Claude Monet (1840-1926) nació en París y pasó su infancia en Alfort. No siguió el camino habitual de un pintor, sino que empezó dibujando caricaturas. Obtuvo cierta fama en las caricaturas y atrajo la atención de Eugène Boudin (1824-1898). Boudin le dijo una vez a Monet: "Todo lo pintado en el lugar siempre tendrá un poder, un realismo y una viveza de pinceladas que no se pueden obtener más tarde en el estudio". Monet también logró lo que dijo Boudin en su carrera pictórica posterior. del amor por la naturaleza.
Pronto, Monet se sintió atraído por las creaciones del pintor holandés Johann Basil de Joncamp. El pintor pintó pequeños puentes, escenas rurales, riberas de ríos y casas destartaladas con techo de paja con más turbulencia, emoción y viveza que sus contemporáneos franceses. Monet recibió su formación artística básica de Boudin y Joan Kahn.
Bocetos de París
Monet llegó a París en 1859, donde conoció a Gustave Courbet (1819-1877) y Jean-Baptiste Camille Corot (1796-65438). Admiraba atentamente su destreza pictórica y aplicaba sus resultados con una velocidad asombrosa. Pero Monet no fue su seguidor, sino un rebelde. Monet no quería completar su curso de pintura en la universidad. Sólo pasó un tiempo en el estudio del Gray's College en 1863. Cuando conoció a Basil, Alfred Sisley (1839-1899) y Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Cuando cerró el estudio del Gray College, llevó a sus amigos a Sheyi, un pequeño pueblo cerca del bosque de Fontainebleau, donde pintó bocetos al aire libre.
Cuando Monet dejó el estudio del Gray College, no enriqueció sus escasos logros artísticos, sino que se dedicó con fe ardiente a la observación pura e intuitiva de la vida natural. No aceptó en absoluto ninguna teoría, sino que desarrolló su propio método de pintura.
Monet fue indiferente al modelaje durante toda su vida, pero lo que le importaba era la correcta relación jerárquica. Precisamente porque Monet no estaba en sintonía con el modelado podía expresar fácilmente lo que realmente veía, pero también era precisamente por eso que no podía expresar la ilusión y la realidad de las cosas.
Monet no sólo se contentaba con poder pintar lo que veía, tal como lo veía; quería crear un efecto único, lograr algo que parecía imposible en el propósito de la pintura. Le gustan todas las cosas deslumbrantes. Los ríos, cielos, casas y árboles que describe están llenos de una extraordinaria sensación de vida. Su corazón estaba lleno de una excitación incontenible; era realista en el sentido de la palabra, pero soñador por naturaleza.
En 1864, Monet completó "El estuario del Sena en Honfelle". El cuadro fue expuesto en el Salón Oficial de 1865 y tuvo una calurosa acogida. Los críticos dijeron de la pintura: "La armoniosa paleta de tonos... captura la sensación de audacia del espectador". Esto demuestra que los funcionarios entienden perfectamente que a la gente le gusta este cuadro. La pintura al óleo exhibe ricos tonos medios y esa gradación oscura y tranquila. La gestión exitosa del espacio profundo a través de la ribera ha marcado tradicionalmente la perspectiva a medio y largo plazo. En este cuadro, son las pinceladas de agua y nubes en primer plano las que expresan "un sentimiento audaz que atrae al espectador", algo que para el propio Monet estas pinceladas realzan el efecto tradicional del cuadro;
En 1866, Monet completó y expuso en pocos días el retrato de su futura esposa, "La Dama de Verde - Kamei Gi". El retrato fue controvertido pero en general fue un éxito; algunos incluso lo compararon con el retrato de Manet. Este retrato dice mucho sobre la personalidad de Monet: su enfoque indiferente a la forma, el aura de la mujer y la luz temblorosa en su vestido dan a toda la pintura una cualidad particularmente convincente que crea una sensación de dinámica y viveza;
Ese mismo año, Monet expuso el cuadro "La Iglesia de Saint-Germain-Otelo", que tuvo una gran importancia para el desarrollo de su futuro estilo. Pintó este óleo en el balcón del Louvre. Esta pintura está destinada a mostrar reflejos en las hojas.
