Un breve análisis del pensamiento filosófico en la creación de las artes plásticas occidentales
Como forma cultural única, el aprendizaje es una síntesis y resumen de conocimientos naturales específicos, conocimientos sociales y conocimientos pensantes. Tiene un papel orientador y esclarecedor en el desarrollo de la sociedad humana y la cultura científica. La larga historia de la civilización y el arte humanos ha estado influenciada por ideas filosóficas de principio a fin. En la práctica de las artes plásticas tradicionales chinas, la filosofía tradicional china está en todas partes. mdash&mdashLa esencia teórica del confucianismo, el taoísmo y el budismo ha formado una cultura artística con características orientales. Por supuesto, lo que aquí se discute principalmente es el pensamiento filosófico y la creación de las artes plásticas occidentales. Para las artes plásticas occidentales, desde el humanismo de la antigua Grecia hasta la teología religiosa de la Edad Media, desde el humanismo del Renacimiento y el racionalismo de Kant hasta el cientificismo moderno, el estructuralismo, la fenomenología, la Escuela de Frankfurt y el posmodernismo, Occidente ha tenido un profundo impacto en el desarrollo de las artes plásticas occidentales. La cosmología de Platón y la filosofía de Aristóteles dieron a la creación artística un estatus superior. Creen que la creación de arte es la creación de una imitación de la naturaleza. Se pensaba que la evolución del universo tenía la forma de un proceso material, del mismo modo que el escultor griego presentó la forma de un cuerpo humano en un mármol. Entonces su visión del mundo es casi la misma que la creación artística del artista.
Balzac dijo una vez: "Primero debes ser un filósofo profundo, como Molière, y luego escribir novelas". Si sus palabras se amplían un poco, es: "Primero debes ser un filósofo profundo, como Molière". , y luego escribir novelas ". Conviértete en un filósofo profundo y luego participa en la creación artística. Esto significa que la creación artística y el pensamiento filosófico están indisolublemente ligados.
Primero, de imitar la verdad a "cambiar la verdad"
Históricamente, la filosofía, como estudio de la sabiduría, ha prestado especial atención a la experiencia de la vida y a la iluminación de la sabiduría desde el principio. Sócrates en la antigua Grecia enseñó filosofía a través de discursos y debates, a los que llamó "partería espiritual"; la Academia de Atenas de Platón estaba llena de reflexión y discusión; Aristóteles y sus discípulos discutían cuestiones filosóficas mientras caminaban, bastante "despreocupados". Los antiguos sabios chinos también aprendieron y enseñaron filosofía de manera similar. Los aforismos de Laozi, las fábulas de Zhuangzi y las respuestas de Confucio a sus discípulos reflejan las características de invitar a la reflexión y abrir la sabiduría. A los ojos de muchos filósofos, "la teoría es gris, pero el árbol de la vida es siempre verde". Dado que la vida real es vívida y creativa, la relación entre el conocimiento y los objetos sólo puede ser una relación de negociación y diálogo, en lugar de una relación de "imitación" unidireccional subjetiva y objetiva. Además, cualquier filosofía habla de un determinado valor, punto de vista o interés y, por supuesto, habrá otra filosofía que habla de un determinado valor, punto de vista o interés. Esto significa que la filosofía no sólo proporciona un modelo de vida que está destinado a ser así, sino que también proporciona una variedad de vidas para que las personas elijan. El objeto de la filosofía no son los hechos establecidos, sino el mundo que la filosofía está creando; preparándose para crear. En términos generales, la filosofía es el arte de crear ideologías, sistemas de valores, construir patrones de comportamiento y el significado de la vida. Esta filosofía de vida es el autoconocimiento de una persona y es creativa. Aquí