Palabras clave: mejorar y fortalecer habilidades, interpretación musical
Ya al comienzo de la nueva reforma curricular, después de ver muchos fenómenos extraños, comencé a escribir un artículo: "Nuevo " Perspectiva sobre malentendidos bajo la reforma curricular", publicado en "Educación musical en las escuelas primarias y secundarias". En ese momento, vi algunos fenómenos irracionales en la clase de música y me sentí escéptico y crítico. En este tipo de enseñanza en el aula, es natural que los estudiantes no aprendan bien en música. Como era de esperar, después de la primera ronda de reforma curricular, hubo muchas desventajas. Los estudiantes no pueden leer música ni cantar, excepto los estudiantes de los grados inferiores que están un poco interesados en los juegos en la clase de música, los estudiantes de último año han perdido interés e incluso confianza en la clase de música porque sus habilidades se han desvanecido por mucho tiempo. tiempo... Charlé con el profesor de música y el profesor sintió lo mismo.
1. La necesidad de la enseñanza de habilidades
Antes de la nueva reforma curricular, la enseñanza de conocimientos y habilidades siempre ha sido el foco de la enseñanza de música en las escuelas primarias y secundarias de mi país. Así que la gente atribuye la culpa del disgusto de los estudiantes por las clases de música a un énfasis excesivo en el conocimiento y las habilidades. Por tanto, la nueva reforma curricular plantea el concepto de "restar importancia a los conocimientos y habilidades". La música, como forma de arte, existe sobre la base de habilidades de práctica musical como la creación, interpretación y apreciación musical. En el pasado, enseñábamos conocimientos y habilidades de forma aislada, y usábamos visión y estándares profesionales para juzgar los logros de aprendizaje musical de los estudiantes, convirtiendo el rico y completo arte musical en un entrenamiento de habilidades directo, mecánico y aburrido. Es natural que los estudiantes no lo hagan. como clases de música. Pero en respuesta a este problema, si adoptamos una actitud de evitación pasiva y renunciamos a enseñar conocimientos y habilidades, entonces la enseñanza de la música puede ir al otro extremo. Esta es también la razón por la que muchos de nuestros profesores de música no saben cómo implementar el concepto de “restar importancia a la enseñanza de conocimientos y habilidades”. La música, como forma de arte, existe sobre la base de habilidades de práctica musical como la creación, interpretación y apreciación musical. Cabe decir que la importancia de los conocimientos y las habilidades en la enseñanza de la música es incuestionable y no debe restarse importancia, sino que debe fortalecerse, y se debe pensar y explorar más sobre cómo mejorar los conocimientos y las habilidades. Porque, después de 12 años de estudio de música, los estudiantes terminarán sin cantar, ni tocar el piano, ni bailar. Esto no significa que nuestra educación musical sea exitosa en cualquier caso.
Las habilidades musicales se refieren a un sistema complejo en el que los individuos utilizan sus conocimientos y experiencia existentes para consolidar y automatizar sus acciones o gestionar sus actividades. Las habilidades musicales se refieren a habilidades musicales que se han dominado hábilmente y alcanzado un nivel perfecto de automatización. De esta manera se requieren los conocimientos y habilidades de los nuevos estándares curriculares de música.
1. Conocimientos básicos de música
Aprender y comprender los elementos básicos de la música (como dinámica, velocidad, timbre, ritmo, melodía, armonía, etc.), estructuras musicales comunes. (melodía, etc.) estilos) y géneros musicales pueden promover eficazmente la formación y el desarrollo de las habilidades estéticas musicales de los estudiantes.
2. Habilidades musicales básicas
Cultivar a los estudiantes para que canten con confianza, naturalidad y expresión; aprender las habilidades iniciales de cantar y tocar; leer partituras basadas en la percepción auditiva de la música, y Utilizado en actuaciones musicales.
3. Creación musical y antecedentes históricos
Utiliza la improvisación libre para expresar tus sentimientos y aprender conocimientos y técnicas sencillas de creación musical. Al comprender la vida del compositor y los temas, géneros y estilos de sus obras, podemos comprender la breve historia del desarrollo de la música china y extranjera, identificar inicialmente la música de diferentes épocas y diferentes naciones, y profundizar nuestro conocimiento y comprensión. de la música nacional china.