Los trazos uno al lado del otro expresan vívidamente la vibración del aire, y la combinación de estos trazos logra un efecto vívido de sombras azules, amarillas, claras, verdes y negras. El método de la pincelada salvó aquí al impresionismo, pero los colores no eran lo suficientemente transparentes e incluso las sombras azules permanecían turbias, estaban pintadas de negro; Las iglesias y las casas parecían demasiado densas en comparación con las hojas temblorosas. No hay una imagen general en el cuadro, pero la pintura de hojas nos revela un poco del color ideal de Monet.
"La mujer de verde - Kamei Yi" es una pintura de figuras realizada en el estudio; "La Iglesia de St. Germain Otlova" es una pintura de paisaje bajo luz exterior. El cuadro "Mujer en el jardín" combina estos dos métodos de observación. Las imágenes aquí están básicamente dispuestas según una fotografía, lo que demuestra que a Monet no le importaba dejar que la composición obedeciera al azar del paisaje natural. La foto debería haberle recordado a Monet el profundo impacto del espacio, pero a Monet no le importó. Lo único que le interesaba eran los planos y los contrastes de color. Es precisamente porque las figuras de esta pintura no tienen tridimensionalidad ni altibajos que los colores pueden mostrar aquí su brillo y diversidad. Las decoraciones florales en la ropa de mujer, las flores en el césped, las hojas que sobresalen de la gran área de color verde oscuro, el cielo expuesto entre los huecos de las hojas y la luz que penetra en las sombras crean un colorido efecto de mosaico. Pero la pintura carece de efectos tonales: la luz y la sombra caen en el mismo plano ocupado por las figuras, por lo que la luz no puede penetrar el cuerpo humano y convertirse en una entidad tangible. El color inherente a las superproducciones funciona en exceso. Todo esto equivale más a una fórmula que a una verdadera expresión de lo que ves, pero la fórmula es un plan audaz sin precedentes. Una vez que desaparece la formalidad del programa, la luz penetra en el alto, la vida impregna cada golpe y se forma una unidad general. En ese momento, el arte se volverá rico y colorido, y el impresionismo alcanzará su plena madurez.
Impression Sunrise y el nacimiento del impresionismo
En 1872, Monet creó la mundialmente famosa "Impression Sunrise". Este óleo representa el amanecer visto a través de la niebla en el puerto de Afar. Los trazos de pintura que tocan los puntos clave representan el fondo poco claro en la niebla de la mañana. Varios colores dan al agua un brillo infinito, pero el método de pintura impreciso hace que los barcos sean vagamente visibles. Representa fielmente la impresión visual que la luz y el color dieron al pintor al amanecer en la ciudad portuaria francesa. Debido a que rompió las cadenas de la pintura tradicional, un crítico utilizó el título de "Pintura Ci" para burlarse del impresionismo de un grupo de jóvenes pintores representados por Monet que exigían innovación y creación. Esta escuela de pintura también recibió su nombre. Esta pintura se exhibió en la Primera Exposición Colectiva de Pintores Impresionistas, que se inauguró el 25 de marzo de 1874. Esta pintura es una de las más típicas de las pinturas de Monet.
Recordando la Historia
Monet es sin duda un genio creativo en la observación visual. Sabe descubrir un fenómeno nunca antes descubierto a partir de la relación entre la luz y el color. Centró toda su atención en la luz y el color, encontrando así la forma más adecuada de expresar las diferencias de brillo de la luz y el color. Abstrajo esta diferencia en el brillo de la luz y el color de varios otros factores en la pintura y la elevó a un nivel inalcanzable. La observación visual de Monet fue talentosa, creativa y extraordinaria, pero ¿qué había detrás de esta observación? ¿Cuál es la relación entre lo que ve y lo que siente e imagina?