la filosofía y el arte se han fusionado. De esto podemos sacar la conclusión de que la imitación absoluta de objetos no puede producir las obras de arte más hermosas. Por ejemplo, la fundición con un molde es la mejor manera de replicar el objeto real, pero de todos modos las buenas obras de fundición no son tan buenas como las estatuas terminadas. . Durante el juicio, el secretario puede registrar las palabras tanto de la acusación como de la defensa, pero la taquigrafía del secretario no es una obra de arte en sí misma y sólo puede proporcionar material original para el escritor. El pintor Danner utilizó una lupa para representar fielmente los retratos. Tenía arrugas en la piel, pequeñas vetas de sangre en las comisuras de las mejillas, manchas negras esparcidas en la nariz y vasos sanguíneos de color azul claro debajo de la epidermis. Reprodujo casi todo en el rostro de la modelo, incluido el paisaje circundante, ¡que se convirtió en ojos brillantes! Pero las generaciones posteriores comentaron: "¡Un boceto audaz de Van Dyck es cien veces más poderoso que el retrato de Dana!" En la expresión creativa de las artes plásticas occidentales, algunas obras incluso son deliberadamente inconsistentes con la realidad. Una estatua suele tener un solo tono, ya sea bronce o mármol, y los ojos de la estatua no tienen globos oculares, pero es el tono único y la indiferencia de la expresión los que constituyen la belleza única de la estatua.
Por el contrario, en las coloridas estatuas de las iglesias de Nápoles y España, los santos visten túnicas reales, con caras delgadas y amarillas, exactamente en línea con el color de la piel de los ascetas, las manos manchadas de sangre y las cinturas perforadas son, en efecto, símbolos del sufrimiento; Debido a que son extremadamente realistas, no solo no brindan a las personas el disfrute de la belleza, sino que en realidad las hace sentir enfermas.
Además, las obras de arte reales cambian las relaciones más reales. Por ejemplo, Miguel Ángel creó cuatro estatuas de mármol para colocarlas en tumbas en Florencia. En dos hombres, y especialmente en una mujer medio dormida, las proporciones de las partes son marcadamente diferentes a las de una persona real. En Italia se pueden ver mujeres jóvenes y hermosas bien vestidas, gente del campo altiva y de ojos brillantes y modelos generosos en las galerías de arte, pero ningún hombre o mujer real puede igualar a los héroes y heroínas enojados que se exhiben en los templos de los Medici. Virgen de los Dolores. La tipicidad de Miguel Ángel se encuentra en su propio carácter. Como persona solitaria, reflexiva, amante de la justicia, generosa y excitable, después de haber sido oprimida por el fraude y la opresión, la tiranía y la injusticia, su gran corazón y su dolor se expresaron plenamente en el arte, escribió Mi Angelo en el pedestal de la Estatua Durmiente. : "Mientras haya sufrimiento y humillación en el mundo, el sueño es dulce. Sería mejor si pudieras convertirte en una piedra testaruda. No ver nada, nada. Es mi bendición no sentirlo tampoco, así que no me despiertes". ¡Ah, habla en voz baja!" Inspirado por este sentimiento, creó estos cuerpos. Para expresar esta emoción, cambió las proporciones normales, alargó el torso y las extremidades, inclinó la parte superior del cuerpo hacia adelante y tenía los ojos especialmente hundidos. Las arrugas de su frente eran como las de un león con cejas y ojos. Sus hombros enfrentaban músculos superpuestos, y los tendones y la columna de su espalda estaban retorcidos en una maraña, tensos como un cable de hierro que estaba demasiado estirado y estaba a punto de romperse. Es precisamente debido a los cambios de proporciones normales de Miguel Ángel y su dinámica en el estado cristalino que logró el efecto de "Mo Yan tiene un corazón de piedra y un corazón de sangre hirviendo", lo que hace de este grupo de esculturas una obra maestra famosa.
