En primer lugar, la "descentralización" ha supuesto la diversificación de los modelos de educación musical.
Estados Unidos es un país con un poder administrativo educativo muy descentralizado. Tiene 50 estados y debajo están los condados. En cuanto al sistema educativo, existen distritos escolares por debajo del nivel estatal. Hay más de 600 distritos universitarios (más de 10.000 estudiantes de primaria y secundaria), más de 3.000 distritos de escuelas intermedias (de 2.500 a 10.000 estudiantes de primaria y secundaria) y más de 12.000 distritos de escuelas primarias (menos de 2.500 estudiantes de primaria y secundaria) en todo el país. La autoridad educativa del distrito escolar es la Junta de Educación, que es responsable de formular políticas educativas y planes de enseñanza (incluido el plan de estudios de diversas materias).
El Departamento Federal de Educación de EE. UU. no tiene regulaciones unificadas sobre los planes de enseñanza, el programa de estudios y los materiales didácticos de cada estado. Cada estado puede desarrollar sus propios planes y esquemas de enseñanza, pero dichos planes y esquemas no son aproximados. Solo son una guía para cada distrito escolar y no son obligatorios. Sólo los distritos escolares son verdaderas entidades educativas. El Dr. Howard Gardner, un conocido psicólogo del desarrollo infantil de la Universidad de Harvard, escribió en el artículo "Diferencias en la educación artística entre China y los Estados Unidos": "La educación altamente descentralizada en los Estados Unidos contrasta marcadamente con esto (China ). descentralizado, además de ser multiétnico y multicultural, los modelos educativos en las escuelas primarias y secundarias están diversificados, y los modelos de educación musical están naturalmente diversificados
Entre los muchos modelos de educación musical en. En las escuelas estadounidenses, predominan los siguientes: método de enseñanza Orff, método de enseñanza Kodaly, método de enseñanza Dalcross y método de enseñanza integral de la musicalidad. Estos métodos de enseñanza tienen sus propios encantos únicos y se complementan entre sí, lo que hace que la educación musical se imparta en primaria y secundaria. escuelas en los Estados Unidos El jardín presenta una escena colorida y vibrante. Aunque la mayoría de los modelos de educación musical mencionados anteriormente son extranjeros, durante mucho tiempo han sido compatibles con el sistema de educación musical estadounidense y han sido absorbidos por él porque están estrechamente integrados con la realidad. Deberíamos considerarlos como una parte integral del sistema de educación musical estadounidense.
En segundo lugar, la “creación” se ha convertido en el tema de varios modelos. > A primera vista, existen muchos modelos de educación musical en las escuelas primarias y secundarias estadounidenses. Es posible que sientan que el programa de estudios de música es diferente en más de 16.000 campus y que los materiales y métodos de enseñanza utilizados por diferentes profesores en la misma escuela son diferentes. También es inconsistente en este caos superficial, no es difícil ver su orden interno. En estos diversos modelos de enseñanza, efectivamente existe tal tema: la creación.
Creemos que la música con el tema de la creación es. El modelo educativo debe ser un modelo que anime a los niños a explorar e innovar activamente en el proceso de aprendizaje musical, en lugar de un modelo que requiera que los niños imiten pasivamente. A continuación, el autor hará un breve análisis de varios modelos y temas creativos. Educación musical estadounidense contemporánea.
1. Método de enseñanza y creación de Orff
El método de educación musical infantil de Karl Orff es un método experimental que enfatiza el entrenamiento del pensamiento creativo. su propia música a través del ritmo. Los niños adquieren algo de vocabulario musical a través de una serie de actividades interpretativas en profundidad: hablar, moverse, cantar, tocar y tocar. Este método de enseñanza no requiere que se les enseñe a cantar y tocar música rápidamente. Requiere que los estudiantes estén expuestos a la práctica musical. Orff cree que si los estudiantes pueden cantar y tocar, primero deben amar la música e integrar sus propias ideas en la música, no es necesario que los estudiantes imiten completamente las canciones o bailes que les enseña el maestro. actividades creativas con profesores y estudiantes para formar algo nuevo.