Algunas de las pinturas de Monet en Teuilly y Argent entre 1874-78 pueden responder a estas preguntas. Como el "Velero Argentey" creado en 1872. En esta pintura, los medios tonos reemplazan el contraste de color, no por una mezcla de colores, sino por el efecto combinado de la luz que forma una ruptura o combinación de colores. El negro ya no aparece en la paleta del pintor, sino que crea colores espectrales de luz y oscuridad, formando formas tridimensionales. Un estilo de color unificado impregna naturalmente toda la imagen: tomas cercanas y distantes, objetos, agua y cielo, transformándolo todo en una escena maravillosa y en movimiento, mientras que una perspectiva espacial perfecta y sin capas conecta esta toma cercana y distante en un todo. Tonos violetas y amarillos se mezclan con el azul del río y el cielo. Las diferencias tonales en estos colores distinguen claramente estos fenómenos naturales, y el reflejo del río tranquilo parece ser la base del cielo. Se olvida la perspectiva geométrica; se sustituye por el constante movimiento del aire.
Cada color parece apagado individualmente, pero juntos son intensos; lo que aparece ante nosotros es una imagen de fuegos artificiales en el horizonte y la luz del día que se desvanece. Un velero descansa tranquilamente en la penumbra gris. Ésta es la intuición de un visionario. En esta atmósfera melancólica, llena de humo y atardecer, Monet parece ser la vida de la luz, participando directamente en su gradual desaparición. Este fue el período de cosecha de la creación de Monet, y fue él quien creó la leyenda del color.
Gare Saint-Lazare
La "Gare Saint-Lazare" pintada en 1877 es un cuadro de una estación de tren de París, una "impresión" real de una escena cotidiana. Monet quedó fascinado por el efecto de la luz que pasaba a través del techo de cristal formando nubes de vapor y las formas de locomotoras y vagones que emergían del caos. Monet consideraba de primordial importancia los efectos mágicos de la luz y el aire. Equilibra hábilmente los tonos y colores del cuadro. Esta pintura demuestra muy bien el poder, el espacio, el contraste y el movimiento.
En 1883, Monet vivió en Verne, donde construyó un pequeño jardín para pintar. Plantó muchas flores de loto en el estanque, lo que le llevó a descubrir el tema para la realización de su plan: dibujar algunos cuerpos duros, agua y aire, e intentar fusionarlos. El grupo resultante de pinturas "Nenúfares" y "Estanque de hadas, armonía de rosas" es uno de este grupo de pinturas. Esta pintura refleja el deseo de Monet de hacer las cosas una conmigo, pero no tiene ningún patetismo.
Cualquiera que estudie el desarrollo de las actividades creativas de Monet encontrará que si el destino inicial contribuyó a la tendencia de desarrollo de Monet, luego él creó su propio destino. Monet se convirtió en el fundador del impresionismo y sus amigos lo reconocieron como el "líder" debido a su fuerte voluntad inquebrantable. Como todos sabemos, el Impresionismo significó un cambio en la forma de sentir y ver. Transformó no sólo la pintura sino también la escultura, la música y la literatura. Incluso hoy, no ha perdido su influencia y todavía nos está cambiando.
Obra maestra
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Contenido complementario:
Monet nació en París, Francia, en febrero de 1840. Resulta que es exactamente la misma fecha de nacimiento del famoso escultor francés Rodin. El padre Croudo, Adolphe y Monet son todos hombres de negocios. Ellos y su cuñado regentan una tienda de instrumentos musicales en el puerto de Avre, en el norte de Francia. Cuando Monet tenía cinco años, le escribió una carta a mi padre. Después de estudiar allí, trató la escuela como una prisión. Pasaba más tiempo jugando en los acantilados y la playa que asistiendo a clases, por lo que su rendimiento académico era muy pobre y siempre estaba al final de la clase. La única afición del niño es pintar. A menudo hace dibujos en su cuaderno y dibuja caricaturas para profesores y compañeros de clase. Con el tiempo, también dominó algunas habilidades de pintura. Sin embargo, los padres no están de acuerdo con esto. El joven Monet disfrutó y, con su talento innato, unos años más tarde sus caricaturas comenzaron a exhibirse y venderse en papelería. A los 15 años Monet ya era muy conocido en la zona. Ofrecía sus obras a 20 francos cada una. Tras ser presentado por un marchante de arte, el joven pintor se sintió atraído por Boudin, un pintor que sabía representar paisajes marinos, y los dos se conocen desde entonces. Boudin lo movilizó para "aprender a pintar paisajes al óleo y bocetos". A Monet no le importó al principio e incluso puso excusas para negarse cortésmente. Gracias a la sinceridad de Boudin, finalmente conmovió al niño. El autodidacta Boudin estaba acostumbrado a pintar al aire libre. Abogó por que "debemos buscar la simple belleza de la naturaleza" y "debemos conservar obstinadamente la impresión original". Esto también conmovió profundamente a Monet, porque su corazón también estaba lleno de amor por la naturaleza. A partir de 1858, Monet comenzó a aceptar las ideas pictóricas de Butin, que eran las mismas que las de la escuela académica, y aprendió y utilizó la pintura con pincel. Lo que Boudin destacó: prestar especial atención a la primera impresión y a la luz del objeto representado. Está profundamente arraigado en él. Mientras pintaban juntos al aire libre, Monet creó obras sobre Port d'Avré, el puerto, los amaneceres, los barcos en el mar, etc. Uno de ellos también se exhibió en la exposición de Rouen, junto con cuatro obras de Boudin.