2. De la perspectiva unidimensional a la "perspectiva"
El perspectivismo es una importante tendencia metodológica filosófica popular en el Occidente contemporáneo y una parte importante de la tendencia de pensamiento posmoderno. Según la definición del Diccionario de Pensamiento Moderno de Fontana, una perspectiva en filosofía es "la visión de que existen muchos sistemas de conceptos o suposiciones alternativos, mutuamente desiguales, cada uno de los cuales puede explicar el mundo, y que no existe un método autorizado de selección". ". La característica metodológica fundamental del perspectivismo es que abandona puntos de vista fijos, defiende el pluralismo y la multifacética, y cree que la explicación del mundo debe ser pluralista y multidimensional, es decir, multifacética en lugar de unidimensional y unidimensional. dimensional.
Treinta años después, la influencia del perspectivismo no se ha desvanecido con el paso del tiempo, sino que ha trascendido la torre de marfil de la filosofía y se ha extendido a todos los campos del pensamiento y la cultura. Un filósofo utilizó una vez la comprensión que la gente tenía del cubo para expresar la idea del perspectivismo. Señaló: Por definición, un cubo tiene seis lados, pero en realidad nadie puede verlos al mismo tiempo, y estos seis lados nunca pueden aparecer frente a nosotros al mismo tiempo. Cuando decimos "esto es un cubo", en realidad hay más en él de lo que podemos ver aquí y ahora. Es decir, si le damos la vuelta, vemos varias caras más. Aquí juegan un papel las experiencias pasadas o futuras. Lo que se nos aparece y nos ofrece significado nunca podrá revelarse plenamente en todos sus aspectos al mismo tiempo. Por tanto, debemos ver la realidad como un sistema dinámico en constante cambio que permite y promueve diferentes perspectivas para percibir, interpretar y crear objetos. La unidad es una necesidad de la inercia.
Sí, la ambigüedad es un signo de sabiduría. La percepción desde cualquier perspectiva no tiene derecho a afirmar que es la única verdad, porque las viejas percepciones siempre contienen la posibilidad de ser negadas por nuevas percepciones, y la verdad de hoy también contiene el peligro de ser anulada y convertirse en pasado. Así que no hay ninguna verdad en la que estén de acuerdo tanto el dogmatismo como el escepticismo. La verdad se define en su devenir, su propia modificación y trascendencia.
En la creación de la pintura y las artes plásticas occidentales una misma temática puede ser tratada de una determinada manera, de manera contraria o cualquier forma intermedia diferente a ambas. Debido a diferencias de raza, temperamento, educación y cultura, los artistas tienen diferentes impresiones de la misma cosa. El individuo reconoce en él una característica distintiva basándose en su perspectiva única y se forma un concepto único del objeto físico. Tan pronto como este concepto se expresó en sus obras, añadió nuevas obras maestras al palacio del arte.
Por ejemplo, en el caso de la pintura italiana del Renacimiento se llegó al tema "Leida" derivado de la mitología griega. Vinci, Miguel Ángel y Croce lo hicieron. La Leda de Da·Finch tiene una mirada tímida, empapada de poesía producida por una alegría infinita; por el contrario, la "Leda" de Miguel Ángel está llena de un fuerte espíritu trágico, como una poderosa reina de una tribu luchadora, la "Leda" de Croce está embriagada con la dulzura del amor; , mostrando una profunda simpatía por la niña. ¿Cuál de estos tres cuadros te gusta más? ¿Qué característica es más avanzada? ¿Es la poesía de la alegría, el espíritu de la tragedia o la profunda simpatía? Desde la perspectiva, estas tres pinturas son exquisitos tratamientos artísticos del mismo tema desde diferentes perspectivas por parte de tres pintores. Estos tres ámbitos representan las partes principales de la naturaleza humana y representan las principales etapas del desarrollo humano, por lo que tienen características propias y tienen un valor importante en la creación de las artes plásticas.