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El objetivo final de la enseñanza de la música en la escuela primaria es la estética y la expresión, y los profesores generalmente la enseñan.
Los niveles de meta en las tres dimensiones de los objetivos de aprendizaje son muy claros, como el objetivo emocional: amar la naturaleza a través de la escucha y el sentimiento, y utilizar la música para expresar los propios sentimientos y el objetivo de habilidades; : aprender canciones... y tener confianza Cantar; objetivos del proceso y del método: aprender canciones en investigación cooperativa y cultivar la capacidad de innovación cooperativa de los estudiantes. Con este fin, los profesores harán todo lo posible para movilizar todos los métodos de enseñanza al servicio del aula.
Por lo tanto, el objetivo final de nuestra enseñanza es permitir que los estudiantes utilicen la música que han aprendido para expresar las habilidades y técnicas de la música y sentir la belleza de la música.
Por otro lado, el aprendizaje de todas las habilidades musicales debe estar al servicio de la interpretación musical. Una buena y excelente interpretación musical promueve aún más el dominio y la consolidación de las habilidades musicales. Sin embargo, en las clases de música de algunos profesores, parece que rara vez se enseñan conocimientos y habilidades. Cuando se trata de enseñar conocimientos y habilidades, todo el mundo adopta una actitud evasiva. En respuesta a este problema, si adoptamos una actitud de evitación pasiva y renunciamos a enseñar conocimientos y habilidades, entonces la enseñanza de la música puede ir al otro extremo. Esta es también la razón por la que muchos de nuestros profesores de música no saben cómo implementar el concepto de “restar importancia a la enseñanza de conocimientos y habilidades”. De hecho, no hay duda de que no se puede minimizar la importancia de los conocimientos y las habilidades en la enseñanza de la música, sino que se debe fortalecer, y se debe pensar y explorar más sobre cómo mejorar los conocimientos y las habilidades. Sí, la música es una disciplina artística. Por ejemplo, cantar y tocar música pertenecen a la categoría de expresión artística, pero también sabemos que la expresión artística depende del fuerte apoyo de la tecnología. Si no podemos cantar bien una canción, no podemos sentir la belleza de cantar. No podemos tocar una buena canción, por lo que no podemos decir que los estudiantes la hayan dominado de todos modos. Entonces la tecnología, es decir, la importancia de las habilidades.
En segundo lugar, utilizar orientación teórica para mejorar las habilidades prácticas.
La enseñanza de la música debe enseñar a los estudiantes conocimientos y habilidades, especialmente habilidades de canto y interpretación. Esto es natural y también es el foco de la educación musical. Lo más importante. No es necesario "minimizar" la cuestión. ¿Pero cómo mejorarlo? Entonces, ¿cómo mejorar la enseñanza de conocimientos y habilidades?
Aprendizaje y entrenamiento de habilidades etapa-1, lectura musical y aprendizaje. 2. El órgano de procesamiento del centro de conciencia del cerebro reprocesa la información del espectro musical. 3. Controla el canto (interpretación). 4. Retroalimentación auditiva. Las habilidades son habilidades que se fortalecen y dominan. Comprende las siguientes etapas: 1. La etapa de formación inicial de habilidades. 2. Mayor desarrollo de habilidades. 3. Formación de habilidades. 4. Habilidades maduras. En vista de las etapas de aprendizaje y formación de las tecnologías y habilidades anteriores, podemos brindar a los estudiantes las siguientes orientaciones en la impartición de clases de música.