Poco después, siguiendo el consejo de Boudin, Monet llegó a París en mayo de 1859.
En París vio las obras de Trolon, Daubigny, Corot y otros, y las apreció mucho. Gracias a la introducción de Boudin, Monet entró en contacto con los pintores de la Escuela de Barbizon y conoció a Trolon, uno de los representantes de la escuela. Trollouin le recordó que "la moralidad debería ir a un estudio especializado en pintura del cuerpo humano y aprender a dibujar" y "ir con frecuencia al campo a dibujar". En 1860, Monet ingresó en la Academia Suiza para practicar el dibujo al natural. Esta llamada "academia" es sólo un estudio. Suiza es el nombre de su dueño. No hay conferencias ni exámenes. Por una pequeña tarifa puedes pintar maniquíes. Aquí entró en contacto con algunos pintores que luego se convirtieron en impresionistas, como Pissarro. Aquí también creé algunas pinturas de paisajes.
En el otoño de este año, se sorteó para determinar la necesidad de Monet de realizar el servicio militar. En ese momento, su padre propuso que, siempre que obedeciera los deseos de sus padres y dirigiera un negocio en casa, podría pagar a alguien para que se uniera al ejército en su nombre. Monet ignoró esto y decidió alistarse en el ejército. Tras incorporarse al ejército, fue incorporado al Afrika Korps francés. Pronto fui con el ejército a Argel. A los ojos del pintor, el paisaje y la luz africanos son hermosos y encantadores. Con el permiso del ejército, logró pintar, donde pintó un retrato de la esposa del capitán.
A principios de 1862, debido a una anemia, Monet regresó a su casa en Alfort desde el campamento militar para recuperarse. En ese momento, conoció al pintor holandés Qiong Kang, y él y Qiong Kang se dedicaban a la creación en Boudin. El joven pintor quedó impresionado por la sofisticación de las pinturas de Boudin, el énfasis de Joncon en el movimiento y el estilo con el que capturaron las primeras impresiones. Debido a las advertencias de los médicos, el regreso de Monet a África sería extremadamente perjudicial para su salud. Junio 5438 065438 En octubre, el padre de Monet solicitó a las autoridades que eximieran a su único hijo del servicio militar. Después de pagar una determinada tarifa, Monet volvió a París. Y entra en el estudio del pintor clasicista Gray. En el ejercicio de dibujar el cuerpo humano, Greer pidió a todos que modificaran su trabajo según el modelo clásico de pintura para representar el cuerpo humano de la manera más perfecta posible. Monet insistió en una representación precisa y verdadera de las características del modelo. Su idea fue respaldada por sus compañeros de cuarto Bazil, Renoir y Sisley.
En la fallida exposición del Salón de este año, Monet quedó impactado e inspirado después de ver las obras de Manet. En 1863, Monet llevó a los amigos pintores de su compañero de escuela al bosque de Fontainebleau, cerca del pueblo de Barbizon, en los suburbios del sur de París, donde creó pinturas. Bajo la luz del mundo exterior, todos crearon una serie de obras al estilo de Barbizon.