En tercer lugar, del único camino al "todo vale"
La filosofía positivista concede gran importancia a la certeza, la claridad, el rigor y la "autenticidad" del conocimiento y aboga por un método que sea universalmente aplicable independientemente del tiempo o lugar, y si se puede "probar" que es consistente con el objeto es el único criterio para distinguir la ciencia de la no ciencia. Sin embargo, el contenido y el desarrollo de cualquier cosa son siempre más ricos y más "escurridizos" de lo que imaginan los científicos y metodólogos. Por ello, la filósofa posmoderna Faye Abend señaló que la ciencia no es la única forma de pensamiento y que el método científico defendido por el positivismo no es el único método de investigación. Si la gente quiere entender el mundo, debe utilizar cualquier concepto, cualquier medio y cualquier método. De hecho, sólo hay un principio que se debe seguir en todas las etapas del desarrollo humano, sin importar lo que se quiera. En general, no importa si el gato es blanco o negro, es un buen gato si caza ratones.
Como expresión de la filosofía posmoderna en el campo de las artes plásticas occidentales, la estética posmoderna apuesta por liberar las artes plásticas de las cadenas del formalismo, defender el emergente "arte popular" y enfatizar la importancia de la vida cotidiana. La “omnipresencia” del arte y el valor estético. El posmodernismo ha contribuido a esto. El pintor Oldenburg abandonó la pintura y pegó objetos sobre lienzos, y Wei Solman incorporó alfombras reales en sus pinturas, lo que no hizo más que destruir los límites artificiales en la creación artística.
En cuanto a si la obra de arte es consistente con el objeto real. Si la "teoría de la imitación" y la "teoría de la representación" en el arte pueden establecerse se puede ver en el ataque a la "Mona Lisa" por parte de los artistas posmodernos. Se puede decir que Mona Lisa es la reina de la copia en pinturas, pero solo unas pocas personas han visto el trabajo original. Ahora la gente no sabe nada sobre la propia Mona Lisa. Algunas son solo las primeras "copias" de Da & Middot Finch que allanaron el camino. artistas posmodernos representados por Duchamp para atacar a la Mona Lisa. Duchamp añadió un bigote debajo de la nariz de Mona Lisa y una perilla en la barbilla. Dado que la Mona Lisa original ya no existe y la gente moderna nunca la ha visto en persona, la "Mona Lisa" de Da Vinci y la "Mona Lisa" de Duchamp son copias y son todas imitaciones y reproducciones de las obras originales. Entonces, ¿cómo juzgar qué copia es una representación más verdadera y objetiva de la Mona Lisa? Obviamente, la "Mona Lisa" transgénero de Duchamp es una burla y una rebelión contra el concepto tradicional de "representación". La "Mona Lisa" de Andy Middot y Warhol utiliza el título del cuadro "Treinta son peores que uno" para transmitir el mensaje posmoderno de que copiar o recrear no sólo ha olvidado el "original" o el "origen", sino que ya no tiene ningún significado. Las mentes de las personas están abrumadas por la información en constante expansión y no tienen ni la fuerza ni el interés para emprender estas cosas. Lo único que pueden hacer es reproducir el proceso en sí.
En resumen, en cierto sentido, el pensamiento filosófico y la creación artística son muy similares, aunque las cosas que se crean son muy diferentes: ambos son "arte". Si la creación artística es la creatividad que sustenta las emociones humanas, entonces la filosofía es la creatividad que sustenta el pensamiento humano.
[Acerca del autor] Sun Dehui (1972-), mujer, nacida en Laiyuan, provincia de Hebei, es directora del Departamento de Diseño de Arte de la Facultad de Arte de la Universidad de Economía y Negocios de Hebei, Maestría en Bellas Artes, dedicada principalmente a la enseñanza y la investigación de la teoría estética y el diseño artístico; Chen Hui (1978-), mujer, de Handan, Hebei, es profesora de diseño artístico en la Facultad de Arte de la Universidad de Economía y Negocios de Hebei. Se dedica principalmente a la enseñanza e investigación de la teoría estética y el diseño artístico.
