Sección 1, La crisis del academicismo.
La esencia del modernismo es una respuesta a los cambios sociales, políticos y económicos, y también es una actividad innovadora crítica. Ángel es el pintor representativo del neoclasicismo después de David, pero ya ha iniciado el proceso de modernización artística. El romanticismo francés, con Delacroix como núcleo, creció en la lucha contra el academicismo y el clasicismo. Destacan la fantasía y la pasión artística, la expresión de la emoción y la personalidad, y el contraste entre colores y tonos. Para Courbet, el principio más elevado del realismo es representar la realidad de la vida. Un verdadero artista es una persona que pertenece a su época y que capta con precisión sus propias características. Manet, por otra parte, era consciente de una burla más profunda de las causas tradicionales.
Uno, ángeles
Aprende de la naturaleza. La confianza de Angel en la verdadera naturaleza lo llevó a anular las advertencias de David, cultivando el potencial para el nacimiento del realismo. No sólo enfatiza la importancia y necesidad de imitar la naturaleza, sino que también cree que los verdaderos artistas deben tener considerable independencia y juicio frente a la naturaleza.
La belleza del arte proviene de la recopilación de tipicidad, y la realidad del arte proviene de darle a la tipicidad un verdadero poder expresivo y la percepción del pensamiento del artista, de modo que la obra se origina en la naturaleza y es superior a naturaleza.
Aprende de la tradición. La inspiración para pintar también es indispensable.
Dibujar y colorear. Escuela de bocetos.
En segundo lugar, Delacroix
El origen de los temas de la pintura. Buscar temas pictóricos de los antiguos círculos griegos y romanos es de lo más estúpido. Lo inteligente es vagar por el mundo de los libros e inspirarse, y luego dibujar cuadros guiados por la imaginación y la inspiración.
Sobre la imaginación. Trató la pintura como un tema literario y el romanticismo como un movimiento de la imaginación. Destacó el valor espiritual de la pintura, reduciendo así el enfoque en la pintura misma. Coloca la realidad que constituye su obra de arte en un sistema de valores simbólicos y concede gran importancia a su imaginación con una actitud casi fanática. La imaginación es en realidad un espíritu, la exploración que el artista hace de la naturaleza y la vida, que se relaciona y formaliza en la pintura, y es la materialización de un pensamiento que eventualmente pertenecerá a un sistema filosófico. Sólo la expresión de los pensamientos solidificados en el lienzo es la más valiosa. En cuanto a los elementos puramente formales, no son más que nubes pasajeras.
Dibujar y colorear. La imaginación siempre se logra con la ayuda de sus colores. Si Delacroix siguió el instinto y el impulso al dibujar, entonces siguió una ciencia rigurosa en el color.
En tercer lugar, Courbet
En la confrontación entre el arte de vivir y la falsedad del clasicismo y la fantasía del romanticismo, los realistas enfatizan la autenticidad del arte y exigen que el arte debe reflejar la apariencia y características originales de la vida, y se defiende que la pintura sólo puede expresar lo que los ojos pueden ver directamente. Un verdadero artista es aquel que capta con precisión sus propias características en su propia época.
Volumen y color. Su técnica de capas gruesas permite que los colores se complementen entre sí, acercándose a una nueva forma moderna de sentir, presagiando la llegada de una nueva era del arte.
La importancia de la individualidad y la libertad para el arte. Lucha por la libertad de pensamiento al pintar. Creía que el único juez de la evaluación de la pintura era el propio artista. El artista no pinta teniendo en mente los principios del arte por el arte. Es sólo un pintor, un pintor que pinta para expresar sus pensamientos.
Cuatro, Manet
Subvertir la tradición. Usó temas y tradiciones para romper las formas aceptadas. Es un innovador en el verdadero sentido de la palabra, basado en la tradición y contra la tradición.
Crítica de la Naturaleza. Sin la naturaleza, no puedes dibujarla y no puedes inventarla. Obtenido de la naturaleza, profundizado y mejorado sobre la base de la naturaleza, y finalmente reveló los secretos artísticos y la esencia natural detrás de la naturaleza.
Sección 2, Impresionismo.
En primer lugar, Monet, el padre del impresionismo, es la encarnación más perfecta de la expresión de la luz externa y la revolución del color en el arte.