Una clase de Orff exitosa a menudo brinda a las personas una sensación mágica.
Puede crear una ilusión para los estudiantes, es decir, parece fácil sentir la música y se produce instantáneamente una sensación maravillosa durante la interpretación relajada y agradable. Los participantes (estudiantes) pueden crear su propia música incluso sin mucha habilidad o formación teórica. Durante el proceso de formación del método de enseñanza Orff, los niños pueden experimentar el sentido de conjunto que normalmente sólo pueden tener los músicos profesionales. En definitiva, el propósito más importante del método de enseñanza Orff es cultivar la creatividad de los niños a través de actividades musicales y música elemental.
Después de que este método de enseñanza fuera introducido en los Estados Unidos desde Alemania, fue bien recibido por la comunidad educativa musical estadounidense. Combinaron este método de enseñanza con la realidad estadounidense y agregaron algunos instrumentos populares estadounidenses y africanos a los instrumentos Orff inherentes. En la enseñanza, no sólo se adhirieron a los principios espirituales del método de enseñanza de Orff, sino que también localizaron este método de enseñanza, convirtiéndolo en un método importante en la enseñanza de música en las escuelas primarias y secundarias de los Estados Unidos. 2. Métodos de enseñanza y creación de Kodály
El pensamiento de educación musical de Kodály es principalmente un pensamiento de educación musical nacional y universal. Espera mejorar la calidad de los ciudadanos húngaros a través de la educación musical y aboga por que los niños puedan utilizar la música para expresar su creatividad y enriquecer sus vidas. Los principales objetivos del método de enseñanza Kodaly son: (1) Cultivar el nivel cultural de la música: la capacidad de pensar, leer, escribir y crear en el lenguaje musical tradicional.
(2) Utilice el patrimonio musical nacional de su propio país para brindar a los estudiantes un sentido de identidad cultural y aprender más sobre otras nacionalidades y culturas a través de su propio conocimiento musical nacional.
(3) Mejorar las capacidades interpretativas de todos los estudiantes -cantando en clases, coros, participando en orquestas y orquestas- y participando en actividades musicales grupales como una forma de enriquecer sus vidas.
(4) Que las grandes obras musicales del mundo se conviertan en riqueza para los estudiantes.
Para lograr los objetivos anteriores, Kodaly enfatizó que cada lección debe centrarse en varios objetivos musicales diferentes, tales como: cantar al unísono y cantar en partes; leer y escribir partituras musicales, practicar el oído, la audición interna; y habilidades de memoria; identificar y utilizar formas musicales; moverse con la música; obviamente, la improvisación es la etapa más alta de este método de enseñanza y uno de los elementos más importantes.
Después de que los métodos de enseñanza de Kodaly se introdujeron en los Estados Unidos, fueron adoptados por algunos educadores musicales estadounidenses, entre ellos T. Bachman, L. Choksi, M. H. Richards y D. Bacon.
El Dr. Bachman combina los métodos de enseñanza de Kodaly con las prácticas de educación musical estadounidenses. Cuando presenta la notación a los niños, utiliza notación de una sola línea e introduce otras líneas cuando es necesario. Separó el ritmo de la melodía, enfatizando aún más el ritmo haciendo que los estudiantes lo aprendieran y lo usaran (esto llevó a la combinación de los métodos Kodály y Orff). Concede gran importancia al desarrollo de la memoria musical de los niños mediante el dictado, especialmente a la enseñanza de la composición musical. Él cree que "si los niños están familiarizados con la escritura musical, podrán dominar mejor el canto musical según las partituras musicales". "
Para utilizar el método de enseñanza de Kodály para cultivar eficazmente la creatividad de los estudiantes en la enseñanza del canto, los estadounidenses también conceden gran importancia al uso de espirituales negros, una forma de canto muy improvisada, para permitir que la creatividad musical de los estudiantes sea mejor desarrollado.
