Como cuna del "arte nuevo", Francia formó dos centros poco después de su inicio: uno es la capital, París; el otro es Nancy. Entre ellos, el ámbito del diseño de París incluye mobiliario, arquitectura, interiorismo, decoración de instalaciones públicas, carteles y otros diseños gráficos, mientras que este último se centra en el diseño de mobiliario. 1889 por el ingeniero de puentes Gustav? La Torre Eiffel diseñada por Guistave Eiffel (1832-1923) es una obra de diseño clásica del movimiento Art Nouveau francés. Ubicado a orillas del Sena, este edificio monumental fue construido por el gobierno francés para mostrar los logros de la Revolución Francesa. Entre más de 700 propuestas de diseño, Eiffel adoptó audazmente un plan de diseño de estructura metálica y ganó la licitación de una sola vez. La torre tiene 328 metros de altura y está sostenida por cuatro enormes patas de soporte, en un ángulo de 75 grados con el suelo, saltando hacia el cielo azul en forma parabólica. Toda la torre * * * utiliza más de 1.500 vigas gigantes, 2,5 millones de remaches y un peso total de 8.000 toneladas. El edificio simbolizaba la civilización científica moderna y el poder mecánico, anunciando una era de acero rígido y nuevo diseño.
Durante el movimiento francés "Art Nouveau", no sólo surgieron tres organizaciones de diseño en París y el sur de Gales: Art Nouveau, Modern House y el Grupo de los Seis; Art Nouveau lleva el nombre de Samuel Bin, quien abrió un estudio y oficina de diseño llamado Art Nouveau en 22 rue de Provence en París en 1895. Modern House lleva el nombre de Julius Meier-Graefe, quien lo abrió en París en 1898. El nombre de una oficina de diseño y exposición; centro llamado Casa Moderna. El Grupo de los Seis se fundó en 1898 como un grupo de diseño informal de seis diseñadores. ¿Entre los diseñadores famosos de estas tres agencias y sus alrededores se encuentra Amy Miller? Gary (Emile Galle 1846-1904), Luis? Mayorel (1859-1926), René? rane lali qua 1860 ~ 1945)Eugène? Grasset (Eugene Grasset 1841-1917), Jules? ¿Jules Chéret, Toulouse? Toulouse-Lautrec (1864 ~ 1901) ¿Pierre? ¿Pierre Bonnard (1867-1947) y Héctor? Héctor GUI mard 1867-1942).
Emil. Gary es el fundador de la Escuela Nansi. Sus logros en el arte del diseño se reflejan principalmente en el diseño del vidrio. Explora audazmente diversas decoraciones correspondientes a materiales, formando una serie de formas suaves y asimétricas, así como decoraciones de superficies coloridas y exquisitas. Sus diseños en vidrio revelan su preferencia por los círculos, su hábil uso de las líneas y su magnífica habilidad para trabajar con motivos florales. Los patrones más utilizados son flores naturales, hojas, ramas de plantas, mariposas y otros insectos alados reflejados en la textura blanca cremosa. Además, los temas decorativos de sus muebles, al igual que sus diseños en vidrio, son principalmente plantas e insectos exóticos. Las flores florecientes y el entrelazamiento de flores y hojas constituyen la decoración superficial única de estas obras, que se caracterizan por el simbolismo. A menudo utilizó técnicas de carpintería e incrustaciones para la decoración, dando a sus muebles una elegancia refinada. Su diseño de mobiliario más famoso es la "Butterfly Bed" diseñada en 1904. El cristal y el nácar utilizados en el cuerpo y las alas de la mariposa transmiten la fina piel, mientras que el patrón blanco y negro de la madera reproduce las marcas de las alas.
¿Luis? Majore es otro representante de los Cuatro del Sur. Sus logros en diseño se reflejan principalmente en muebles y artículos de ferretería. Con Amy Miller. ¿Como Gary, Luis? El trabajo de Majore combina elementos exóticos y tradicionales, incluidos patrones de siloco, estilo japonés y formas orgánicas, así como formas y decoraciones inspiradas en la naturaleza. La estructura y decoración de sus obras exhiben un ritmo suave, con contornos redondeados y líneas inclinadas que les dan un aire escultórico. En sus diseños es muy evidente la subordinación de la función a la decoración. Debido a los destacados logros de Majorel en el diseño de muebles, tiene la reputación de ser muebles de "estilo Majorel".