(1) Cultivar la capacidad de aprendizaje espectral de los estudiantes
1. Leer música: aprender música, lo que permite a los estudiantes aprender inicialmente a través de la visión. Combinación
En nuestras clases de música, muchos profesores muestran las partituras como un todo después de escuchar las canciones, piden a los estudiantes que lean las partituras después de escuchar la música y presten atención a algunas marcas especiales en las partituras antes de escucharlas. La información espectral es la más importante y presenta por escrito algunos de los requisitos de desempeño más básicos del trabajo. Por ejemplo, se dan consejos claros sobre la intensidad, el ritmo, los cambios de intensidad, los métodos de canto, las emociones al cantar, etc. de la canción. De esta forma, profesores y alumnos pueden tener directamente las sensaciones más iniciales e intuitivas sobre el trabajo durante el proceso de lectura de partituras musicales. En el proceso de lectura de partituras musicales, el profesor ha fortalecido sus conocimientos musicales a través del estudio sistemático a largo plazo, como diversas partituras y ritmos musicales.
2. Reprocesar las listas musicales: no es suficiente que los estudiantes comprendan las listas musicales, también deben comprenderlas completamente.
Comprender el significado de varios símbolos del espectro y ser capaz de utilizar su propio conocimiento para procesar la información de estas superficies espectrales. Por ejemplo, qué tipo de intensidad se debe utilizar para cumplir con los requisitos de interpretación de la obra, qué tipo de emociones se deben utilizar para expresar la emoción de la obra, qué tipo de timbre se debe utilizar para afrontar los cambios en la canción, qué tipo de método de canto se debe usar para expresar la canción... y así sucesivamente, o los estudiantes tienen que estudiar y comparar por sí mismos después de mucho trabajo, o el maestro necesita usar métodos de enseñanza efectivos para allanar el camino. Para los estudiantes, hasta el final de la clase, los estudiantes pueden cantar con confianza lo que han aprendido.
3. Controlar el canto (tocar) - Con estos, el siguiente paso es dar control a los alumnos.
Sí, canté (interpreté) conscientemente la obra según mi comprensión de la partitura. Incluye control de velocidad, tono, timbre y entonación. Este proceso no ocurre de la noche a la mañana. Requiere esfuerzos continuos y requisitos meticulosos por parte del profesor en cada clase de música para que las habilidades musicales de los estudiantes puedan mejorar continuamente. Los profesores también deben utilizar su propia experiencia y tacto docente para superar los requisitos técnicos de una clase de música, de modo que los estudiantes puedan realmente dominar las habilidades en clase y servir en la interpretación final de la canción.
4. Etapa de retroalimentación auditiva: con las tres etapas anteriores, básicamente se adquieren las habilidades de canto de los estudiantes.
Embriones, aunque pueden tener algunas desventajas. Deje que los estudiantes formen retroalimentación auditiva mediante la escucha repetida y ajusten su canto en la retroalimentación, ajusten el timbre en los puntos brillantes (oscuros), ajusten el tono en los puntos bajos (altos), etc. Después de esta etapa de estudio, los estudiantes realmente dominan los requisitos técnicos del canto (tocar), sentando una base sólida para poder expresar música con confianza y sentir la belleza del arte musical.
5. Memoriza partituras musicales: después de aprender canciones (música), puedes memorizar partituras musicales con habilidad.
Tocar y cantar favorece el rendimiento de los estudiantes. En cada festival coral ningún equipo canta con una banda sonora, para poder expresar mejor y de manera competente las exigencias de la canción y reproducir la construcción de la obra por parte del compositor. Con respecto a la memorización de partituras musicales, la mayoría de las escuelas no pueden permitir que los estudiantes memoricen completamente las partituras de una canción (canción) en clases de música ordinarias. Después de todo, requiere esfuerzos a largo plazo. Sin embargo, si insistimos en hacer esto, encontraremos que la mejora de la capacidad musical de los estudiantes se ve muy afectada. Durante el entrenamiento de memorización a largo plazo, los estudiantes dominan gradualmente la distancia entre varios intervalos y los altibajos de la melodía, lo que promueve en gran medida la mejora de las buenas habilidades de canto visual y entrenamiento auditivo de los estudiantes y la formación de un buen autoaprendizaje. capacidad. En la clase de música que imparto en cuarto y quinto grado, pido a una clase de estudiantes que memoricen todas las partituras de las canciones que han aprendido. Obviamente, después de un período de formación, la alfabetización musical de esta clase es mucho mayor que la de las otras dos clases. En términos de enseñanza, me siento más cómodo. El sentimiento de los estudiantes por las partituras musicales aumenta día a día y pueden aprender una nueva canción muy rápidamente. Puedo sentirme más cómodo con la interpretación de la música, permitiendo a los estudiantes expresar la música con mayor libertad, en lugar de tratar de cantarla con precisión.