Sun Dehui y Chen Hui
Resumen: Discute la relación entre filosofía y arte La larga historia de la civilización humana y el arte ha sido influenciada por pensamientos filosóficos de principio a fin. Se puede decir que la creación artística y el pensamiento filosófico están indisolublemente ligados. Varias escuelas de pensamiento de la filosofía occidental han influido profundamente en el desarrollo de las artes plásticas occidentales. A partir de la creación de las artes plásticas occidentales, este artículo explora la relación entre el pensamiento filosófico y la creación artística desde tres vertientes: de la imitación de la verdad al "cambio de la verdad", de la perspectiva unidireccional al "perspectivismo", y del método único. a "de todos modos" Se llevaron a cabo análisis científicos y discusiones teóricas. El autor considera que aunque el pensamiento filosófico y la creación artística son muy diferentes, ambos son "arte".
[Palabras clave] Filosofía; creación artística; contacto
La filosofía, como forma cultural única, es resumen y síntesis de saberes naturales específicos, saberes sociales y saberes pensantes. papel rector y esclarecedor en el desarrollo de la sociedad, la ciencia y la cultura humanas. La larga historia de la civilización y el arte humanos ha estado influenciada por ideas filosóficas de principio a fin. En la práctica de las artes plásticas tradicionales chinas, la filosofía tradicional china está en todas partes. mdash&mdashLa esencia teórica del confucianismo, el taoísmo y el budismo ha formado una cultura artística con características orientales. Por supuesto, lo que aquí se discute principalmente es el pensamiento filosófico y la creación de las artes plásticas occidentales. Para las artes plásticas occidentales, desde el humanismo de la antigua Grecia hasta la teología religiosa de la Edad Media, desde el humanismo del Renacimiento y el racionalismo de Kant hasta el cientificismo moderno, el estructuralismo, la fenomenología, la Escuela de Frankfurt y el posmodernismo, Occidente ha tenido un profundo impacto en el desarrollo de las artes plásticas occidentales. La cosmología de Platón y la filosofía de Aristóteles dieron a la creación artística un estatus superior. Creen que la creación de arte es la creación de una imitación de la naturaleza. Se pensaba que la evolución del universo había tomado la forma de procesos materiales, del mismo modo que los escultores griegos presentaban la forma del cuerpo humano en mármol. Entonces su visión del mundo es casi la misma que la creación artística del artista.
Balzac dijo una vez: "Primero debes ser un filósofo profundo, como Molière, y luego escribir novelas". Si sus palabras se amplían un poco, es: "Primero debes ser un filósofo profundo, como Molière". , y luego escribir novelas ". Conviértete en un filósofo profundo y luego participa en la creación artística. Esto significa que la creación artística y el pensamiento filosófico están indisolublemente ligados.
Primero, de imitar la verdad a "cambiar la verdad"
Históricamente, la filosofía, como estudio de la sabiduría, ha prestado especial atención a la experiencia de la vida y a la iluminación de la sabiduría desde el principio. Sócrates en la antigua Grecia enseñó filosofía a través de discursos y debates, a los que llamó "partería espiritual"; la Academia de Atenas de Platón estaba llena de reflexión y discusión; Aristóteles y sus discípulos discutían cuestiones filosóficas mientras caminaban, bastante "despreocupados". Los antiguos sabios chinos también aprendieron y enseñaron filosofía de manera similar. Los aforismos de Laozi, las fábulas de Zhuangzi y las respuestas de Confucio a sus discípulos reflejan las características de invitar a la reflexión y abrir la sabiduría. A los ojos de muchos filósofos, "la teoría es gris, pero el árbol de la vida es siempre verde". Dado que la vida real es vívida y creativa, la relación entre el conocimiento y sus objetos sólo puede ser negociación y diálogo, en lugar de una relación unidireccional de "imitación" entre subjetividad y objetividad. Además, cualquier filosofía habla de un determinado valor, punto de vista o interés y, por supuesto, habrá otra filosofía que habla de un determinado valor, punto de vista o interés. Esto significa que la filosofía no sólo proporciona un modelo de vida que está destinado a ser así, sino