René.
Los logros en diseño de Larique se reflejan principalmente en la joyería. Sus obras son la mejor evidencia del exquisito y lujoso estilo Art Nouveau francés. En su diseño de joyas, se utilizan como decoración una gran cantidad de patrones de la naturaleza, entre los cuales los patrones de plantas e insectos son los más comunes, y están procesados en formas extrañas. Además, su elección de materiales fue imaginativa, incluyendo imitaciones de piedras preciosas, oro de colores, esmalte, perlas irregulares y esquinas translúcidas. El cuerpo femenino es otro tema que a Larique le gusta utilizar en sus diseños. El cuerpo femenino de las joyas está exquisitamente tallado y es realista. Por ejemplo, en 1895, entre las exhibiciones que envió al Salón de Artistas Franceses, había una pieza de joyería de libélula particularmente encantadora. Larique decoró este broche original con un cuerpo femenino desnudo. Fue la primera pieza de joyería Art Nouveau que mostraba a una mujer desnuda y rápidamente se convirtió en objeto de imitación por parte de diseñadores de otros países europeos.
Después de Larique, Eugene logró grandes logros en el campo del diseño de joyería Art Nouveau. Grasset. Las joyas que diseña son únicas y originales, llenas de pasión, imaginación y sueños. Una de las piezas más famosas es el colgante "Sylvia". Está elaborado con motivos botánicos, esmalte sin metales y perlas de agua dulce.
Durante el período Art Nouveau, los carteles franceses y otros diseños gráficos también fueron excelentes y fueron reconocidos por la comunidad del diseño como el lugar de nacimiento de la publicidad comercial moderna. Jules, ¿el maestro de la pintura? En 1866, Shere aplicó la técnica de litografía en color que aprendió en Inglaterra a la impresión publicitaria, que se hizo muy popular y se denominó el "significado de la publicidad" moderno. Durante su vida, diseñó cientos de carteles con líneas rococó y bloques de colores brillantes.
Después de Schell, el diseño de carteles se desarrolló rápidamente y surgieron nombres famosos en gran número, entre ellos, ¿Toulouse? ¿Los colores brillantes del cartel de Lautrec, Pierre? Las letras toscas y el ritmo audaz de los carteles de Bonnaire siguen siendo impresionantes. ¿Toulouse? ¿La Jolly Queen y Jane de Lautrec? Los carteles de espectáculos de cabaret como Averell y Moulin Rouge pueden considerarse representantes de las obras gráficas del Art Nouveau. Sus carteles utilizan líneas para delinear objetos y personas, y eligen temas de la vida diaria para que la gente se sienta amigable. Lo más original es su exageración de personajes, ingeniosa disposición de palabras y personajes, fuertes contrastes, etc. ¿Dónde está Alfonso? Los carteles y carteles diseñados por Musa son conocidos como los diseñadores gráficos más destacados del Art Nouveau por sus fuertes características Art Nouveau: curvas, formas naturales, alta decoración y efectos planos. Según estadísticas incompletas, Musa diseñó cerca de un centenar de carteles a lo largo de su vida, con un estilo que mezclaba diversas influencias. Las elegantes siluetas japonesas y los bloques de colores brillantes se mezclan con la ornamentación geométrica del arte bizantino y árabe. Estos carteles revelan un estilo bizantino, caracterizado por imágenes femeninas idealizadas rodeadas de ángeles, hojas de palma y mosaicos, elevando los carteles publicitarios al nivel de obras de arte (Figura 3-9). Por ejemplo, el cartel que diseñó para "Jane Avril" en 1893 es el ejemplo más típico de este estilo.
¿En cuanto a Héctor? Las obras de Marco encarnan los mayores logros de la arquitectura Art Nouveau francesa. Su diseño más importante fue una serie de entradas al sistema de metro de París. A principios del siglo XX, el Ayuntamiento de París le encargó el diseño de la entrada del metro, con más de 100 proyectos. Estas estructuras arquitectónicas están hechas básicamente de bronce y otros metales. Dio pleno juego a las características del naturalismo e imitó la estructura de las plantas en su diseño. Los techos y balaustradas de estas entradas imitan las formas de las plantas, en particular las ramas retorcidas y las enredaderas retorcidas. El techo tiene deliberadamente la forma de una concha, ¡qué increíble! Entradas, barandillas, carteles, columnas y luces eléctricas crean una mezcla armoniosa de formas orgánicas y abstractas.