(2) Convertir habilidades en técnicas.
Una vez que los estudiantes han superado la etapa de formación de las habilidades anteriores, es necesario transformar las habilidades que dominan en habilidades competentes. Las habilidades son habilidades que se mejoran y dominan. Comprende las siguientes etapas: 1. La etapa de formación inicial de habilidades. 2. Mayor desarrollo de habilidades. 3. Formación de habilidades. 4. Habilidades maduras.
La primera etapa es la formación inicial de habilidades. En este momento, los sentimientos y pensamientos de los estudiantes sobre las técnicas musicales son todavía relativamente ingenuos. Lo que los profesores deben hacer es brindar a los estudiantes orientación y estímulo constantes en esta etapa específica, para que puedan pasar de esta etapa a un mayor desarrollo de habilidades lo antes posible. Por ejemplo, cuando el maestro resuelve problemas difíciles en clase, inicialmente se forman las habilidades de los estudiantes para cantar canciones difíciles. El canto de los estudiantes debe ser guiado por el maestro, saberlo por sí mismos y cantar por sí mismos, para que puedan hacerlo. Básicamente canta con precisión. Todavía tiene algunos problemas menores al cantar y es necesario desarrollar más sus habilidades de coordinación y control.
Luego viene el mayor desarrollo de habilidades. En esta etapa, los estudiantes tienen sus propios sentimientos y comprensión de las habilidades, sus habilidades de control se fortalecen gradualmente y la coordinación de sus habilidades de movimiento puede alcanzar un cierto grado de "semiautomatización". Los estudiantes realizarán presentaciones generales de canto (tocando) según su propio entendimiento, pero algunos no están familiarizados con ello, algunos son tímidos o no tienen la fluidez ni el dominio suficiente. En esta etapa, lo que tenemos que hacer es permitir que los estudiantes practiquen canciones (música) sobre una base determinada y hacer que los trabajos no calificados sean más competentes, de modo que no se pueda mejorar la fluidez y el dominio.
Después de las dos etapas anteriores, las habilidades de los estudiantes se han desarrollado aún más y se han formado gradualmente. La comprensión y las habilidades psicológicas de los estudiantes han experimentado cambios cualitativos, tienen puntos de vista únicos sobre las canciones (música) y han comenzado a explorar formas únicas de expresión artística. Después de cierto control, las habilidades de los estudiantes mejorarán constantemente y luego darán nuevos saltos y también tendrán un estilo de interpretación único en la interpretación musical. En este momento, los estudiantes pueden expresar sus trabajos de manera adecuada y su competencia y fluidez mejoran aún más. Los estudiantes pueden expresar canciones con confianza con su propia comprensión.
La etapa final es la etapa de madurez de las habilidades. En este momento, las habilidades de los estudiantes se han profundizado y pueden integrar muchos conocimientos relacionados. Las habilidades están altamente desarrolladas, lo que refleja el estilo maduro de las artes escénicas y los altos logros artísticos de los "pequeños artistas" en las interpretaciones musicales.
(3) Orientar correctamente a los estudiantes para que aprendan habilidades musicales.
En el aprendizaje de habilidades musicales debe haber objetivos, planes, métodos y retroalimentación.
Tener la oportunidad de demostrar, aprender y entrenar habilidades según estos cinco principios.
1. Diseñar técnicas interesantes de entrenamiento vocal.
La interpretación musical es una actividad artística altamente técnica. Por lo tanto, la formación técnica es muy importante para el cultivo y formación de los intérpretes musicales. Se puede decir que este es el primer paso hacia este palacio del arte. Aquellos que no puedan dar este paso quedarán excluidos del arte de la música y la interpretación para siempre. Todos en nuestra clase de canto tienen buena voz y son dedicados y apasionados por la música. Pero como la mayoría de los niños, no recibió formación musical profesional cuando ingresó a la escuela y gritaba tan pronto como abría la boca.
