Frederic Francis Chopin Frederic Francis Zeke Chopin (1810-1849). A este gran músico polaco le gusta la música folclórica polaca desde pequeño. Escribió "Polonesa" a los siete años y la interpretó a los ocho. Antes de los veinte años ya era un pianista y compositor reconocido en Varsovia. La segunda mitad de su vida coincidió con la caída de Polonia. Pasó un tiempo en el extranjero y compuso muchas obras patrióticas para piano para expresar su nostalgia y sus sentimientos de subyugación. Entre ellas se encuentran obras heroicas relacionadas con la lucha de liberación nacional de Polonia, como "Primera narrativa" y "Polonesa en la bemol mayor". Hay obras de combate llenas de entusiasmo patriótico, como el Estudio Revolucionario y el Scherzo en si menor; hay obras trágicas que lamentan el destino de la patria, como la Sonata en si bemol menor; también hay obras de fantasía que añoran la patria y; familiares, como muchos nocturnos y fantasías. Chopin se ganó la vida con el piano durante toda su vida, y casi todas sus creaciones fueron música para piano, por lo que fue llamado el "piano poeta". A menudo recaudaba dinero para actuar para compatriotas en el extranjero, pero no estaba dispuesto a actuar para los nobles. En 1837, rechazó severamente el puesto de "pianista jefe de Su Majestad el Emperador de Rusia" concedido por Rusia. Vivió una vida muy solitaria en sus últimos años y dolorosamente se llamaba a sí mismo un "huérfano polaco lejos de su madre". Antes de morir, pidió a sus familiares que transportaran su corazón a su patria.
Entre los músicos y compositores de todas las épocas, Chopin es el único maestro que concentró su creación en la música para piano. Dedicó todo su talento y energía al teclado y, a los veinte años, había formado por completo su propio estilo. Le dio imaginación al teclado y creó un mundo completamente nuevo dentro de estos pequeños límites. Entonces, cuando sus obras para piano se reescriben para orquesta, suenan igual de bien, si no mejor. Pero Chopin no intentó imitar a la orquesta en el piano. Podía expresar la música mejor en el piano que en cualquier otro instrumento. En su interpretación, también creó un método de interpretación más expresivo. Una limitación del piano es que no se puede tocar un tono sostenido durante mucho tiempo, pero Chopin superó esta limitación utilizando inteligentemente homófonos repetidamente. Utiliza pedales para mantener continuos los acordes distantes del bajo, creando notas melódicamente cautivadoras. En su música, delicados adornos (trémolos, notas decorativas, frases de transición) extienden milagrosamente esos tonos. Todo está siempre dispuesto de forma natural y la música parece cantar sola.
La creación de Chopin se puede dividir en cuatro períodos, a saber, el período de Varsovia, el período del Levantamiento de Varsovia, el apogeo de París y el período posterior.
Salvo algunas obras, las creaciones del período de Varsovia no ocuparon un lugar muy importante en toda la creación de Chopin. Pero es el punto de partida de la creación de la vida de Chopin y ya brilla con el brillo del sentimiento y el estilo nacionales. La vida en Varsovia era agradable para Chopin, por lo que el tono de sus obras durante este período fue optimista y alegre. Sin embargo, debido a la edad y la experiencia, la profundidad ideológica de sus obras durante este período fue limitada. Mientras estudiaba en el Conservatorio, no sólo participó en la vida musical de Varsovia, sino que también tuvo amplio contacto con algunos escritores y poetas progresistas. Fue durante este período que Chopin estuvo profundamente influenciado por la liberación nacional y el romanticismo literario. Esto sentó las bases para que se convirtiera en un músico nacionalista. Las obras más importantes de este período son los dos conciertos para piano compuestos en 1830. El tema del último movimiento del Segundo Concierto para piano es un estilo de mazurca simple y hermoso, mientras que el tema del último movimiento del Primer Concierto para piano es una melodía fuerte y áspera con un fuerte estilo Krakoviak.
Durante el Levantamiento de Varsovia, la creación de Chopin dio un salto. El Scherzo en si menor fue compuesto durante mi estancia en Viena. El entusiasmo patriótico suscitado por el levantamiento se entrelaza con el anhelo por los familiares en la patria, formando un poema a la vez severo y tierno. El "Estudio en do menor" (también conocido como "Estudio revolucionario") y el "Preludio en re menor" se compusieron después de conocer la caída de Varsovia y lograron una unidad perfecta de ira y dolor con formas de arte estrictamente entrenadas y se convirtieron en los de Chopin. Una obra maestra de la creación musical antigua. Al mismo tiempo, el Preludio en la menor está lleno de confusión y la concepción musical es extraña y novedosa.