2. Bélgica
El movimiento Art Nouveau en Bélgica ocupa el segundo lugar después de Francia. Las principales organizaciones de diseño son el "Grupo de los Veinte" establecido en 1884 y la Sociedad Libre de Estética, que posteriormente pasó a llamarse. ¿Un representante importante es Víctor? ¿Víctor Horata (1867-1947) y Enrique? Vander. Henry van de Wilde (1863-1957).
Enrique. Vander. Wilde fue el diseñador, teórico del diseño y arquitecto más destacado de Bélgica de finales del siglo XIX y principios del XX. Su afirmación de la maquinaria, la teoría de los principios del diseño y su práctica del diseño lo convierten en uno de los fundadores más importantes de la historia del diseño moderno.
Fundó una escuela de artes y oficios en Weimar, Alemania, en 1906, que se convirtió en el centro original de educación en diseño moderno en Alemania y más tarde en la mundialmente famosa escuela de diseño Bauhaus. Mientras estuvo en Bélgica, Wilder trabajó en muebles, interiores, telas teñidas y diseño gráfico en el estilo "Art Nouveau". Por otro lado, como principal líder del "G20" y de la "Sociedad Liberal de Estética", lideró el movimiento de diseño Art Nouveau en Bélgica.
El movimiento Art Nouveau belga es conocido como el movimiento de vanguardia en la historia del diseño belga. Comenzó en los años 1980. En 1881, por Okta? Otav Mouss fundó "Modern Art", una publicación de arte con un fuerte sabor democrático, para promover nuevos conceptos artísticos. Bajo su organización, un grupo de jóvenes interesados en el arte y la reforma del diseño formaron un grupo de vanguardia (el Groupe des Vingt) en 1884. Organizaron una serie de exposiciones de arte para mostrar las obras de arte más vanguardistas de Europa en ese momento, lo que permitió a los belgas comprender el desarrollo del arte de vanguardia en ese momento y ponerse en contacto con los conceptos del arte moderno. El grupo de 20 eligió a Wilder como su líder. Desde 1891, cada año se celebran salones de diseño para mostrar diversos diseños de productos y diseños gráficos. En 1894, el grupo pasó a llamarse "Sociedad Estética Libre". En términos de diseños personales, los diseños de Wilder utilizaban muchas curvas, especialmente flores y enredaderas, entrelazadas en patrones intrincados. Esto se refleja más plenamente en su diseño gráfico y patronaje textil. El uso de formas lineales abstractas forma el lenguaje formal único de Wilder. Los diseños de vajillas, joyas, candelabros, teteras y otros objetos utilitarios transmiten los fuertes ritmos de su estilo Art Nouveau. Es capaz de ir más allá de la imitación directa de la naturaleza para explorar líneas abstractas vívidas, creyendo que dichas líneas son la esencia de la naturaleza. "El hilo hace fuerza" debería ser la base de la "nueva" decoración. El candelabro que diseñó en 1899 puede considerarse la encarnación de esta idea. Ilustra hábilmente la teoría de la línea del diseñador y traduce con éxito el ritmo de las líneas ramificadas en curvas dispuestas abstractas.
¿Víctor? Horta era un demócrata radical que trabajó principalmente en arquitectura y diseño de interiores. Su diseño arquitectónico tiene dos características obvias: primero, el énfasis en la decoración, con líneas de "cuerda de látigo" inspiradas en plantas naturales que se pueden ver por todas partes, y son muy prominentes en decoraciones de paredes, puertas y escaleras; segundo, la estructura de acero vista de; el edificio y las superficies de vidrio. "Tassel Building" es una de las primeras obras maestras de Horta. El diseño arquitectónico se basa en el movimiento ondulante de hojas, ramas y volutas. El interior sigue un magnífico diseño Art Nouveau. El vestíbulo y la escalera tienen vidrieras y pisos de mosaicos decorados con patrones de líneas sinuosas y en espiral que hacen eco del patrón en espiral de las balaustradas, columnas y capiteles de hierro forjado, las arcadas de cumbrera y el contorno circular de la escalera, creando un conjunto armonioso y unificado. . ¿La familia Wada es Víctor? El pináculo de la carrera de diseño de Horta y un hito en la arquitectura Art Nouveau.