El estudio de la luz. La combinación de luz y color hace que la imagen brumosa sea más audaz e innovadora.
Olvídate del objeto que tienes delante. Son sólo bloques de color.
Alucinación real. Las pinturas de Monet encarnan dos intenciones: la autenticidad visual y la naturaleza decorativa de la belleza inherente de las cosas. Los bloques de color y las pinceladas vuelven a tener su propia lógica, sugiriendo alguna expresión técnica personalizada. En la pintura, la naturaleza no es sólo el objeto a estudiar, sino también la salida del objeto mismo.
Conversión de identidades subjetivas y objetivas. El talento de los pintores impresionistas reside en cambiar constantemente sus tarjetas de identidad subjetivas y objetivas. No es una representación completamente objetiva de las cosas, sino producto de la tensión entre subjetividad y objetividad. Es una "cosa inconsciente" primitiva, pura y real. No hay color en la naturaleza, todo es producto de la luz.
2. Cezanne - el padre de la pintura moderna
La práctica precede a la teoría. Decidí trabajar tranquilamente hasta el día en que pensé que teóricamente podía defender mi exploración.
La relación entre pintura y naturaleza. La base de sus pinturas es la naturaleza más que la teoría. No aboga por capturar los cambios instantáneos de luz y color de la naturaleza como lo hicieron los pintores impresionistas, sino que espera mostrar la estructura de la naturaleza y realizar un análisis subjetivo y un resumen de la naturaleza. Procesar objetos utilizando conos, esferas y cilindros. Considera el sentido del espacio en la pintura tradicional como un pseudosentido del espacio y aboga por utilizar el color mismo para reemplazar el sentido del espacio y expresar el sentido de profundidad. Al mismo tiempo, la luz exterior que expresa la sensación de espacio ya no existe, y la luz del cuadro también debe realizarse a través del reflejo mutuo de los colores.
Tercera parte, Simbolismo
Primero, Baudelaire, el alma del Simbolismo.
La teoría del simbolismo.
El simbolismo nació en oposición al realismo, especialmente al naturalismo de Zola. Originalmente fue solo un movimiento literario que se originó en París. Posteriormente penetró en otros países y otros campos del arte.
El simbolismo consiste en expresar sueños. No niegan el mundo objetivo, pero creen que hay un mundo espiritual más allá del mundo objetivo. Y este mundo espiritual también es necesario para la supervivencia humana.
Sobre la modernidad del arte. Cree que el arte es moderno y que no existe una belleza eterna absoluta. Más bien, la belleza absoluta y eterna es simplemente una abstracción destilada de las diferentes expresiones generales de la belleza. La razón por la que esos destacados retratos se han transmitido hasta el día de hoy es porque se vestían con la ropa de la época. Su postura, ojos y sonrisas también pertenecen a esa época, por lo que todo el cuadro es perfecto y armonioso.
En segundo lugar, Paul Gauguin
Teoría de la integración. La idea básica de la teoría integral del arte de Bonnet es que la imaginación mantiene la forma básica de las cosas, y esta forma básica es la simplificación de las imágenes perceptivas. La memoria sólo puede retener lo que es significativo, simbólico en algún sentido. Gauguin decía que los impresionistas pintaban lo que había debajo de la nariz, no las cosas misteriosas en lo más profundo del alma. No dibujes demasiado, el arte es una abstracción. Simplemente navegamos en el barco del alma con una imaginación imperfecta, y se puede reflexionar más sobre el tiempo y el espacio infinitos. Los árboles deben ser lo más verdes, sombreados y azules posible sin estar limitados por el realismo.
Sobre el arte primitivo, quiero deshacerme de la influencia de la civilización. Sólo quiero hacer arte muy simple.
Tres. Van Gogh
La pintura expresa alma y emoción. Van Gogh creía que la pintura académica del cuerpo humano y sus proporciones eran impecables pero sin vida. Lo más importante en la pintura era expresar el alma. Los pintores deben pintar lo que les conmueve.
El dibujo debe ser realista. Pero la verdad de la que habló Van Gogh no fue el enfoque naturalista defendido por Zola. Utiliza formas y colores para expresar sus verdaderos sentimientos sobre las cosas que pinta. Convenía a su propósito, exageraba la apariencia de las cosas.