Por lo tanto, es necesario lograr "fuerte pero no ruidoso, ligero pero no abrumador, alto pero no abarrotado, bajo pero no vacío", es decir, los estudiantes deben "rugir" al cantar notas altas, "presionar" al cantar notas bajas, y "rugir" al cantar notas fuertes. Cantar notas débiles es un problema "virtual". Utilizo una combinación de entrenamiento individual y entrenamiento en grupo para entrenar habilidades vocales interesantes en postura, respiración, pronunciación y otros aspectos. Empiece por aprender a utilizar la respiración correcta y a cantar suavemente. Durante el proceso de cantar suavemente, permítales prestar total atención a la precisión, el tono, el ritmo y la musicalidad de la voz, y cantar desde el corazón de manera controlada, para que puedan. Cante con facilidad, naturalidad y fluidez. Aprenda a lograr la unidad del sonido. Sobre esta base, aumente gradualmente el volumen mientras los entrena a usar la respiración correctamente para cantar.
2. Perseguir la innovación y diversificación de la música infantil.
Al mismo tiempo, el desarrollo de los tiempos y los cambios en los hábitos de apreciación también están afectando silenciosamente a nuestro campus. Por lo tanto, como docente que se dedica a la educación musical infantil durante muchos años, personalmente creo que a la hora de elegir canciones infantiles para los estudiantes, debemos seguir el ritmo de los tiempos, ser valientes en la innovación y permitir la diversificación según las preferencias de los contemporáneos. niños. También es muy importante enseñar a niños con diferentes personalidades y timbres en cada clase de acuerdo con su aptitud y elegir canciones que se adapten a ellos. Manténgase al día, continúe explorando, innovando y enriqueciendo temas.
El arte del canto, como la ciencia y la cultura, también tiene muchos estilos y escuelas, cada uno de los cuales muestra sus propias fortalezas y ventajas. En el jardín del arte del canto infantil florecen hermosas flores. Hoy en día, varias escuelas están tomando forma. La teoría y la práctica prueban la propia naturaleza y superioridad científica de uno, y prueban el valor y la necesidad de la propia existencia.
3. Presta atención al entrenamiento del coro.
Al comienzo del entrenamiento, los niños no estaban acostumbrados, lo que resultó en una integración insuficiente de las voces en el coro y un efecto de armonía deficiente. Para superar esta dificultad, me entrené con estudios armónicos cortos y melodiosos. A través del entrenamiento, los estudiantes no solo pueden prestar atención a sus propias voces durante el entrenamiento, sino también aprender a escuchar los efectos armónicos de otras voces, haciendo que las voces sean más armoniosas y unificadas en base a los sonidos originales limpios y brillantes. Este enfoque ha demostrado ser efectivo y nuestro coro de niños ha ganado diversos premios a nivel nacional, provincial y municipal. Los estudiantes dijeron: "En nuestra clase de coro, no sólo dominamos el conocimiento, las habilidades, los métodos de canto y la teoría musical de la música vocal, sino que también aprendimos a apreciar, escuchar y sentir. Escuchamos el canto de los estudiantes, aprendimos sus puntos fuertes y aprovechamos compensar nuestros propios defectos; escuchar las conferencias del maestro y practicar repetidamente. Exigirse estrictamente escuchar las letras de las canciones y apreciar la concepción artística expresada en las letras; escuchar diferentes estilos de melodías y descubrir el trasfondo de las canciones; ; escuche diferentes ritmos y recuérdelos con precisión... El coro hace que todos trabajen juntos, y nuestro colectivo se vuelve más cercano gracias al coro. Es la música que conecta nuestros corazones "
4. ¡Presta atención al cultivo! de experiencia artística y calidad emocional.