4. España
¿Antonio? Antoni Gaudí (1852-1926) es el representante más importante del movimiento Art Nouveau español. Arquitecto y diseñador con un estilo único, provenía de un entorno humilde, hijo de un simple artesano. Ha padecido neumonía toda su vida y ha guardado silencio desde pequeño. Comenzó a estudiar arquitectura en Barcelona a los 17 años y sus diseños se inspiran en los numerosos libros que leía mucho. Tenía fuertes características de estilo árabe-morisco en sus primeros días, es decir, la etapa de "estilo árabe-morisco" de su carrera de diseño. En esta etapa, sus diseños no sólo eran retro, sino también eclécticos, mezclando variedad de materiales. Un diseño típico de este estilo es el Apartamento Luo Yusheng, construido entre 1883 y 1888 en Caroline, Barcelona. Este diseño utiliza una gran cantidad de azulejos vidriados para la decoración de mosaicos en las paredes. Desde la Edad Media, Gaudí ha combinado las características del estilo gótico en sus diseños, desarrollando al extremo las formas orgánicas y los estilos curvilíneos del Art Nouveau, a la vez que les confiere metáforas misteriosas y legendarias, expresando complejidad en diseños aparentemente casuales. . El diseño más innovador de Gaudí fue la Casa Batlló, cuya forma simbolizaba detalles de animales marinos. A primera vista, todo el edificio está lleno de innovación. Los marcos de piedra en forma de hueso que forman los ventanales del primer y segundo piso, los mosaicos de vidrieras que cubren toda la pared exterior y las coloridas tejas presentan una continuidad inusual y le dan al edificio una vitalidad infinita.
Las ventanas del apartamento están diseñadas para que parezcan crecer fuera de las paredes, lo que crea un extraño efecto ondulante. Posteriormente diseñó la Casa Milá, desarrollando aún más la forma de los Apartamentos de Bartolomé. La fachada del edificio se trata como una serie de líneas onduladas horizontales, permitiendo que brillen la alta verticalidad del edificio de varios pisos y las ondulaciones horizontales de la superficie. El apartamento no sólo es ondulado por fuera, sino que tampoco hay ángulos rectos en el interior, incluidos los muebles, por lo que se intenta evitar líneas rectas y superficies planas. Los arcos parabólicos que utilizó produjeron techos de diferentes alturas debido a sus diferentes luces, lo que dio como resultado un impresionante paisaje de azotea donde todo el edificio se asemeja a un helado derretido. Mira Apartments ha sido criticado por los barceloneses por su estilo extremo. Los periódicos atacaron el diseño con varios apodos, como "el rincón de un avispero".
De todos los diseños de Gaudí, el más importante hasta el día de hoy es la Sagrada Familia, que dedicó durante 43 años y no se completó hasta su muerte. La iglesia fue encargada por Gaudí en 1881 y terminada en 1884. Tardó 42 años en completarse, principalmente por falta de recursos económicos, y fue detenido varias veces. El diseño de la iglesia simula principalmente el estilo arquitectónico gótico medieval. El diseño original tenía 65.438 02 minaretes, pero sólo se completaron 4. Aunque la aguja conserva su encanto gótico, su estructura se ha vuelto mucho más sencilla. El interior y el exterior de la iglesia están llenos de esculturas de estalactitas y piezas decorativas, cubiertas con vidrios y piedras de colores, haciéndola parecer un mundo mítico. Toda la iglesia no tiene líneas rectas ni reglas claras, y está llena de una atmósfera que desafía el estilo industrializado del mundo.
¿Otro representante del "Movimiento Art Nouveau" español es Louis? Domingo. Montagny (1850-1930) siguió básicamente el ritmo de los estilos francés y belga, pero prestó más atención a la funcionalidad. El diseño representativo es la Sala de Conciertos Katara Orchid.