En cuarto lugar, Aurel
Creía que hay dos tendencias opuestas en el arte, el realismo y el idealismo. El objetivo del realismo es representar la apariencia física y sensorial de las cosas. El idealismo es más puro y elevado, y el arte más elevado sólo puede ser el idealismo. Expresar ideas en un lenguaje especial.
El arte conceptual es arte real y absoluto.
Resumió la estética del simbolismo en cinco puntos.
Es ideológico porque su único ideal es la expresión de ideas y conceptos.
Es simbólico porque expresa ideas a través de diversas formas y símbolos.
Es integral porque muestra estas formas y marcas a través de técnicas universalmente comprensibles.
Es subjetivo, porque lo que se describe no puede ser considerado como un objeto, sino como una existencia ideológica vista subjetivamente.
Es decorativo. En sentido estricto, es como una pintura decorativa concebida por los egipcios, griegos y pueblos primitivos. Una expresión artística subjetiva, integral, simbólica e ideológica.
Cuarta parte, la estética de Ruskin.
1. “Pintores modernos” de Ruskin
Crítico de arte británico.
El dibujo debe ser realista. El buen arte rara vez se imita. La primera es observar los hechos y la segunda es mostrar el diseño y la autoridad de la persona al contar los hechos. El arte sólo puede existir en estas dos unidades.
Oponerse a los estereotipos artísticos. El impresionismo quería expresar los cambios en la luz y las sombras naturales, y las impresiones de Loggins se basaban en un conocimiento integral. Para pensar en la racionalidad natural, los artistas necesitan revelar los misterios de la naturaleza a través de obras artísticas. Este proceso es también como un proceso de demostración científica.
La contradicción en la filosofía estética de Loggins es, por un lado, distinguir entre belleza y realidad, y revelar las fuerzas impulsoras de la historia y la naturaleza a partir de los resultados de observaciones científicas. La belleza, en cambio, se define como un concepto puro, el reflejo del alma humana hacia Dios. Es producto del arte para la economía y la política, así como para la espiritualidad y el medio ambiente.
En segundo lugar, las opiniones de William Morris
Las opiniones de Loggins también influyeron en el diseño británico. William Morris fue el más capaz de incorporar las opiniones artísticas de Loggins, fuente de piezas que deleitan, combinando belleza y funcionalidad. Morris estuvo de acuerdo con Loggins y se opuso a la producción mecanizada provocada por la Revolución Industrial y la tendencia popular del arte por el arte.
Morris creía que el alcance del arte no se limitaba a la pintura y la escultura, y que su parte principal debía ser el arte práctico, y trató de practicar los puntos de vista de Rogers sobre la artesanía en el campo comercial.
Arte e Industria. Loggins creía que la vida sin industria era mala y la industria sin arte era bárbara. Morris odiaba la falta de arte y la producción en masa mecanizada. Vio que la industria separaba a los diseñadores y productores, lo que impedía a los diseñadores crear soluciones de diseño funcionales y a los trabajadores dar rienda suelta a su creatividad en el proceso de producción.
El placer y la belleza del arte Morris cree que la economía industrial ha deshumanizado cada vez más la vida de las personas y que el estado más elevado de la práctica artística es el placer más que la responsabilidad. El arte perfecto es un arte que trae alegría. Incluso si la actividad creativa no contribuye a la moralidad, es buena en sí misma y puede producir placer.
Arte e instituciones sociales. Morris creía que el arte provocaría un cambio social radical, destruyendo la industria y el sistema capitalista. La nueva era se basará en el valor y la dignidad del individuo. Los trabajadores de esta época son todos artistas.
3. Whistler
Estaba claramente de acuerdo con el arte por el arte y fue el líder del movimiento esteticista. Creía que el objetivo del arte no tenía nada que ver con la mejora moral y que la capacidad estética era lo único que la gente tomaba en serio en la vida. La tarea del artista es perseguir la belleza, no la verdad.
Arte y naturaleza. En su opinión, un pintor es tan importante como un piano para un pianista. Toca el instrumento y crea composiciones de diferentes propósitos y estilos de uso. La tarea del artista es representar la naturaleza, no imitarla.