La gente suele decir que la música es un arte de expresión, por lo que entre las diversas cualidades de un intérprete musical, el elemento emocional es particularmente importante. Para conmover al público y mostrar la connotación emocional de la obra, está lejos de ser suficiente implementar actividades escénicas a través de una disposición y un diseño racionales y tranquilos. Los músicos también deben movilizar sus emociones y participar en actividades escénicas. Por eso, pido a los estudiantes que "canten con emoción y corazón". Al mismo tiempo, también creo que la vida es la fuente de inspiración de toda buena música. Con la experiencia de la vida, las emociones de nuestras canciones surgirán del corazón, serán reales y conmovedoras. Por eso, en la enseñanza, a menudo pido a los estudiantes que salgan del aula. Los llevo a la orilla del mar para sentir la inmensidad de la naturaleza, a las obras de construcción para sentir el pulso del desarrollo urbano y a zonas montañosas empobrecidas para comprender los sufrimientos de sus pares. Creo que es precisamente gracias a esta experiencia que los estudiantes pueden expresar profundamente la connotación de las canciones al cantar, y pueden cantar vívida y afectuosamente sin importar qué tipo de canción sean.
En tercer lugar, utilizar las habilidades musicales y la tecnología para guiar la interpretación musical.
La interpretación musical es un acto de recreación que da vida a las obras musicales. La interpretación musical en un sentido amplio se refiere principalmente a la interpretación musical de estudiantes normales de escuela. Los nuevos estándares del plan de estudios de música establecen requisitos claros para el desempeño de los estudiantes en diversas áreas y se asignan específicamente a cada clase. Por ejemplo: Campo de canto en actuación
Estándar 1 ~ Nivel 2
Participar en diversas actividades de canto.
Conoce la postura correcta para cantar. Capacidad de respuesta a los movimientos del director y preludios.
Capacidad para cantar solo o participar en coros con voz natural y expresión según ritmo y melodía.
Puedes utilizar diferente intensidad y velocidad para expresar el estado de ánimo de la canción.
Capaz de memorizar de 4 a 6 canciones por curso escolar.
Estándar Grados 3 a 6
Dispuesto a participar en diversas actividades de canto.
Conocer la postura de canto y el método de respiración correctos, y poco a poco dominarlos y aplicarlos en la práctica del canto. Capacidad para responder adecuadamente a los movimientos y preludios del director.
Capacidad para cantar solo o participar en coros y estribillos con voz natural, ritmo y entonación precisos.
Ser capaz de realizar una evaluación sencilla de las habilidades de canto propias y de otras personas.
Capaz de memorizar de 4 a 6 canciones por curso escolar.
La interpretación musical es un tipo de arte escénico, que debe expresarse a través del canto vocal, la interpretación instrumental y diversos medios intencionales, incluido el director, y transmitirse a la audiencia con sonidos específicos y perceptibles, para realizar el obra musical. El famoso director de orquesta británico Henry Wood dijo una vez: "La música son notas escritas sin vida a las que hay que darles vida tocando". En las clases de música de la escuela primaria, nuestra interpretación más común es una interpretación de canto. Si se comprenden los principios de la interpretación musical, los niños sentirán la belleza de la música a través de interpretaciones musicales continuas y obtendrán edificación emocional.
Los principios de la interpretación musical son los siguientes:
1. El principio de integridad. Vista y oído interior: según este principio guiamos el aprendizaje.
Al interpretar música, debes captar la canción en su conjunto, utilizar estimulación visual y auditiva e incluso más estimulación sensorial para percibir y captar la obra en su conjunto. Domina la forma de expresión de las canciones y sus conexiones internas. En segundo lugar, se deben percibir cuidadosamente las formas de los símbolos, las marcas de expresión, los métodos de canto (tocar) y otras marcas en la partitura. Como dijo una vez el famoso compositor Tchaikovsky: "Debemos conocer el ritmo exacto de la música original de manera diligente e impecable... prestar atención a la intensidad de la interpretación, el timbre, el tiempo y las instrucciones de canto (interpretación)..."