Al igual que el método de enseñanza de Orff, el método de enseñanza de Kodaly se ha convertido en un método importante de educación musical en las escuelas primarias y secundarias estadounidenses. Los estadounidenses también los han combinado para formar un nuevo método de enseñanza de Kodály-Orff. , este método de enseñanza se centra en cultivar la capacidad de pensamiento creativo de los niños. Como dijo Michael L. Mark (Michael L. Mark), "Estos dos métodos se complementan y permiten a los niños aprender música de manera más efectiva. Sea creativo y más racional.
3. Creación y método de enseñanza de Dalcroze
El método de enseñanza de Emile Jaques-Dalcroze se ha introducido en los Estados Unidos desde hace mucho tiempo y sigue siendo muy popular en los Estados Unidos. Este es un método de enseñanza diseñado para desarrollar las habilidades musicales y la creatividad de los niños. Aunque la gente suele pensar que el ritmo corporal es parte del método de enseñanza de Darkross, en realidad es sólo uno de sus tres componentes. Otros dos aspectos de esta pedagogía son el canto visual y el entrenamiento del oído y la improvisación.
En la clase de ritmo corporal, los alumnos consideran el cuerpo como un "instrumento". El profesor (y a veces los estudiantes) improvisan en el piano mientras la música se mueve libremente. Los estudiantes caminan, corren y saltan para crear sus propios movimientos que corresponden a la música que escuchan. Cada uno interpreta la música que escucha de forma diferente y actúa en consecuencia. Esto maximiza el desarrollo del pensamiento creativo de los estudiantes.
Las clases de canto visual y entrenamiento del oído requieren que los estudiantes canten intervalos y canciones, especialmente improvisaciones vocales. Este tipo de clases de canto visual y entrenamiento del oído que desarrollan el pensamiento creativo de los estudiantes es muy diferente de las clases profesionales tradicionales de canto visual y entrenamiento del oído.
La improvisación se realiza principalmente en un piano de cola u otro instrumento. El propósito es ayudar a los estudiantes a desarrollar respuestas libres a la música durante la interpretación, y los estudiantes pueden practicar la improvisación a cualquier velocidad.
Dalcross incluso utilizó este enfoque de improvisación en sus clases teóricas. Pidió a los estudiantes que improvisaran melodías o fragmentos melódicos como parte del desarrollo de su comprensión de los intervalos y les ayudara a familiarizarse con la armonía.
Con todo esto, queda muy clara la finalidad del método de enseñanza Dalcross de cultivar el pensamiento creativo de los niños. Por lo tanto, desde que este método se introdujo en los Estados Unidos desde Suiza alrededor de 1915, sigue siendo popular en las escuelas primarias y secundarias de los Estados Unidos, y se ha desarrollado y multiplicado aún más en los Estados Unidos, formando un modelo de educación musical al estilo estadounidense. .
4. Método de enseñanza y creación de la musicalidad integral
El método de enseñanza de la musicalidad integral es un método de enseñanza que verdaderamente se originó en Estados Unidos. Este curso se basa en el "Programa de formación de calidad en espiral" del famoso programa de estudios de música de Manhattan. Originalmente un curso de aprendizaje musical profesional (que incluye capacitación de calidad en siete aspectos del tono, ritmo, melodía, armonía, forma, tonalidad y estructura de la música). El tono, el timbre y la dinámica están incluidos en la música). Posteriormente, se amplió al campo de la educación musical no profesional y se constató que el efecto docente era mejor en la educación musical primaria y secundaria. Debido a que este método de enseñanza se centra en cultivar la capacidad de pensamiento creativo de los estudiantes, los estadounidenses lo llaman directamente "el método de enseñanza para explorar la creatividad". Los contenidos básicos del método de enseñanza musical integral son los siguientes: (1) Enseñar ideas. Cambiar por completo el método de enseñanza tradicional que se centra en impartir conocimientos y