5. Austria
El movimiento Art Nouveau en Austria fue iniciado por los secesionistas de Viena. Se trata de un grupo de artistas, arquitectos y diseñadores de vanguardia. Fundada en 1897, anteriormente se conocía como "Asociación de Arte de Austria". Más tarde se llamaron a sí mismos "separatistas" porque hacían alarde de su separación del arte tradicional y ortodoxo, con el lema "Por el arte de la época, por la libertad del arte" (Derzeithihre Kunst-der Kunstihre Freiheit). Entre los principales representantes se encuentran: el arquitecto Otto? Otto Wagner (1841-1918), José? Hoffmann (así sephhoffmann 1970-1956), ¿Joseph? Olbrich (Sosph obl rico 1867-1908), Coroman? Moser (Koloman Moser 1868-1918) y el pintor Gustav? Gustav Klimt y otros.
Wagner fue un defensor del Art Nouveau austriaco. Se dedicó al diseño arquitectónico en sus inicios y formó sus propias teorías. Admiraba el clasicismo en sus inicios y más tarde formó gradualmente sus propios puntos de vista nuevos bajo la influencia de la tecnología industrial. Sus teorías quedaron reflejadas en el libro Arquitectura Moderna publicado en 1895. Señaló que las nuevas estructuras y los nuevos materiales conducirán inevitablemente al surgimiento de nuevas formas de diseño, y los estilos retro en el campo de la arquitectura son extremadamente absurdos. El diseño es para la gente moderna, no para el renacimiento clásico. Sus predicciones para la arquitectura futura fueron muy radicales, creyendo que la arquitectura futura sería "líneas horizontales como las populares en la antigüedad, techos planos como tableros de mesa, estructuras y materiales extremadamente simples pero poderosos". Estas vistas son muy similares a las de la arquitectura modernista posterior representada por la Bauhaus. Incluso creía que el núcleo de la arquitectura moderna es el diseño de sistemas de transporte o comunicación, porque los edificios son lugares donde los humanos viven, trabajan y se comunican, no sólo un espacio circundante vacío. La arquitectura debe tener esta consideración de diseño centrada en el intercambio, la comunicación y el transporte, con el propósito de promover la comunicación y proporcionar funciones convenientes, y la decoración también debe servir a este propósito. El apartamento nº 40 de Neustiff Guss que diseñó y construyó en 1900-1902 encarna su principio de diseño de "primero la función, después la decoración". Abandonó las curvas naturalistas sin sentido del estilo Art Nouveau y adoptó formas geométricas simples. Varias curvas logran efectos decorativos.
El edificio de apartamentos Marjorica, construido en 1899, es una de las obras maestras de Wagner. La decoración exterior de todo el edificio es muy lujosa, con ladrillos de color mayica en marcado contraste con los sencillos cuadrados verticales y horizontales. Sin embargo, sólo en sus obras posteriores se revelaron verdaderamente las características únicas del Art Nouveau vienés y se abandonó toda decoración innecesaria. Por ejemplo, los edificios de la Secesión de Viena construidos en 1897-1898 hicieron pleno uso de formas geométricas simples, especialmente cuadrados, con una pequeña cantidad de patrones vegetales en la superficie, lo que hizo que el diseño fuera muy consistente en función y decoración.
¿José? ¿Olbrich y José? Hoffmann fue alumno de Wagner y heredó las nuevas ideas arquitectónicas de Wagner. La Casa Secesionista diseñada por Olbrich para la exposición anual de los Secesionistas de Viena resumió las características esenciales de los Secesionistas con su estructura geométrica y su decoración minimalista. La alternancia de cubos y esferas constituye el tema principal del edificio, tan simple como un monumento.
En comparación con Olbrich, Hoffmann logró mayores logros en el movimiento Art Nouveau, superando incluso a su maestro Wagner. En 1903, inició el establecimiento de Wiener Werkstate, una fábrica de artesanía similar a la Morris Design Office durante el Movimiento Británico de Artes y Oficios. Mientras producía muebles, orfebrería y artículos decorativos, también publicó la revista Sacred para promover su diseño y sus ideas artísticas. A lo largo de su vida, Hoffmann logró grandes logros en diseño arquitectónico, diseño gráfico, diseño de muebles, diseño de interiores y diseño de artículos metálicos. La sencillez de la decoración destaca mucho en sus diseños arquitectónicos. Como prefería las formas cuadradas y tridimensionales, en muchos de sus diseños de interiores, como paredes, tabiques, ventanas, alfombras y muebles, los muebles en sí fueron tratados como una forma tridimensional parecida a una roca (Figura 3-18). En su diseño gráfico llama mucho la atención la repetición de diseños gráficos, como espirales y cuadrados en blanco y negro, y los elementos básicos de su planteamiento decorativo son la yuxtaposición de formas geométricas, líneas rectas y tonos contrastantes de blanco y negro. Esta técnica decorativa de gráficos a cuadros en blanco y negro fue iniciada por Hofmann y los círculos académicos la apodaron "Check Hofmann" (Figura 3-19).
