El desarrollo de la música polifónica
La música polifónica se originó en Europa Occidental alrededor del siglo IX. Su desarrollo es el siguiente:
La música polifónica del siglo IX al XIII. siglos La música polifónica de la época pasó por tres etapas: ① El organon nació en el siglo IX. Utilizaba el canto gregoriano como melodía fija y añadía nuevas voces debajo para formar cuartas y quintas paralelas. mismo grado, se separó gradualmente a cuatro grados y finalmente regresó al mismo grado. Esta es la forma más antigua de polifonía. ②Disco Cantus nació en el siglo XII. Todavía tiene el canto gregoriano como melodía fija, al que se le ha añadido una nueva voz. La distancia entre ellos es de una octava o una quinta y el sonido se invierte. ③ Fobl East nació en el siglo XIII, lo que significa falso bajo, porque al cantar, el bajo es en realidad ocho octavas más alto. Todavía tiene el canto gregoriano como melodía fija y el número de nuevas voces añadidas suele ser dos. Se utilizan quintas y octavas al principio y al final, y terceras y sextas en el medio. Los efectos de sonido son más ricos que los dos anteriores, lo que supone una valiosa mejora en la escritura polifónica. No hay puntuaciones especiales para las tres formas anteriores. El cantante sólo necesita memorizar los cantos gregorianos y añadir nuevos sonidos según sea necesario.
Música polifónica en los siglos XIV y XV
En el siglo XIV, la gente ya no estaba satisfecha con las primeras formas de música polifónica. Los nuevos desarrollos se estaban tomando libertades con la adición de melodías al canto gregoriano, o fijando melodías y nuevas melodías como composiciones libres, rompiendo así con las prácticas rígidas del pasado. Para que el cantante cante con precisión la nueva melodía, se requiere una notación musical especial. El término contrapunto apareció durante este período para referirse a la técnica de escritura de la música polifónica. El significado original de contrapunto es nota a nota, es decir, la combinación de varias melodías. En estas combinaciones predomina la armonía y se niega la disonancia desde el principio. No fue hasta el siglo XV que se comprendió gradualmente el valor de la disonancia y la polifonía se consideró una combinación musical artística, y uno debía esforzarse por ser rico en variedad en la escritura. Como cambios de ritmo, procesamiento de síncopas y el uso de la imitación, llevando así el arte polifónico a una nueva etapa.
La música polifónica en los siglos XV al XVI
La segunda mitad del siglo XV al XVI fue la época dorada de la música polifónica, especialmente el canto a capella representado por G.P. Durante este período la polifonía alcanzó su apogeo. Durante este período, la gente daba gran importancia a las letras, que en gran medida sentaban las bases rítmicas de la música; al mismo tiempo, se adoptaron muchas combinaciones tímbricas ricas y variadas para evitar el efecto hueco de quinta octava en el proceso de sonido; Se determinaron principios de uso. En general, el equilibrio de las partes y la armonía de la relación entre las partes eran las características del estilo de música polifónica de aquella época.
La música polifónica en el siglo XVII ~ la primera mitad del siglo XVIII
Después del siglo XVI, la música polifónica se volvió cada vez más perfecta en estructura y técnicas técnicas, creando una base para el surgimiento y Desarrollo de las condiciones de polifonía instrumental. En el siglo XVIII, J.S. Bach adoptó en sus obras un método de creación basado en la armonía, que no sólo requería la independencia de las líneas horizontales, sino que también prestaba atención a la relación armónica de las líneas verticales.
Bach concedía gran importancia al procesamiento de los armónicos, lo que provocaba la inconsistencia entre el ritmo de la melodía y el ritmo armónico, potenciando el efecto de contrapunto. La contribución de Bach al desarrollo de la fuga fue aún más destacada, y los compositores posteriores consideraron sus obras como un modelo de técnica musical polifónica.
Música polifónica de la segunda mitad del siglo XVIII al siglo XIX
Desde la segunda mitad del siglo XVIII, la música temática ha dominado y el contrapunto ha estado restringido por la armonía. El estilo de escritura cambia de texturas de líneas de ritmo libre a una combinación de armonías y frases melódicas inspiradoras. Las técnicas polifónicas están estrechamente integradas con las formas de la música melódica, especialmente en la música en forma de sonata. La fuga y los pasajes de fuga se han convertido en un medio eficaz para que los compositores clásicos y románticos desarrollen temas e ideas musicales en sus creaciones. Especialmente después de que F. Mendelssohn reviviera la "Pasión por Mateo" de Bach, muchos compositores románticos destacados también intentaron imitar las técnicas de escritura polifónica de Bach. Brahms utilizó conscientemente el contrapunto al estilo de Bach en su creación, con la esperanza de volver a la música de los siglos XVI y XVII. Esto lo demostró en sus obras posteriores. Amaba el canon incluso más que la fuga. En el período romántico tardío, debido al uso extensivo de cuerdas rotas, las líneas melódicas se volvieron armoniosas, haciendo que el contrapunto fuera cada vez más armonioso, e incluso se convirtió en una decoración para descomponer la armonía. Por un lado, R. Wagner enfatizó diversas técnicas de acordes disonantes y cambios de semitono en el uso del contrapunto. Por otro lado, al igual que W. A. Mozart, también utilizó una combinación de varios temas, como por ejemplo la "Recreación de la Obertura". de "Los cantantes de Nuremberg". En definitiva, en el romanticismo tardío la polifonía ocupaba un lugar secundario, pero seguía siendo un medio de expresión indispensable en la creación.
La polifonía en el siglo XX
El estilo de las obras de los compositores del siglo XX ha cambiado mucho respecto al siglo anterior. La complejidad de la tonalidad, el modo y la estructura de los acordes reemplazó las técnicas fonéticas naturales básicas anteriores. Después de 1910, muchos compositores quisieron utilizar los 12 tonos de la escala cromática de forma completa y libre, algunos con un centro tonal, como P. hindemith, y otros con un centro tonal negativo, como Schoenberg; algunos utilizaron combinaciones bitonales y politonales; , como Mi Yue. La bitonalidad o politonalidad, debido a la diferente tonalidad de varias melodías, tiene un grado considerable de independencia, potenciando así el efecto del contrapunto. El efecto de la música atonal se basa principalmente en la organización de los motivos, lo que pone la línea melódica en una posición destacada y deja que la armonía pase a un segundo plano. El término moderno contrapunto de línea se usó originalmente para describir las primeras formas musicales polifónicas, pero ahora se usa a menudo para describir una estructura que no tiene nada que ver con la armonía y está compuesta de líneas melódicas entrelazadas. En comparación con el siglo XIX, la polifonía tiene ventajas en el siglo XX, pero no en el sentido de la época de Palestrina o Bach. En cuanto a las técnicas de escritura, la melodía tiende a desarrollarse con libertad y flexibilidad. El tema a menudo se trata como un reflejo o retrógrado; en la composición contrapuntística se utiliza una combinación rítmica más compleja, que es la característica principal de la música polifónica moderna.
La polifonía como asignatura incluye contrapunto, cañón, fuga, etc. Sus métodos de escritura se pueden dividir en dos categorías: polifonía contrastiva (ver método de contrapunto) y polifonía imitativa (ver método de imitación). La música compuesta en forma de polifonía incluye música compuesta, música solista, música de cañón y fuga.