En 1864, Monet tomó a estos amigos pintores y abandonó el estudio de Guerere. Vino a Anglefleur a pintar. Aquí, las dos pinturas de paisajes de Monet que representan el río Sena, "Cabo Evo durante la marea baja" (Imagen 2) y "Puerto de Enfleur", fueron seleccionadas para el Salón Oficial de 1865 debido a sus diferentes técnicas artísticas. En este año, comenzó a crear el óleo a gran escala "Almuerzo sobre la hierba" en Fontainebleau, que se publicó en 1866. A partir del resumen de la polémica suscitada por la obra homónima de Manet en el "Salón de Exposición Inesperada", Monet pintó primero el paisaje y luego las figuras. Los personajes del cuadro son sencillos y sin pretensiones, y sus movimientos son naturales, lo que demuestra las habilidades realistas del pintor. En 1866, el retrato de cuerpo entero "La mujer de verde" (Figura 6) se exhibió en el Salón del mismo año y fue bien recibido por el crítico Zola. Hay un poeta cuya obra es "Cinco vidas", que se publicó en la revista "Artista". Algunos marchantes de arte también le pidieron a Monet que hiciera una réplica basada en la obra original y se prepararan para enviarla a Estados Unidos. Debido a este éxito, la familia retomó su apoyo económico.
En el verano del mismo año, "La mujer en el patio" de Monet (Figura 7) fue rechazada en el Salón de 1867. En el otoño de 1866, para evitar a los cobradores de deudas, Monet destruyó unas 200 obras y regresó a Avray. En ese momento, su situación financiera era muy mala, porque a su padre le molestaba su relación con Camus, cortando así el apoyo financiero, y el mercado para las obras de Monet aún no se había abierto. Para solucionar el problema de seguir creando lienzos, tuvo que raspar las pinturas al óleo que ya había pintado y reutilizarlas. En 1867, Camus, que estaba embarazada, permaneció en París sin el permiso del padre de Monet. Monet vivía en casa de su tía. Camus dio a luz a su primer hijo en julio y tuvo que pedirle a Bazil en París que fuera su padrino para cuidarlo. En los años siguientes, Monet siempre pintó en Avré y sus alrededores, con Boudin, Joan Kahn y, a veces, Courbet.
Durante este período, debido a la tensa relación con su padre, las limitaciones económicas y la vida eran difíciles. Por esta razón, Monet alguna vez tuvo pensamientos suicidas. En 1869 regresó a París y asistió a una reunión de artistas en el Café Gerbois. Quizás porque dejé la escuela muy temprano y sentí que mis calificaciones académicas eran insuficientes, rara vez participé en debates. El alcance de su pobreza en ese momento se puede ver en una carta que le escribió a Barziil en agosto, en la que mencionaba que no murió de hambre a causa del pan enviado por Renoir. Durante una semana no hubo fuego ni iluminación en la casa. A finales de mes me quedé sin pintura y tuve que dejar de pintar. En ese momento, Ba Ziyi también estaba empobrecida. Empeñó su reloj y Renoir ni siquiera podía pagar el envío de una carta. No hay nada que pueda hacer con Monet.
En junio de 1870, Monet y Camus se casaron oficialmente. En septiembre, Monet confió a su esposa y a su hijo a Boudin y se fue solo a Londres. Allí conoció a Daubigny y Pissarro, y luego pintó con Pissarro en el Támesis y en parques. El pintor británico Turner (1775-1851) durante su visita a la galería de arte. Quedó fascinado por la obra de Constable (1776-1837). Para encontrar un mercado para las obras de Monet, Daubigny le presentó a los pintores Durand y Rule. Este hombre expresó su simpatía por los pintores pobres y los patrocina desde entonces.