que también proporciona una variedad de vidas para que las personas elijan. El objeto de la filosofía no son los hechos establecidos, sino el mundo que la filosofía está creando; preparándose para crear. En términos generales, la filosofía es el arte de crear ideologías, sistemas de valores, construir patrones de comportamiento y el significado de la vida. Esta filosofía de vida es el autoconocimiento de una persona y es creativa. Aquí la filosofía y el arte se han fusionado. De esto podemos sacar la conclusión de que la imitación absoluta de objetos no puede producir las obras de arte más hermosas. Por ejemplo, la fundición con un molde es la mejor manera de replicar el objeto real, pero de todos modos las buenas obras de fundición no son tan buenas como las estatuas terminadas. . Durante el juicio, el secretario puede registrar las palabras tanto de la acusación como de la defensa, pero la taquigrafía del secretario no es una obra de arte en sí misma y sólo puede proporcionar material original para el escritor. El pintor Danner utilizó una lupa para representar fielmente los retratos. Tenía arrugas en la piel, pequeñas vetas de sangre en las comisuras de las mejillas, manchas negras esparcidas en la nariz y vasos sanguíneos de color azul claro debajo de la epidermis.
Reprodujo casi todo en el rostro de la modelo, incluido el paisaje circundante, ¡que se convirtió en ojos brillantes! Pero las generaciones posteriores comentaron: "¡Un boceto audaz de Van Dyck es cien veces más poderoso que el retrato de Dana!" En la expresión creativa de las artes plásticas occidentales, algunas obras incluso son deliberadamente inconsistentes con la realidad. Una estatua suele tener un solo tono, ya sea bronce o mármol, y los ojos de la estatua no tienen globos oculares, pero es el tono único y la indiferencia de la expresión los que constituyen la belleza única de la estatua. Por el contrario, en las coloridas estatuas de las iglesias de Nápoles y España, los santos visten túnicas reales, con caras delgadas y amarillas, exactamente en línea con el color de la piel de los ascetas, las manos manchadas de sangre y las cinturas perforadas son, en efecto, símbolos del sufrimiento; Debido a que son extremadamente realistas, no solo no brindan a las personas el disfrute de la belleza, sino que en realidad las hace sentir enfermas.
Además, las obras de arte reales cambian las relaciones más reales. Por ejemplo, Miguel Ángel creó cuatro estatuas de mármol en la tumba de Tichi en Florencia. En dos hombres, y especialmente en una mujer medio dormida, las proporciones de las partes son marcadamente diferentes a las de una persona real. En Italia se pueden ver mujeres jóvenes y hermosas bien vestidas, gente del campo altiva y de ojos brillantes, y modelos generosas en los estudios de pintura, pero ningún hombre o mujer real puede igualar los héroes enojados y las penas que se muestran en los templos de las vírgenes gigantes de los Medici. . La tipicidad de Miguel Ángel se encuentra en su propio carácter. Como persona solitaria, reflexiva, amante de la justicia, generosa y excitable, después de haber sido oprimida por el fraude y la opresión, la tiranía y la injusticia, su gran corazón y su dolor se expresaron plenamente en el arte, escribió Mi Angelo en el pedestal de la Estatua Durmiente. : "Mientras haya sufrimiento y humillación en el mundo, el sueño es dulce. Sería mejor si pudieras convertirte en una piedra testaruda. No ver nada, nada. Es mi bendición no sentirlo tampoco, así que no me despiertes". ¡Ah, habla en voz baja!" Inspirado por este sentimiento, creó estos cuerpos. Para expresar esta emoción, cambió las proporciones normales, alargó el torso y las extremidades, inclinó la parte superior del cuerpo hacia adelante y tenía los ojos especialmente hundidos. Las arrugas de su frente eran como las de un león con cejas y ojos. Sus hombros enfrentaban músculos superpuestos, y los tendones y la columna de su espalda estaban retorcidos en una maraña, tensos como un cable de hierro que estaba demasiado estirado y estaba a punto de romperse. Es precisamente debido a los cambios de proporciones normales de Miguel Ángel y su dinámica en el estado cristalino que logró el efecto de "Mo Yan tiene un corazón de piedra y un corazón de sangre hirviendo", lo que hace de este grupo de esculturas una obra maestra famosa.