En el apogeo de la creación de París, su profunda connotación nacional, su forma de arte original y su hábil estilo musical hicieron que su arte fuera perfecto. Sus creaciones abarcan diversos géneros de música para piano, desde estudios, preludios, mazurcas, polonesas, nocturnos, valses, improvisaciones, hasta baladas, scherzos y sonatas más complejas, consiguiendo fructíferos resultados artísticos. La polonesa es el género más intenso en la creación de Chopin durante este período.
La tendencia de centrarse en los magníficos efectos externos en los primeros bailes polonesos fue reemplazada por un profundo y fuerte espíritu nacional y un estilo artístico simple, decidido y audaz. La Polonesa en La bemol mayor es la pieza musical más decidida, heroica, magnífica y solemne de este tipo. El ritmo del tema es decisivo y poderoso, la melodía es cálida y heroica, y la armonía del modo mayor es clara, encarnando la imagen de un héroe nacional indomable.
La creación posterior mostró una evidente tendencia a la baja. "Fantasy Polonesa" es una obra importante de este período. La Mazurka en sol menor y la Mazurka en fa menor son las dos últimas obras de Chopin. La primera es una canción amable y cálida que expresa el último apego a la vida; la segunda expresa los últimos pensamientos para los familiares en la patria con un toque de tristeza.
Chopin es uno de los grandes compositores melódicos de la cultura musical. Cuando se trata de creación de melodías, tenemos que pensar en Chopin. Fue músico nacional y su fervor patriótico se vio reflejado en muchas de sus obras. Por ejemplo, su primera balada, su estudio "Revolución", es muy representativa. En el artículo de Schumann hay una frase: "...las obras de Chopin son cañones escondidos en flores". En su música floral con fuertes colores nacionales y democráticos, hay suficientes ingredientes para despertar el entusiasmo del pueblo polaco. En sus obras hay tanto entusiasmo patriótico como elementos musicales nacionales. Esto no sólo se refleja en su patriotismo, sino también en sus creaciones, que están llenas de la singularidad de la música nacional polaca. Las características generales de la música de Chopin son la sinceridad, el entusiasmo, la suavidad, la amplitud y el cantabile, que están en consonancia con las características de la música nacional eslava. Además, no es difícil descubrir que Chopin suele utilizar diversas variaciones melódicas en sus obras musicales. Se utilizan más variaciones para el desarrollo, lo que también es una característica importante de la música folclórica polaca (como las variaciones).
Las características mencionadas anteriormente sólo reflejan el carácter nacional de la música de Chopin, pero su característica más importante en la creación de melodías es la combinación perfecta de música vocal y música instrumental. (Esto bien puede probar la originalidad de la música de Chopin) En la música popular polaca, tanto la música vocal como la instrumental son populares. Sus canciones populares son monofónicas, a menudo con un acompañamiento sencillo, y los tonos instrumentales a menudo impregnan las canciones populares. Chopin aprovechó esta característica. En su música, muchas melodías se convierten libremente del modo de canción al modo de música instrumental, o el modo de música instrumental se reemplaza por música vocal. La prueba más contundente de la combinación de canto y música instrumental son las baladas de Chopin.
El valor ideológico de la música de Chopin es alto porque refleja un aspecto de la tendencia general del movimiento nacional burgués europeo en las décadas de 1930 y 1940, gritando la airada resistencia de la nación polaca oprimida y esclavizada. La música de Chopin tiene un fuerte estilo nacional polaco. Su actitud hacia la música folklórica es muy seria. Se opone a la curiosidad y no se deja limitar por ella. Siempre intenta comprender las características de la música folklórica y recrearla. Tenía un profundo conocimiento y dominio de las experiencias y logros obtenidos en los métodos de creación musical en Europa occidental en ese momento, y los utilizó como punto de partida para su propia creación, haciendo así de su música una forma de arte rigurosa y completa que está profundamente conectada. con la tradición clásica. Atrévete a romper con valentía la tradición y sé valiente en la innovación. Esto se refleja especialmente en su profunda exploración y enriquecimiento de las potenciales expresiones artísticas de una serie de géneros musicales como preludios, estudios, baladas, nocturnos, improvisados y scherzos, dándoles un nuevo contenido social. Sus melodías tienen un alto grado de expresión emocional y están llenas de personalidad; su lenguaje armónico es novedoso y atrevido, y sus texturas pianísticas son delicadas y coloridas. Todos estos factores se combinaron para formar el estilo novedoso y único de Chopin, que contribuyó al desarrollo histórico de la música europea.