Pertenece a la música. Combinó el poder expresivo de la pintura con el poder expresivo de la música. Utilice términos musicales como temas para pinturas.
Cuatro. Walter Pater
Figura representativa del teórico del movimiento esteticista británico que era el arte por el arte.
Él cree que el arte debe expresar pensamientos, pero también cree que los sentimientos son influencias en la personalidad. Sólo las personas con este tipo de personalidad pueden convertirse en artistas que expresan con éxito diversos sentimientos.
Cree que el significado y el objetivo del arte es el arte mismo. El arte es la expresión y método de la belleza.
La quinta parte es la discusión sobre la gestión diversificada.
En primer lugar, el historiador cultural Buckhardt estudia la historia del arte y el humanismo europeos.
La cultura del Renacimiento italiano estableció el estatus de Buckhart como historiador.
Según sus estándares, la Italia del Renacimiento formó un período comparable a la Atenas de Pericles y fue una fuerza creativa importante en toda la civilización occidental. También resume las circunstancias políticas únicas en las que se produjo por primera vez el Renacimiento. La excelente Italia produjo una revolución cultural que pudo expresarse en las costumbres, la educación y el arte. Destacó la singularidad del Renacimiento, que no fue simplemente un resurgimiento de la antigüedad sino una unión de genios italianos para conquistar el mundo occidental.
La conexión de Buckhardt con esta idea se ilustra mejor con una meditación sobre la historia. El verdadero valor de una sociedad debe medirse por la calidad de su arte. Afirmó que el arte es la creación más destacada y misteriosa del espíritu humano. Pensó en las razones del equilibrio de la producción artística en el desarrollo social, pero excluyó el papel de la gran educación. Cree que la especialización universitaria promueve principalmente cosas exageradas e irrelevantes, y que la educación no tiene ningún efecto sobre el genio. En comparación con el Renacimiento, la gente moderna no puede crear ni apreciar el gran arte debido a la falta de fe.
En segundo lugar, Dana
Factores que afectan el arte La "Filosofía del Arte" propone que tres factores, raza, entorno y época, afectan la naturaleza y apariencia de toda civilización material y espiritual. Arte La producción de obras también depende de esto. Se necesitan dos condiciones para producir una gran obra de arte. En primer lugar, las emociones espontáneas y únicas deben ser muy fuertes y poder expresarse sin temor a críticas u orientación. En segundo lugar, debes tener simpatía a tu alrededor y debe haber ideas similares en el mundo exterior que te ayuden en todo momento, de modo que algunas ideas vagas en tu corazón puedan nutrirse, alentarse, madurar y difundirse. Los artistas y el arte dependen de las costumbres sociales, las leyes y las características nacionales del mismo modo que los cultivos dependen del clima, el suelo y el tiempo.
Arte e imitación. El arte es imitación, no copia. Es expresar su esencia y características principales y hacer que las emociones que ocupan la posición central sean más claras y distintas. Su comprensión del artista individual también muestra las características del mecanismo. Cree que las personas crean como otros animales.
Sin embargo, es correcto pensar que una obra de arte no está sola, por lo que para entender una obra de arte es necesario ubicarla en su entorno. Este entorno incluye otras obras del artista unificador, las academias y grupos a los que pertenece el artista. El entorno en el que se forman los intereses artísticos del artista, etc. Luego exageró el papel del medio ambiente e ignoró la iniciativa del artista.
3. Zola
Los representantes de la teoría naturalista de la creación literaria estuvieron influenciados por la filosofía positivista de Comte y la medicina experimental de Bernard. Afirmó que la novela experimental era un intento de transferir las ideas de Bernard de la medicina a la literatura. Bernard se rige por las leyes inmutables del comportamiento humano, al igual que las acciones emocionales y racionales. La tarea del novelista no es juzgarlo todo sino comprenderlo todo.
Zola se negó a establecer ningún vínculo entre moralidad y arte, exigiendo que las obras de arte no tengan ningún propósito interno o externo. La belleza no es abstracta, sino la vida humana misma. Sobre esta base, Zola creía que el arte puede ser diverso y que no existe un estándar absoluto de belleza. Los artistas son libres de establecer estándares como quieran. Porque una obra de arte no es más que un hecho puro.