A principios de 1871, su padre murió y Monet abandonó Inglaterra. Movilizado por Daubigny, se fue a los Países Bajos y permaneció allí hasta finales de año. En Ámsterdam vio grabados japoneses "ukiyo-e" y los paisajes de colores brillantes le dejaron una buena impresión. Más tarde dijo: Su sofisticación me encantó. Estoy de acuerdo con sus principios estéticos de utilizar sombras para evocar sentimientos reales y fragmentos para evocar sentimientos generales. Le fascinaban los puertos, los canales, las iglesias, la gente y, especialmente, los molinos de viento holandeses. Tras regresar a París, con la ayuda de Manet, Monet se instaló en Argenteuil, al norte de París. El pintor, que tenía especial afición por el agua, construyó un estudio a orillas del Sena en 1873. A partir de entonces, pintó a menudo en el barco. La luz y el aire tembloroso desde diferentes direcciones y ángulos se utilizan plenamente para describir el agua y los paisajes sobre ella, con algunas obras traumatizadas por contornos nítidos, sombras y luces parpadeantes. En esta época también trabajaban con él Sisley, Manet y Renoir.
En 1872, Monet creó "Amanecer" e "Impresión" que se harían famosas en todo el mundo. Esta pintura al óleo representa el amanecer en la niebla de la mañana visto desde lejos en el puerto de Afrodita. Expuesto en la Primera Exposición Colectiva de Pintores Impresionistas, inaugurada el 25 de marzo de 1874. Esta pintura no es la más típica de las pinturas de Monet, pero fue publicada en un artículo de un crítico llamado Lerouard en la revista "Bulls" el 25 de abril titulado "La exposición del impresionismo". Después del artículo, la pintura se hizo famosa. Este artículo satiriza una a una varias de las obras expuestas en la exposición. Respecto a la "Impresión del amanecer" de Monet, escribió que "pegar papel en la pared sería más completo que este paisaje marino". No sin relación con el título de esta obra, el autor llama en broma a esta exposición la "Exposición Impresionista". Además, el propio Monet expresó una vez la opinión de que "lo que pinto es sólo una impresión". Este grupo de jóvenes pintores dirigido por él realmente prestó atención a capturar la impresión inicial de los objetos que pintaban. Aunque algunos de estos pintores no estaban de acuerdo con esta formulación, los términos impresionismo e impresionismo se han extendido como la pólvora. Tanto es así que en la tercera exposición colectiva de 1877 se utilizó simplemente como título de la exposición. La exposición conjunta de 1874 fue una exposición de pintura independiente iniciada por Monet y organizada con sus amigos. El estudio que dejó el fotógrafo Nadar es la sala de exposiciones, a la que asisten más de 30 artistas, entre ellos Degas, Pissarro, Cézanne, Renoir, Sisley, Morisot, etc. Hay ***165 obras en la exposición, incluidas 12 obras de Monet. A través de esta exposición, se estableció realmente la posición de liderazgo de Monet entre los pintores impresionistas, y el propio pintor también desarrolló un estilo pictórico de luz y color cambiantes para expresar las impresiones momentáneas capturadas. Como obra típica de este nuevo estilo de pintura, esta vez se exhibe el óleo de Monet "Rue Capucine" (Figura 17).
En 1875, Monet volvió a caer en dificultades financieras y tendió una mano amiga a sus amigos. En junio, escribió en una carta a Manet: Anteayer no tiene dinero y su carnicería y panadería ya no tienen crédito.
¿Puedes enviarme 20 francos? En 1876, la segunda exposición colectiva presentó 18 obras de Monet. La respuesta social a esta exposición fue relativamente tibia. El óleo "Mujer con kimono" de Mo Biao (Figura 15) se vendió al elevado precio de 2.000 francos. Ese mismo año, el pintor también creó obras como "Turquía" (Figura 14). Y comenzó una serie de creaciones sobre la estación de tren de Saint-Lazare (una de las de la Figura 19). En 1877 se celebró la tercera exposición conjunta en los talleres de pintura de Durand y Ruhr. Hay 252 obras expuestas, incluidas 30 obras de Monet. Para ganarse la vida, el pintor vendió algunas de sus obras al marchante de arte Xiao Kai a un módico precio de entre 40 y 50 francos por cuadro.
