliza sistemas estelares, efectos especiales, publicidad a gran escala y otros métodos para lograr la diferenciación de productos, lo que no sólo aumenta los costos sino que también aumenta los ingresos. Recientemente, la industria cinematográfica estadounidense ha comenzado a trasladar la producción al extranjero para reducir los costos de producción, al tiempo que intenta utilizar el mercado secundario para aumentar los ingresos mediante precios aleatorios. Durante esta serie de procesos, la industria cinematográfica estadounidense permaneció altamente concentrada, con sólo unos pocos grandes estudios cinematográficos y cadenas de cines dominando la industria, y había controles y equilibrios en el mercado en un estado competitivo. Esta estructura industrial está respaldada por el enorme mercado interno. Después de décadas de cultivo por parte del sistema estelar, el mercado interno se ha convertido en un mercado muy maduro. Estas características únicas de la industria ilustran el patrón del comercio cinematográfico estadounidense.