Sobre la expresión artística y el atractivo de la interpretación del Erhu
Con el desarrollo de la música nacional, el Erhu, un instrumento musical tradicional, se está volviendo cada vez más popular entre la gente. Tiene las características de un hermoso timbre, un fuerte lirismo y una rica expresividad. Es uno de los principales instrumentos de cuerda de China y desempeña un papel importante en solista, conjunto y acompañamiento.
Cada intérprete de erhu espera utilizar excelentes habilidades para tocar hermosos sonidos y mostrar un arte perfecto, profundo y conmovedor. Entonces, ¿cómo podemos trabajar duro para lograr el efecto ideal? Este artículo intenta hablar sobre la expresión artística y el atractivo de tocar Erhu desde la perspectiva de la experiencia de tocar Erhu.
La sensación sonora de los movimientos
Los movimientos son la clave para el dominio de las habilidades, la base de una formación técnica integral y el medio básico de expresión musical en la interpretación. Por tanto, que los movimientos estén estandarizados o no afecta directamente al rendimiento. La sensación de movimiento es la inducción psicológica de los movimientos de ambas manos: primero, la sensación de la forma de la mano izquierda, es decir, naturalmente relajada, con la palma hacia abajo.
Los cuatro dedos del sonido deben estar doblados hacia abajo, los dedos deben ser independientes y la fuerza de los dedos debe ser flexible. El segundo es la sensación de la fuerza ejercida por la mano derecha, es decir, la dirección de la fuerza y la longitud; del arco. El punto de fuerza que se forma al sujetar el arco con cuatro dedos es de hombro a hombro, creando una especie de presión y contrapresión. Al tocar las cuerdas internas y externas, debe tener la sensación de que la palma interna es convexa y la palma externa es convexa.
En la interpretación de música, el cerebro domina todo el proceso de convertir los sentimientos musicales en movimientos. En este momento, es necesario sentir el sonido con el corazón, evitar movimientos nerviosos o innecesarios y encontrar la sensación de dominar la presión del arco y los movimientos coordinados de las manos izquierda y derecha. Por ejemplo, al realizar un levantamiento rápido del arco para cambiar las cuerdas, la acción de levantamiento del arco se puede dividir aproximadamente en "activo con los dedos", "activo con el antebrazo" y "combinación de dedos y muñeca", lo que puede hacer que las personas se sientan cómodas y relajadas al tiempo que garantiza el sonido. calidad.
Sentimiento tímbrico de la técnica
La técnica es la coordinación y aplicación de los movimientos de ejecución. La llamada experiencia técnica del timbre se refiere a la capacidad del intérprete para responder a obras musicales. Los timbres producidos por diferentes técnicas son diferentes. La posibilidad de reproducir o no cambios tímbricos ricos depende del dominio técnico del intérprete bajo el control de su mente. El timbre de Erhu es rico y diverso, involucrando varios portamentos, tonos decorativos, cuerdas suaves, cambios de arco, etc. Estas técnicas suelen aparecer en muchos estilos musicales en diferentes combinaciones, haciendo que la interpretación sea más expresiva.