El pintor Klimt es el artista más importante de la "Secesión de Viena". En su estilo pictórico, también utilizó una gran cantidad de figuras geométricas simples como composición básica, y usó colores metálicos muy hermosos, como oro, plata, bronce, etc., además de otros colores brillantes para crear pinturas altamente decorativas. gran conmoción en el mundo de la pintura de aquella época. Los murales que diseñó para el edificio utilizaron técnicas de mosaico cerámico y utilizó sus hábiles habilidades de pintura para agregar mucho encanto a los diseños.
Moser, otro representante de la Secesión de Viena, es conocido desde hace mucho tiempo por sus pinturas, pero trabajó muy estrechamente con los diseñadores de la Secesión. Su estilo de pintura decorativa es simple y brillante, en marcado contraste con el estilo de pintura de Klimt, que tiende a ser diseños monocromáticos o en blanco y negro. Por ejemplo, en 1898 diseñó un cartel de exposición para los secesionistas de Viena, que era una obra típica del Art Nouveau.
6. Gran Bretaña, Reino Unido
Como movimiento de diseño, las actividades de diseño del Art Nouveau británico se limitaron principalmente a Escocia. Por tanto, su influencia en Gran Bretaña es mucho menor que la del Movimiento Arts and Crafts. En esta campaña de diseño de edición limitada, Glaston Four: Charles? Renée. Charles Rennie Mackintosh (1868-1928), Herbert? Herbert MacNair (1868-1953), Margarita? Margaret Macdonald (1865-1933), Frances? McDonald (Francis McDonald, 1874-1921). Desde la década de 1990 hasta principios de 1900, desarrollaron una expresión distintiva del Art Nouveau escocés que alternaba curvas suaves y líneas verticales duras y elegantes en el diseño de edificios, interiores, muebles, vasijas de vidrio y metal a partir del siglo XIX. El movimiento también se denomina "estilo de línea recta" en el campo de la historia del diseño.
McIntosh no sólo fue el líder de los "Cuatro de Glasgow" sino que también encarnó el "estilo de línea recta" en sus diseños. Nació en Glasgow el 7 de junio de 1868. Hay 11 hijos en su familia.
Era un niño feliz y decidió desde el principio seguir la carrera de arquitectura. A pesar de las objeciones de sus padres, dejó su casa a los 16 años para estudiar pintura, arquitectura y participar en diseño. Sus campos de diseño son muy amplios, involucrando arquitectura, mobiliario, interiores, lámparas, cristalería, alfombras, tapices, etc. Al mismo tiempo, también es muy hábil en el arte de la pintura, y la formación de su estilo de diseño está muy influenciado por el Ukiyo-e japonés. Ha estado muy interesado en el uso de líneas en las pinturas japonesas Ukiyo-e desde que era muy joven, especialmente las líneas rectas simples en el arte tradicional japonés. Mediante el uso de diferentes arreglos y diseños, ha logrado un efecto muy decorativo. Por supuesto, su estilo de diseño también se deriva de los logros del Movimiento Británico de Artes y Oficios, especialmente ¿William? ¿Mauricio y Juan? el desarrollo de diversos experimentos dirigidos por Ruskin y otros, y la influencia del Art Nouveau en otros países de Europa, en particular figuras consideradas precursoras del modernismo, como el movimiento secesionista de Viena.