2. El principio de inmanencia. El principio de inmanencia enfatiza los sentimientos únicos de los estudiantes sobre la música y es un proceso de filtrado para que los estudiantes transformen los materiales visuales en audición interna. Los materiales visuales que perciben los estudiantes al leer partituras musicales se transforman en audición interna a través de su imaginación musical. El cantante (intérprete) no sólo debe identificar con precisión el tono, el timbre, la intensidad, la duración y otros elementos, sino también producir el efecto interpretativo esperado en los siempre cambiantes altibajos y el flujo de la melodía en el movimiento del sonido. Este proceso debe pensarse una y otra vez. Los maestros deben enfatizar que los estudiantes escucharán gradualmente sonidos de gruesos a finos, de borrosos a claros, de flotantes a estables según su audición interna y sus "oídos del corazón", y finalmente los arreglarán y pondrán en práctica a través de la interpretación.
3. El principio de la imaginación. La experiencia emocional y la concepción artística de las obras musicales no se pueden entender sin imaginación. Piense en la música como algo vívido y concreto como una pintura, un poema, una escena, etc. Muchos de sus intérpretes musicales siempre utilizan su imaginación para revelar las connotaciones emocionales y poéticas de sus obras sobre la base de enriquecer sus propias experiencias de vida, haciendo que sus interpretaciones musicales sean vívidas y conmovedoras. Después de que el famoso pianista Fu Cong participara con éxito en el Concurso de Piano Chopin, el pianista italiano Profesor Agusti le dijo: "Sólo la civilización antigua puede darte tantos talentos. La concepción artística de Chopin es muy similar a la de China". , se deben utilizar varios canales para permitir a los estudiantes utilizar su experiencia de vida existente para expandir continuamente su acumulación de vida y sus habilidades de percepción de imágenes, y aplicarlas creativamente a las interpretaciones musicales.
4. Emoción artística: la emoción después de la experiencia interna debe ser procesada por el mecanismo explícito para convertirse en la emoción estética en la música. Prestar atención a: concentración, relajación física y mental, ajuste psicológico, etc.
En resumen, en el proceso de aprendizaje de la interpretación musical, la comprensión general de las obras musicales, la exploración en profundidad de los significados internos y la exteriorización de las experiencias internas no pueden aislarse ni complementarse entre sí. La interpretación musical y las habilidades musicales se entrelazan para formar un movimiento integral coordinado en espiral.
En cuarto lugar, para la enseñanza del canto en la escuela primaria, podemos extraer de la discusión anterior:
1. Hay emoción y sonido, y la emoción plena tiene sonido.
Es difícil cantar una buena canción sin ciertas habilidades de canto, entonces, ¿puedes cantar una canción con buen sonido y buenas habilidades? Los excelentes cantantes pueden expresar plenamente las "emociones" de alegría, ira, tristeza y alegría en las canciones, logrando el efecto de "largo regusto" después de cantar una canción. Sin grandes logros artísticos, una profunda comprensión de la vida y la música, profundos logros artísticos y altas habilidades para el canto, es imposible tocar la fibra sensible del público y dejar una profunda impresión en la gente a través de una hermosa voz con ricos colores, estilo único y pleno. de emoción. El método de canto ideal es "tanto la voz como la emoción". Excelentes habilidades interpretativas y una perfecta expresión artística son dos aspectos que se complementan en la interpretación musical.
La expresión con sólo sonido y sin emociones reales es mecánica, sin vida y artística. Este tipo de canto pierde por completo el significado de arte vocal. Por otro lado, incluso si hay emociones profundas y ricas, no hay expresión artística de la música vocal. Sólo cuando la técnica sirve al propósito de la expresión artística y está perfectamente unificada con la expresión artística se puede reflejar verdaderamente la expresividad y el atractivo del arte vocal. Por lo tanto, "tanto la voz como la emoción" es el ámbito más elevado que persigue todo cantante.