Hegel tiene un dicho famoso: "Sólo cuando la connotación espiritual se expresa de manera apropiada en forma de sonido organizado, la música puede convertirse en un verdadero arte". Esta frase muestra que el arte radica en la viveza, la tecnología radica en el ingenio y la aplicación de la tecnología se basa principalmente en la sensación de jugar. Sólo cuando los intérpretes combinan hábilmente técnicas para expresar la connotación de la música de acuerdo con los requisitos de las obras musicales y utilizan timbres cambiantes para revelar el mundo emocional interno de las personas, pueden encarnar la forma perfecta de arte musical. Las características tímbricas del erhu incluyen grueso y grueso, fino y claro, redondo y liso, oscuro y brillante, etc. Desde la perspectiva de la tecnología de interpretación, el uso de diferentes timbres no es único: duro, ligero, fino, profundo, seco, pleno y nítido, todos ellos pueden combinarse y convertirse según las necesidades de la expresión artística. Por lo tanto, los intérpretes deben comprender los siguientes puntos cuando se enfrentan a cambios de timbre en la música: Primero, deben dominar los conceptos auditivos y las técnicas correspondientes de diferentes timbres, lo que requiere que los intérpretes mejoren continuamente su capacidad para distinguir diferentes timbres. En segundo lugar, al interpretar, primero se debe aclarar el fondo, el tema, la melodía y las características de la música, y luego considerar cómo utilizar las técnicas correspondientes para expresarla. Los intérpretes deben concentrarse en comprender y utilizar técnicas apropiadas en el procesamiento de tonalidades y melodías de acuerdo con los diferentes estilos, concepciones artísticas y tonos de la música, para crear una imagen musical vívida. Los diferentes cambios musicales surgen de los métodos de ejecución correspondientes. Algunos intérpretes no consideran el estilo y la concepción artística de la música al tocar, y no comprenden ni aprecian completamente los efectos acústicos de las técnicas de ejecución. ¿Cómo puede una reacción tan mecánica expresar la expresión artística y el atractivo de la música? Como excelente intérprete de erhu, mientras se concentra en el entrenamiento técnico, también debe fortalecer el estudio en profundidad del timbre del erhu y una comprensión profunda de la música, para que pueda encontrar con precisión la sensación de interpretación y hacer que su interpretación sea más poderosa.
La sensación psicológica de respirar
La gente en la industria suele decir: "Si ajustas tu respiración adecuadamente, sabrás que está llena de diversión, de hecho, la expresión emocional". Durante la interpretación y el ritmo interno de la música tienen un profundo impacto en el sonido. El dominio de la respiración está directamente relacionado con el uso de la respiración. Ya sea que esté aprendiendo música vocal o instrumentos musicales, si ingresa al estado al cantar o tocar depende de cómo use la respiración. El llamado aliento es encanto. Sólo dominando la clave de la melodía musical se podrá reflejar su connotación única. Cada intérprete diseñó y manejó cuidadosamente el sentido de la respiración durante el proceso musical. Música con diferentes estilos y connotaciones presenta diferentes perspectivas espirituales. Se puede observar que en el proceso de tocar música, el uso de la respiración es extremadamente importante para el intérprete y es una condición necesaria para mejorar la expresión musical. Implica el control de la intensidad, el tono de la frase, el flujo de la melodía y la expresión interna de la voluntad.
La sensación de respirar (respiración) depende de la comprensión y sensación de la música. El uso de la respiración en la interpretación está restringido por muchos factores como el contenido musical, el ritmo, la intensidad, la velocidad, la técnica de interpretación, etc., y se adapta a las necesidades de la interpretación. Si la respiración se utiliza correctamente, puede brindar a las personas una sensación vívida, precisa y suave. Dependiendo del tono de la música, la sensación de la respiración puede dominar la posición de las manos. En otras palabras, el uso de la respiración está estrechamente relacionado con la forma y el movimiento. En términos de forma de ejecución, como abrir y cerrar las manos, expandir y cerrar los brazos y apretar y tensar la parte superior del cuerpo, todos están coordinados con la respiración, la apertura y la inhalación, la expansión y la absorción, la activación y la inhalación. . La interpretación de la respiración en la música se refleja principalmente en el principio, el final de las frases, la conexión entre cláusulas, así como los cambios de peso y las diferentes sílabas.
Solo la práctica continua y la experiencia pueden ayudar a estimular el entusiasmo de los jugadores. Algunas personas tienen buenas habilidades y habilidades básicas, pero a menudo hay interrupciones al tocar música, por lo que no pueden expresar la música por completo. El principal problema es la falta de una capacidad de pensamiento musical duradera y de la sensación respiratoria y psicológica para expresar emociones musicales.
La actuación de Erhu tiene su propia expresión artística y atractivo únicos. Como intérprete, no sólo debes tener sólidas habilidades básicas y una base teórica, sino también una gran capacidad de innovación musical. La interpretación de la música proviene de la sensación del sonido. Sólo cultivando y perfeccionando los diversos sentimientos al tocar Erhu durante el proceso de aprendizaje y práctica se puede mejorar continuamente la capacidad del intérprete para controlar el trabajo y lograr el efecto de interpretación ideal.