En marzo de 1878, cuando Camus dio a luz a su segundo hijo, Monet volvió a afrontar dificultades. En una carta a Zola, decía: No hay fuego en la casa y mi esposa está enferma. Ayer estuve corriendo todo el día y no pude pedir dinero prestado. Otra carta decía: Si mañana por la noche no puedo pagar 600 francos, nos echarán a la calle. Bajo la presión de la vida, junto con la oposición a largo plazo al salón oficial, se desvió de la línea seguida por la mayoría de la gente en ese momento. En ese momento, Monet ya estaba pensando en cómo aprovechar la oportunidad en el momento adecuado para mejorar su situación personal. Por ello, en 1880, Monet envió dos de sus obras al Salón, lo que Degas consideró un "defecto" entre los pintores impresionistas. Por tanto, Monet no participó en la quinta y sexta exposiciones conjuntas.
En los años 80, el mar se convirtió en la nueva fuente creativa de Monet. En los años siguientes, Monet capturó los efectos instantáneos de luces y sombras muchas veces en la costa de Inglaterra y Francia, en Edotta y otros lugares, y creó una serie de obras que fueron más impactantes que antes. Debido a esto, algunas personas llaman a este período la "Era Edotta" de Monet, y las Figuras 31 y 32 son dos obras de este período.
El 1 de marzo de 1882 se inauguró la Séptima Exposición Conjunta. Según Manet, fue aquí donde "descubrió todas las obras gloriosas del impresionismo". Hay 35 obras de Monet en esta exposición. Monet no participó en la octava exposición conjunta en 1886, que también fue la última. Marcó el colapso del movimiento impresionista.
Desde 1883, Monet se instaló en Giverny y nunca más se mudó. Giverny está situado en el centro de París, a lo largo del río Sena hasta Rouen. La residencia tiene un hermoso entorno y un paisaje agradable. Hay senderos arbolados, macizos de flores, estanques y pequeños puentes. Aquí se completaron muchas de las obras posteriores del pintor.
En junio de 1889, con el fin de conmemorar el centenario de la Revolución Francesa, Monet y Rodin celebraron una exposición conjunta de obras, entre ellas 66 obras de Monet de 1864 a 1889, que recibieron críticas favorables.
En la década de 1990, Monet creó varios grupos de obras, conocidos como "pinturas grupales". La llamada "pintura de grupo" se refiere a múltiples pinturas realizadas por el artista en la misma posición, frente al mismo objeto, en diferentes momentos y bajo diferente iluminación. Esta es probablemente una característica de las obras posteriores de Monet. Por ejemplo, durante 1890-91, para el mismo pajar, el artista pintó el objeto en diferentes colores hasta 15 veces en diferentes estaciones del sol de la mañana, la tarde y la noche, las Figuras 44 y 45 son dos de ellas. Durante 1891-92, la Serie Poplar se creó de la misma manera. Las figuras 46 y 47 son dos de ellas. Durante 1900-04, creó la "Serie de paisajes de Londres", de la cual la Figura 51 es una. Al crear la "Serie de la Catedral de Rouen" de 1892 a 974, Monet alquiló una habitación frente a la iglesia y comenzó a pintar al amanecer. Al fin y al cabo, son 20 obras, de las cuales 48 y 49 son dos. Al realizar este tipo de creación, suele levantarse muy temprano, cargar un carro lleno de lienzos y cambiar uno cada dos horas según el cambio de luz solar. Una serie de pinturas creadas a finales de los 80 y principios de los 90 también incluían nenúfares. 1900 165438 En octubre, se exhibieron 26 pinturas de "Nenúfares en el estanque" de Monet en la Galería Durang und Ruhr, lo que fue un gran éxito. En 1904, se exhibió en la galería una serie recién terminada de vistas del Támesis.
Desde septiembre de 1908 hasta febrero de 1908, Monet y su esposa Aris viajaron a Venecia. El paisaje sureño, el clima templado, el aire húmedo, las nubes blancas y los edificios reflejados en el agua despertaron el deseo de crear del artista. Creó aquí más de 30 obras. Las figuras 52 y 53 son las dos primeras de estos trabajos.