entrenar habilidades, y desarrollar el pensamiento creativo de las personas mediante el cultivo consciente de la musicalidad para adaptarse a la nueva ola de la revolución industrial. (2) Contenidos didácticos. Conocimientos integrales de historia y solfeo para una formación de calidad (cinco aspectos de la calidad, dieciséis ciclos). (3) Métodos de enseñanza. Con los estudiantes como centro, los profesores son solo guías que exploran la creatividad potencial de los estudiantes, ayudándolos a generar el deseo de crear y lograr resultados creativos. (4) Estructura del aula. Exploración libre, exploración guiada, improvisación, improvisación planificada y consolidación de conceptos (cinco enlaces). (5) Cambie "Quiero aprender" por "Quiero aprender". Feidi Paper Products Network
Las actividades didácticas del método integral de enseñanza de la musicalidad se centran en seis aspectos: (1) La audición es la base de una formación de calidad y una herramienta de exploración, que permite a los estudiantes sentir el significado y la diversión de exploración. (2) Actuación: dar rienda suelta a las opiniones independientes y la creación artística de los estudiantes, sin forzar la unidad final. (3) Mando: la respuesta integral de diversas cualidades no puede permitir que ningún estudiante pierda la oportunidad de mandar. Mientras puedas expresar la música, no busques habilidades de dirección. (4) Creación - improvisación e improvisación planificada. Los trabajos no están restringidos por ningún procedimiento y se aprovecha plenamente la libre innovación de los estudiantes. (5) y (6) Evaluación, análisis y comentarios: registrar y registrar los descubrimientos, creaciones y actuaciones de los estudiantes en cualquier momento, presentarlos a los estudiantes de manera oportuna, organizar el análisis y la evaluación, mejorar la capacidad estética, desarrollar la capacidad de pensamiento, ampliar y ampliar los conocimientos aprendidos. Resumen y síntesis.
Las actividades anteriores pueden alentar a los estudiantes a emitir sus propios juicios sobre la comprensión y el conocimiento integral de la música y a participar activamente en el proceso de creación musical, de modo que los estudiantes puedan adquirir la capacidad y la experiencia del análisis y la creación musical. . El método integral de enseñanza de la musicalidad se ha convertido en uno de los modelos importantes de educación musical en las escuelas primarias y secundarias de los Estados Unidos y juega un papel importante en el cultivo y mejora de la calidad de los ciudadanos estadounidenses.
Además de los métodos de enseñanza anteriores, el método de enseñanza Karabo-Cohen, el método de educación para superdotados de Suzuki y los métodos de enseñanza de música popular (principalmente enseñanza de música jazz) también se utilizan en la enseñanza de música en las escuelas primarias y secundarias estadounidenses. .
No importa qué modelo de método de enseñanza musical sea, el tema de la "creación" lo atraviesa. Aquí también me gustaría mencionar los métodos de enseñanza del jazz.
El jazz es la destacada contribución de los Estados Unidos a la cultura musical mundial y debería considerarse la verdadera música nacional estadounidense. Desde la década de 1940, la naturaleza del jazz ha comenzado a cambiar. Pasa de la música de entretenimiento ordinaria a la música intelectual, es decir, el intérprete persigue la improvisación subjetiva. La melodía, el ritmo y la armonía utilizados en este nuevo tipo de música jazz son muy diferentes de la música pop, lo que marca el renacimiento de la música jazz y el comienzo de la despedida de la música pop. Al mismo tiempo, también me despedí de la mayoría de los oyentes comunes originales. El contenido proviene de Fangdizhi.com
Cuando la música jazz ha pasado de la vulgaridad a la elegancia y su interpretación está en su punto más bajo, a los educadores les ha gustado la gran ventaja de que su improvisación puede cultivar el pensamiento creativo de los estudiantes. Y gradualmente se fue incorporando al plan de estudios de música y la música jazz revivió en el campus.