2. De la perspectiva unidimensional a la "perspectiva"
El perspectivismo es una importante tendencia metodológica filosófica popular en el Occidente contemporáneo y una parte importante de la tendencia de pensamiento posmoderno. Según la definición del Diccionario de Pensamiento Moderno de Fontana, una perspectiva en filosofía es "la visión de que existen muchos sistemas de conceptos o suposiciones alternativos, mutuamente desiguales, cada uno de los cuales puede explicar el mundo, y que no existe un método autorizado de selección". ". La característica metodológica fundamental del perspectivismo es que abandona puntos de vista fijos, defiende el pluralismo y la multifacética, y cree que la explicación del mundo debe ser pluralista y multidimensional, es decir, multifacética en lugar de unidimensional y unidimensional. dimensional.
Treinta años después, la influencia del perspectivismo no se ha desvanecido con el paso del tiempo, sino que ha trascendido la torre de marfil de la filosofía y se ha extendido a todos los campos del pensamiento y la cultura. Un filósofo utilizó una vez la comprensión que la gente tenía del cubo para expresar la idea del perspectivismo. Señaló: Por definición, un cubo tiene seis lados, pero en realidad nadie puede verlos al mismo tiempo, y estos seis lados nunca pueden aparecer frente a nosotros al mismo tiempo. Cuando decimos "esto es un cubo", en realidad hay más en él de lo que podemos ver aquí y ahora. Es decir, si le damos la vuelta, vemos varias caras más. Aquí juegan un papel las experiencias pasadas o futuras. Lo que se nos aparece y nos ofrece significado nunca podrá revelarse plenamente en todos sus aspectos al mismo tiempo. Por tanto, debemos ver la realidad como un sistema dinámico en constante cambio que permite y promueve diferentes perspectivas para percibir, interpretar y crear objetos. La unidad es la necesidad de la inercia y la polisemia es la señal de la sabiduría. La percepción desde cualquier perspectiva no tiene derecho a afirmar que es la única verdad, porque las viejas percepciones siempre contienen la posibilidad de ser negadas por nuevas percepciones, y la verdad de hoy también contiene el peligro de ser anulada y convertirse en pasado. Así que no hay ninguna verdad en la que estén de acuerdo tanto el dogmatismo como el escepticismo. La verdad se define en su devenir, su propia modificación y trascendencia.
En la creación de la pintura y las artes plásticas occidentales una misma temática puede ser tratada de una determinada manera, de manera contraria o cualquier forma intermedia diferente a ambas. Debido a diferencias de raza, temperamento, educación y cultura, los artistas tienen diferentes impresiones de la misma cosa. El individuo reconoce en él una característica distintiva basándose en su perspectiva única y se forma un concepto único del objeto físico. Tan pronto como este concepto se expresó en sus obras, añadió nuevas obras maestras al palacio del arte. Por ejemplo, en el caso de la pintura italiana del Renacimiento se llegó al tema "Lida" derivado de la mitología griega. Vinci, Miguel Ángel y Croce lo hicieron. La Leda de Da·Finch tiene una mirada tímida, empapada de poesía producida por una alegría infinita; por el contrario, la "Leda" de Miguel Ángel está llena de un fuerte espíritu trágico, como una poderosa reina de una tribu luchadora, la "Leda" de Croce está embriagada con la dulzura del amor; , mostrando una profunda simpatía por la niña. ¿Cuál de estos tres cuadros te gusta más? ¿Qué característica es más avanzada? ¿Es la poesía de la alegría, el espíritu de la tragedia o la profunda simpatía? Desde la perspectiva, estas tres pinturas son exquisitos tratamientos artísticos del mismo tema desde diferentes perspectivas por parte de tres pintores. Estos tres ámbitos representan las partes principales de la naturaleza humana y representan las principales etapas del desarrollo humano, por lo que tienen características propias y tienen un valor importante en la creación de las artes plásticas.