En mayo de 1911, tras la muerte de la señora Monet Camus en 1879, su segunda esposa, Aris, también murió antes que él. El pintor cayó en un profundo dolor y su vista se deterioró. En 1914, a la edad de 47 años, su hijo mayor murió a causa de una larga enfermedad, dejando a Monet solo en sus años octogenarios. Bajo la persuasión de su viejo amigo y ex primer ministro francés Clemenceau, Monet construyó en su patio un gran estudio de 23 metros de largo, 20 metros de ancho y 15 metros de alto y comenzó a crear una serie de grandes pinturas decorativas "Nenúfares" 》. En marzo de 1922 decidió donar a su patria el cuadro decorativo de gran formato ya terminado. En abril de 2012 firmó la "Carta de Donación". Pronto, el pintor casi pierde la vista debido a unas cataratas. En septiembre, los médicos le prohibieron pintar. Al año siguiente, después de la cirugía, recuperé la visión. En 1925, el pintor de 85 años estaba solo, concentrándose en crear grandes murales en el estudio y al aire libre. Según la expectativa de la gente, este mural a gran escala "Nenúfares" refleja la profunda comprensión del artista de la luz y el color, y sus hábiles habilidades pictóricas. Se puede decir que ha agotado todas sus habilidades. El día después de que se completara esta obra maestra, el 6 de febrero de 1926, el único maestro impresionista que quedaba abandonó este mundo para siempre. Según los planes establecidos, los nenúfares se colocaron como exposición permanente en la rotonda del Jardín de los Naranjos del Palacio de las Tullerías, junto al Louvre. Esta sala fue construida en 1927 y es conocida como la "Capilla Sixtina del Impresionismo". (La Capilla Sixtina contiene murales famosos como los de Botticelli, especialmente "El Juicio Final" de Miguel Ángel, que es mundialmente famoso). Según el último deseo del difunto, la mañana de su muerte, después de una sencilla ceremonia de despedida, el cuerpo fue enterrado. en el cementerio local de Madame Monet. No se programaron discursos ni flores, excepto algunos artistas, lugareños y Clemenceau. Todos se despidieron en silencio del maestro artístico.
Desde la perspectiva del surgimiento y desarrollo del impresionismo, Manet fue el iniciador, pero fue la promoción constante de Manet lo que realmente hizo realidad las ideas y técnicas del impresionismo. Fue su dedicación de toda su vida al impresionismo, que tuvo un impacto importante en el mundo de la pintura occidental, y los incansables esfuerzos de un grupo de artistas liderados por él los que rompieron las ideas conservadoras de los académicos anteriores y tuvieron un gran impacto en el mundo de la pintura occidental en el siglo XIX. segunda mitad del siglo XIX, arte oficial, contribuyendo así de manera importante a abrir una nueva página en la historia de la pintura occidental moderna. Dejó una valiosa riqueza artística para las generaciones futuras. Cabe decir que Monet fue el primer pintor impresionista de éxito. Aunque las escuelas artísticas posteriores como el fauvismo, el cubismo y el surrealismo no siguieron algunos de los principios establecidos por el impresionismo, todos los artistas que fundaron estas escuelas se alimentaron del impresionismo.
Es necesario mencionar también que las ideas y técnicas del Impresionismo fueron propuestas originalmente en base a observaciones realistas. Sin embargo, debido a su pasión por describir la luz y el color, incluso los desconcertaron, lo que llevó a una tendencia a ignorar las imágenes realistas. Monet dijo una vez: Al pintar, debes olvidar qué tipo de objeto hay frente a ti, solo piensa en un pequeño cuadrado azul, un pequeño rectángulo rosa y un toque de amarillo. Por lo tanto, la atención del pintor en la creación no se centra en el paisaje a expresar, sino en los efectos del entorno espacial, la luz, el humo y el flujo de aire alrededor del paisaje, o se limita a la iluminación utilizada para expresar el paisaje en un momento determinado. cierto nivel. La impresión instantánea que dejó en el pintor bajo las condiciones. Por lo tanto, puede llevar a captar sólo cambios sutiles y perder la comprensión general; solo refleja niveles de color sutiles pero ignora las consecuencias de la forma de la escena.