En 1968, se estableció la Asociación Nacional de Educadores de Música de Tujie, que se considera la implementación del espíritu de la famosa conferencia nacional de educación musical: la Conferencia Tanglewood (el espíritu de la educación creativa). La asociación escribe en sus objetivos: "Promover la aplicación de los principios del jazz en una variedad de materiales y métodos de enseñanza; fomentar y fomentar la sugerencia y adopción de cursos de composición, arreglos e improvisación contemporáneos, se puede ver que aunque". El desarrollo de la enseñanza de la música jazz aún no ha formado un modelo completo, pero se ha fomentado que sus principios se apliquen a toda la enseñanza musical, y este principio es el principio de la creatividad.
3. El origen de las ideas educativas innovadoras en la disciplina musical
1. El impacto del espíritu pionero occidental en las ideas educativas creativas de las generaciones posteriores. provienen de sus antepasados El espíritu pionero en Occidente. Cuando Colón llegó al Nuevo Mundo de América a principios de 1492, todavía era una tierra desolada. Pero hoy, más de 500 años después, Estados Unidos se ha convertido en la potencia económica capitalista más desarrollada del mundo. Lanzamientos de satélites, naves espaciales a la luna y autopistas de la información. Internet está extendido por todo el país e incluso por el mundo... Al ver esto, la gente tiene que pensar en su tesoro espiritual nacional: el desarrollo y la creación. A lo largo de los años, el espíritu pionero de los inmigrantes, especialmente el espíritu pionero de Occidente, ha sido considerado un orgullo de la historia y un símbolo del progreso estadounidense en Estados Unidos. Día tras día, año tras año, este espíritu creativo fue formando gradualmente la tradición estadounidense, que también se puede decir que es el espíritu nacional estadounidense. Este espíritu se refleja plenamente en su educación y, naturalmente, la disciplina musical se verá afectada por ello.
2. El shock causado por "Spartacus 1"
Después de la Segunda Guerra Mundial, la educación escolar estadounidense entró en un cierto malentendido, y su propósito educativo se limitó en gran medida a mejorar el nivel de vida de los niños. el nivel inferior. En ese momento, el nivel de la educación básica decayó y la educación artística no recibió la atención que merecía. En 1957, la Unión Soviética lanzó con éxito el primer satélite artificial del mundo, el Spartak 1, lo que conmocionó al gobierno estadounidense y a los partidos de oposición. Los estadounidenses se dieron cuenta de que la Unión Soviética había superado a los Estados Unidos en tecnología espacial. “Por lo tanto, la necesidad de mejorar la educación ya no se basa en la exigencia de mejorar los niveles de vida, sino en la lucha por la supervivencia nacional. Creen: “Durante la gran era de los récords rusos, el sistema educativo se estableció para cultivar un grupo de personas”. necesidades de sus gobernantes, hombres y mujeres que han alcanzado la cima de la tecnología…”. También vieron que la Unión Soviética concedía gran importancia a la educación básica y a materias que pudieran cultivar el pensamiento creativo de la gente, como la música. De esta manera, los estadounidenses centraron sus investigaciones en el sistema educativo y profundizaron en el campo de la educación artística. Se dieron cuenta: "Para convertirnos en el país tecnológicamente más avanzado del mundo y cultivar un gran número de talentos de alto nivel, debemos prestar atención a la educación artística, porque la educación artística puede desarrollar al máximo la imaginación y la creatividad de los estudiantes. ."
Por lo tanto, el gobierno federal comenzó a prestar atención a la educación básica, especialmente a la educación artística. De 1943 a 1959, con el apoyo de la Academia de Ciencias, el Departamento Federal de Educación, la Fuerza Aérea y la Corporación Rand, y bajo los auspicios del Comité de Educación de la Academia Nacional de Ciencias, se celebró la famosa Conferencia de Woods Hole. celebrada en Massachusetts. Este fue un hito en la historia de la educación estadounidense. El objetivo de esta reunión fue discutir los problemas de la educación científica y presentar algunas sugerencias para resolverlos, incluida la concesión de importancia a la educación artística.
Ese mismo año, la Asociación Estadounidense de Administradores Escolares (AASA) emitió una declaración sobre el abandono de la educación artística: “Promovemos un plan de estudios equilibrado en el que se incluyan la música, la interpretación, la pintura, la poesía, la escultura y la arquitectura debe integrarse con otras materias importantes que van de la mano, como las matemáticas, la historia y las ciencias..."