Como diseñador integral y destacado, Mackintosh ha logrado grandes logros en el diseño arquitectónico. Sus primeros diseños arquitectónicos estuvieron influenciados por la arquitectura tradicional británica, por un lado, y tendían a adoptar líneas verticales y horizontales simples, por el otro. Sus diseños arquitectónicos más exitosos fueron algunos de los edificios de la Escuela de Arte de Glasgow, que fueron diseñados con formas geométricas tridimensionales simples con un poco de decoración en el interior, dándoles una sensación muy cubista. En el interior se utiliza ampliamente estructuras de madera, con formas geométricas simples y un interior y exterior coordinados para formar un estilo unificado. Para lograr un estilo de diseño altamente unificado, también unificó el diseño de muebles y suministros dentro del edificio. El mobiliario utiliza colores primarios, se fija en el uso de líneas verticales y utiliza líneas rectas para la decoración, aunque se evita la decoración excesiva. Por ejemplo, el diseño de la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow no tiene líneas decorativas suaves, sino formas geométricas abstractas y poderosas, que dan la impresión de una polifonía abstracta. Otro ejemplo es el interior que diseñó para Hill House de 1902. Sus simples gráficos tridimensionales hacen eco de los gráficos similares del piso, y este tono se extiende a los marcos de puertas rectangulares, techos, paneles de pared y luces geométricas. Las rejillas simples dominan el interior, mezclándose en un efecto general de simplicidad y espacio. Otro ejemplo es el diseño de muebles, como sillas, armarios, camas, etc. Los sillones que diseñó en particular tienen un aspecto completamente negro y muy exagerados, completamente libres de todas las formas tradicionales y más allá de cualquier imitación de formas naturales.
A juzgar por un gran número de obras, el estilo de diseño de Glasgow, representado por el Macintosh, se refleja en el uso de contenidos y técnicas decorativas. En concreto, la decoración de la superficie sigue un patrón de líneas estricto, principalmente líneas verticales ligeramente curvadas, que a menudo terminan en un óvalo, así como cuadros y formas de rosas estilizadas, una paleta de colores apagados, limitada principalmente a oliva claro, lavanda, colores elegantes y brillantes; de color blanco lechoso, gris y plateado; las posturas de meditación femeninas alargadas también son muy prominentes en sus diseños, aunque las líneas decorativas son súper estables, el efecto visual no cambiará. La mayoría de los patrones de superficie son abstractos y complejos, con formas simbólicas intercaladas. Estas formas simbólicas, como la mayoría de los nuevos diseños artísticos, se comunican de forma natural. Las líneas verticales curvas hacen eco de los patrones ovalados y celulares, mientras que las hojas estilizadas y los capullos de rosa dan a la obra una vida creciente.
7. Estados Unidos
En el campo de las artes aplicadas, el famoso diseñador influenciado por el movimiento Art Nouveau fue Will? Will H. Bradley (1868 ~ 1962) es una figura representativa del diseño gráfico Art Nouveau. Bradley comenzó su diseño con el estilo de línea de Beardsley. Se puede decir que el trabajo de Beardsley tuvo una influencia decisiva en el estilo de diseño gráfico de Bradley. Esta influencia se puede ver claramente en el cartel CHAPBOOK que diseñó en 1895 y en "Twin Sisters", considerado por los críticos como "el primer cartel americano de estilo Art Nouveau", que tiene el estilo gráfico de Beardsley de patrones decorativos curvos y patrones planos. antecedentes.
Las obras de Bradley de 1894 reflejan el enfoque puramente decorativo y altamente "moralista" del diseñador británico Arts and Crafts, como el diseño de portadas de libros de cuentos. Pero en su posterior carrera de diseño, también resumió algunas técnicas nuevas, como la repetición de patrones de líneas en lugar de solo contrastes en blanco y negro, para resaltar colores y líneas decorativas.
Estas nuevas tecnologías y otros estilos de diseño personal los resumió en su trabajo para R? ¿d? Entre las ilustraciones dibujadas por Blackmar para las ediciones americanas de sus poemas narrativos y las portadas diseñadas para "impresiones nacionales" en 1895, 1896 y 1905, la portada presenta a Edmund? ¿Ilustraciones para "Like and Victor" de Spencer? Than Sikrei".
¿Louis? ¿Comfort? Louis Comfort Tiffany (1848-1933) es una figura representativa en el campo del diseño artístico y artesanal.