2. Hacer bien tu trabajo y servir a los demás con el arte.
Cantar es muy hábil, pero la habilidad es sólo un medio de expresión artística. Si enfatizas ciegamente las habilidades sin una experiencia emocional adecuada y una expresión artística precisa, y solo muestras tus habilidades pero ignoras el arte, entonces solo te concentrarás en la apariencia del arte en lugar del alma del arte. Por supuesto, la falta de habilidades técnicas no lo permitirá. cantantes para crear Con respecto al segundo grado del arte, creo que la frase "Sin técnica, sin sorpresa, sin crueldad, sin emoción, sin drama, sin convicción" es de gran importancia para cómo expresar el contenido y la emoción de una obra en el canto. actuación artística. "Nada es sorprendente" significa que si la actuación no tiene excelentes habilidades, no traerá un sentido estético sorprendente al público. "Sé despiadado e inamovible" significa que si un actor carece de emociones sinceras al actuar, no importa cuán asombrosas sean sus habilidades, no podrá contagiar las emociones del público. "Personas sin disfraces" se refiere a las habilidades o experiencia emocional del actor, que necesitan crear una imagen artística vívida para que toda la actuación pueda ser verdaderamente convincente.
4. Entrenamiento de la “Voz” y la “Emoción”
Las excelentes habilidades y la perfecta expresión artística son dos partes importantes del canto. ¿Cómo se puede lograr la mejor combinación de técnica y rendimiento? ¿Cómo podemos conseguir "voz y emoción" cantando juntos?
1. Debemos aprender a componer canciones. Comprender el estilo, la motivación creativa, las técnicas creativas, el contenido ideológico, la expresión emocional, el clímax de la letra y la música de la obra, incluso cuando la melodía tiene características distintivas y cuando es difícil prestar especial atención, para comprender plenamente la obra.
2. Mejorar continuamente la alfabetización cultural y comprender profundamente el contenido y las emociones de las obras de cada cantante. Además de dominar al máximo los conocimientos profesionales de la música, los estudiantes también deben aprender más sobre la vida y prestar atención a los sentimientos de las personas que los rodean, para enriquecer su experiencia y ampliar sus conocimientos. Los maestros deben guiar a los estudiantes para que comprendan y acepten bien a los demás, para que aprecien diferentes emociones y emociones como la alegría, la tristeza, la despedida, el anhelo, la emoción, el ocio y la audacia, y para que se sientan verdaderamente conmovidos. Una persona insensible nunca podrá aprender bien el arte, y una persona que es indiferente a la "belleza" y que no se emociona ni se conmueve fácilmente no podrá cantar bien.
3. Con base en los dos aspectos anteriores, utilice habilidades vocales dominadas y métodos de canto apropiados para cantar los efectos de sonido requeridos por el contenido de la canción, expresar adecuadamente las emociones del trabajo e impresionar profundamente el trabajo. .
Obtuve una comprensión general de la educación musical estadounidense a través de "China Education News". El nivel de interpretación musical de los estudiantes estadounidenses de primaria y secundaria es envidiable. Los niños de los grados inferiores de las escuelas primarias pueden cantar muy bien las dos canciones porque sus habilidades para el canto se "cantan" en clase. Este resultado no es casualidad. Han creado especialmente cursos de habilidades como coro y banda en su plan de estudios. Los estudiantes están más interesados en estos dos cursos, pero en la enseñanza, los profesores no solo entrenan habilidades, sino que también permiten que los estudiantes dominen los conocimientos y habilidades necesarios en conciertos y actividades de actuación, y les brindan tantas oportunidades de actuar como sea posible. Los estudiantes están interesados, los profesores aprenden de sus intereses y les dan a los estudiantes ciertas oportunidades para desempeñarse. No es de extrañar que interpreten tan bien las canciones.
La enseñanza de música en las aulas de escuelas primarias y secundarias de Estados Unidos no presta atención al diseño didáctico. Los profesores de música se centran en brindar a los estudiantes oportunidades para expresar, crear y disfrutar la música. Los conocimientos y habilidades que brindan a los estudiantes sirven primero para las actividades de práctica musical de los estudiantes en las clases de música. No tienen tantas reglas y regulaciones, pero toman el amor de los estudiantes como el estándar más alto. Su clase de música es una sala de karaoke para los estudiantes y un escenario para que los niños sean "superchicas" y "chicos rápidos". Sus clases de música brindan a los estudiantes la sensación más profunda de relajación, libertad y felicidad. En última instancia, los estudiantes dominan completamente las técnicas musicales, pueden expresarse libremente y sentir realmente el encanto y la diversión de la interpretación musical.