El Grupo de Trabajo de Investigación y Desarrollo en Educación, compuesto por científicos estadounidenses, es un grupo asesor de expertos al gobierno federal. Propusieron la idea de que existe una conexión entre la excelencia de los logros científicos y la amplitud de la experiencia humana individual. Los mejores científicos no son necesariamente aquellos que se centran únicamente en su propia experiencia.
La gente, hasta cierto punto, está familiarizada con el arte y las humanidades, lo que agudizará la capacidad de observación de un buen científico. El éxito de Einstein se considera un ejemplo clásico. Conocido como el "Copérnico y Newton del siglo XX", este gran científico también fue músico. Creía que su éxito en la ciencia era inseparable de la música. Dijo: "En el pensamiento científico, siempre hay un factor musical. La ciencia real y la música real requieren el mismo proceso de pensamiento". Por lo tanto, la idea de que la música conduce a cultivar el pensamiento creativo de las personas ha ganado el apoyo de la gente en los Estados Unidos. .
Los participantes en el Simposio de Educación Musical de Yale celebrado en la Universidad de Yale del junio al 28 de junio de 2018 coincidieron en que es muy necesario estimular la creatividad musical individual y la independencia en la educación musical. y enfatiza la creatividad como una forma de desarrollar habilidades musicales. Por lo tanto, se ha confirmado aún más la opinión de que la educación musical debería centrarse en cultivar el pensamiento creativo de las personas.
La Conferencia de Tanglewood, celebrada en Massachusetts del 23 de julio al 2 de agosto de 1967, supuso un hito en la historia de la educación musical estadounidense. El propósito de la conferencia es discutir y aclarar el papel de la educación musical en los Estados Unidos contemporáneos mientras enfrenta rápidos cambios sociales, económicos y culturales. Al mismo tiempo, los participantes también presentaron sugerencias para mejorar la eficiencia de la educación musical.
Creen que la enseñanza y la experiencia musical se desarrollan en entornos diferentes. Para que la educación musical creativa tenga éxito, las instalaciones y los métodos de enseñanza deben cumplir con los requisitos específicos de la educación y no deben ser restrictivos. Los profesores deben tener suficiente imaginación y estar dispuestos a hacer que la enseñanza sea siempre nueva. La reunión también destacó: "La formación inicial y continua de los docentes debe hacer hincapié en la creatividad". Esto una vez más enfatizó el tema creativo en la educación musical y alentó a los docentes a ser innovadores y eclécticos en los métodos de enseñanza. El vuelo de "Spartacus One" hizo que los estadounidenses fueran tan conscientes de la relación entre la educación musical y el rejuvenecimiento del país a través de la ciencia y la tecnología que le dieron gran importancia y formaron el tema creativo de la educación musical.
En cuarto lugar, la inspiración de la educación musical estadounidense en la educación musical china
Una variedad de modelos de educación musical con temas creativos conducen a cultivar y mejorar la calidad de los ciudadanos estadounidenses y desarrollar plenamente la capacidad de las personas. Habilidades La capacidad de pensamiento creativo se adapta a la realidad de diversas regiones y grupos étnicos en un país multiétnico como Estados Unidos. Al mismo tiempo, también inspira la educación musical nacional de mi país.
Inspiración 1: El propósito de la educación musical de Super Music debe ser claro.
En Estados Unidos, el propósito de la educación musical en las escuelas ordinarias no es cultivar músicos, sino cultivar y mejorar la calidad de los ciudadanos, y lo más importante es cultivar la creatividad de las personas, que es la Necesitamos construir un país moderno y poderoso a lo largo del siglo. Como dijo el famoso compositor y educador estadounidense Dr. Herbert Sipper: "Aprender música no es sólo para el arte y el entretenimiento, sino para entrenar la mente y desarrollar el cuerpo y la mente. En este sentido, la música es muy importante".