En tercer lugar, del único camino al "todo vale"
La filosofía positivista concede gran importancia a la certeza, la claridad, el rigor y la "autenticidad" del conocimiento y aboga por un método que sea universalmente aplicable independientemente del tiempo o lugar, y si se puede "probar" que es consistente con el objeto es el único criterio para distinguir la ciencia de la no ciencia. Sin embargo, el contenido y el desarrollo de cualquier cosa son siempre más ricos y más "escurridizos" de lo que imaginan los científicos y metodólogos. Por ello, la filósofa posmoderna Faye Abend señaló que la ciencia no es la única forma de pensamiento y que el método científico defendido por el positivismo no es el único método de investigación. Si la gente quiere entender el mundo, debe utilizar cualquier concepto, cualquier medio y cualquier método. De hecho, sólo hay un principio que se debe seguir en todas las etapas del desarrollo humano, sin importar lo que se quiera. En general, no importa si el gato es blanco o negro, es un buen gato si caza ratones.
Como expresión de la filosofía posmoderna en el campo de las artes plásticas occidentales, la estética posmoderna apuesta por liberar las artes plásticas de las cadenas del formalismo, defender el emergente "arte popular" y enfatizar la importancia de la vida cotidiana. La “omnipresencia” del arte y el valor estético. El posmodernismo ha contribuido a esto. El pintor Oldenburg abandonó la pintura y pegó objetos sobre lienzos, y Wei Solman incorporó alfombras reales en sus pinturas, lo que no hizo más que destruir los límites artificiales en la creación artística.
En cuanto a si la obra de arte es consistente con el objeto real. Si la "teoría de la imitación" y la "teoría de la representación" en el arte pueden establecerse se puede ver en el ataque a la "Mona Lisa" por parte de los artistas posmodernos. Se puede decir que Mona Lisa es la reina de la copia en pinturas, pero solo unas pocas personas han visto el trabajo original. Ahora la gente no sabe nada sobre la propia Mona Lisa. Algunas son solo las primeras "copias" de Da & Middot Finch que allanaron el camino. artistas posmodernos representados por Duchamp para atacar a la Mona Lisa. Duchamp añadió un bigote debajo de la nariz de Mona Lisa y una perilla en la barbilla. Dado que la Mona Lisa original ya no existe y la gente moderna nunca la ha visto en persona, la "Mona Lisa" de Da Vinci y la "Mona Lisa" de Duchamp son copias y son todas imitaciones y reproducciones de las obras originales. Entonces, ¿cómo juzgar qué copia es una representación más verdadera y objetiva de la Mona Lisa? Obviamente, la "Mona Lisa" transgénero de Duchamp es una burla y una rebelión contra el concepto tradicional de "representación". La "Mona Lisa" de Andy Middot y Warhol utiliza el título del cuadro "Treinta son peores que uno" para transmitir el mensaje posmoderno de que copiar o recrear no sólo ha olvidado el "original" o el "origen", sino que ya no tiene ningún significado. Las mentes de las personas están abrumadas por la información en constante expansión y no tienen ni la fuerza ni el interés para emprender estas cosas. Lo único que pueden hacer es reproducir el proceso en sí.
En resumen, en cierto sentido, el pensamiento filosófico y la creación artística son muy similares, aunque las cosas que se crean son muy diferentes: ambos son "arte". Si la creación artística es la creatividad que sustenta las emociones humanas, entonces la filosofía es la creatividad que sustenta el pensamiento humano.
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