Tiffany se dedica principalmente a Japonés Es particularmente bueno en el diseño de vidrio. Antes de que el movimiento Art Nouveau influyera en los Estados Unidos, los prototipos de diseño de vidrio de Tiffany procedían principalmente de Europa, pero en la última década del siglo XIX, sus obras se convirtieron en un modelo para el diseño de vidrio europeo. p >
Los logros de Tiffany en el campo del diseño de vidrio son únicos. No solo diseñó la lámpara de mesa más de moda en la sociedad estadounidense a finales de la década de 1990, sino que también lanzó la famosa serie de jarrones "Favreur" a finales del siglo XX. las coloridas lámparas de vidrio hacen que la luz deslumbrante de las lámparas incandescentes sea extremadamente suave. Las bases de bronce son raíces y troncos de árboles, y las pantallas de vidrieras decoradas con lirios, lotos o glicinas cuelgan de las formas irregulares, dándole una sensación artística natural y romántica. concepción, mientras que los últimos diseños introdujeron nuevos efectos de color, en su mayoría iridiscentes, imitando la antigua cristalería desgastada, a veces superpuesta con patrones estilizados de flores, plumas de pavo real y ondas de peine para mejorar el efecto de color.
En el campo de la arquitectura diseño, antes de que se introdujera el movimiento Art Nouveau en los Estados Unidos, Estados Unidos ya había formado la famosa "Escuela de Chicago", que defendía que la función arquitectónica es lo primero y que "la forma siempre obedece a las necesidades de la función". Esta es una ley inmutable. " "La función permanece sin cambios y la forma permanece sin cambios". Entre sus representantes se encuentran Adler Architects, Beluheim, Gianni, Algerdro, Hola Bird y Louis Sullivan (Louis Sullivan, 1856; 1924), etc. A través del trabajo de estos arquitectos, En Estados Unidos ha surgido una locura por la construcción de rascacielos desde Chicago.
¿Es Louis Sullivan el representante más importante de la Escuela de Chicago? Hizo una contribución sin precedentes a la arquitectura. En 14 años, diseñó más de 100. rascacielos en Nueva York, Missouri y Chicago. Sus primeras obras arquitectónicas expresaron su deseo de agregar el lenguaje de la arquitectura romana a su diseño del Auditorio. El edificio tiene una arcada construida sobre un piso inferior rugoso que rodea las ventanas. En el edificio, Sullivan ha comenzado a utilizar flores para la decoración. El trabajo de diseño arquitectónico más destacado de Sullivan es el centro comercial de Carson Pirisco Company, un acercamiento simple al centro comercial que convirtió este diseño en un prototipo básico para innumerables edificios de oficinas y comerciales en todo el lugar. La entrada principal está rematada y rodeada por una lujosa decoración de hierro fundido de estilo Art Nouveau, quizás la decoración arquitectónica más destacada de Sullivan. Los dos pisos inferiores del centro comercial son tiendas y los diez pisos superiores son edificios de oficinas. con azulejos de cerámica blanca, y hay hileras de grandes ventanales, que reflejan plenamente su filosofía arquitectónica moderna de "la forma sigue a la función". Sullivan y Edlow diseñaron el Gran Teatro de Chicago, con capacidad para 3.000 personas, utilizando parapetos de techo plegables y barreras verticales. lleva el sonido desde el escenario hasta la audiencia en la parte trasera del teatro en una serie de arcos suspendidos. Human Theatre logra una acústica perfecta. En el exterior del edificio, Sullivan cambió los materiales de la fachada del teatro, utilizando piedra de granito simple para los tres pisos inferiores y arenisca para los tres pisos inferiores. los cuatro pisos superiores, enfatizando así la sensación de verticalidad de las paredes del edificio.
Frank, ¿quién trabajó en el estudio de arquitectura de Sullivan después de Sullivan? Frank Lloyd Wright (1869-1959) desarrolló aún más las ideas arquitectónicas Art Nouveau de Sullivan, que se reflejaron principalmente en la selección de nuevos materiales y la consideración de la armonía entre la arquitectura y el medio ambiente. Propuso el famoso concepto de "arquitectura orgánica". Wright es considerado uno de los más grandes arquitectos de los tiempos modernos. Desde 65438 hasta 2009, sus diseños arquitectónicos de los años 90 mostraron una fuerte tendencia hacia la decoración de superficies. Por ejemplo, su diseño para la Casa Maasefi del 65438 al 20894 es un ejemplo típico. A partir de 1895, Wright incorporó elegantes formas verticales y curvas en el diseño de adornos arquitectónicos de hierro.
En 1904, el uso de líneas verticales y patrones superficiales en estas piezas decorativas había adquirido el estilo personal de Wright.