En cuarto lugar, los hermanos Goncourt
Escritores naturalistas franceses. Odio el arte popular, creo que el arte es esencialmente noble y me paso la vida condenando la vulgarización de la belleza.
Los académicos eligen la naturaleza y la modifican para alcanzar un estado más perfecto que el existente. Los hermanos Gongur también deberían elegir la naturaleza en lugar de modificarla para expresarla, para evitar que los pintores caigan en la expresión de la "fealdad" y los "verdaderos colores de la naturaleza".
Énfasis en la observación y el realismo, la vida del arte reside en la verdad, y esta verdad se refiere incluso al lado feo de la vida.
verbo (abreviatura de verbo) Gotti y Jean Fleury
La discusión sobre el arte llevó a centrarse en la forma y la estética pura. El arte por el arte, no hace falta decir que la forma es para el estilo, pero sí se puede decir que la forma es para la belleza. La abstracción puede explicarse mediante varios conceptos, puede servir a varias teorías y puede producir beneficios directamente.
Gauthie cree que la belleza proviene de la libertad y no está restringida por nada. El arte es creación de belleza, por lo que la belleza sólo puede crearse con libertad y autonomía.
León Tolstoi
En "Sobre el arte", opuso la visión del arte por el arte y el esteticismo popular de la época. Quería que la primera tarea del arte fuera transmitir moralidad.
Cree que el arte no se puede definir como una tecnología exquisita. Cuatro formas de producir arte falso. El primero es el endeudamiento. Tomar prestados temas de trabajos anteriores y realizar algunas modificaciones. El segundo es la imitación, es decir, acumular detalles realistas. En tercer lugar, al estar conmovido, el impacto sobre las emociones externas suele ser puramente fisiológico. Finalmente es divertido. Las representaciones pictóricas y la música están dispuestas deliberadamente como si se tratara de adivinanzas de faroles.
Tolstoi consideraba el atractivo del arte como un signo para distinguir el arte verdadero del falso. Si una persona experimenta esta emoción, se deja contagiar por el estado de ánimo del autor y se siente integrado con los demás, evoca. este sentimiento. Las obras en este estado de ánimo son arte.
El arte es una de las condiciones necesarias para la vida humana y un método de comunicación entre las personas. El grado de atractivo artístico depende de tres condiciones. Qué única es la emoción, qué tan clara es la emoción y. La sinceridad del artista. En otras palabras, ¿hasta qué punto es capaz el artista de experimentar las emociones que transmite?
Siete. Hegel
En opinión de Hegel, el arte es un proceso de composición dinámico y un proceso de pensamiento que otorga un valor importante a las formas artísticas. El arte no es una imitación de la realidad en un sentido simple, sino el proceso mediante el cual la conciencia misma es reconocida y reconocida en el pensamiento religioso y filosófico.
Definición: La belleza es la manifestación perceptiva de una idea. Según diferentes conceptos y conciencias, Hegel dividió el arte en tres formas de expresión. Según las tres etapas del desarrollo artístico, la imagen abruma al concepto y el objeto abruma al sujeto. Como el antiguo Egipto y la India. Pensamientos e imágenes alcanzan libre y perfecta armonía. Como la antigua Grecia. Destruye la perfecta unidad de realidad y concepto en el arte clásico y, finalmente, el concepto abruma a la imagen. Como el arte romántico representado por el arte musical y el arte espiritual.
8. La teoría de la empatía de Fisher, Son y Lipps
La estética de la teoría epidémica se nutrió y cultivó en el suelo del movimiento romántico europeo a finales del siglo XVIII. Refleja el estado de convivencia armoniosa entre el hombre y la naturaleza.
Padre e hijo. La belleza sólo debe venir a través de la línea y el color a través de la empatía. Sólo la empatía puede permitir a las personas experimentar y experimentar el placer estético, y el sujeto y el objeto pueden integrarse perfectamente. El objeto estético objetivo se convierte en el segundo yo.
Labios.
9. Teoría visual pura, estética formalista
Feedler. Definir la teoría formal desde una perspectiva filosófica y estética.
Basado en su investigación sobre el proceso creativo de las formas visuales de los artistas. Al incorporar el formalismo desde Kant en el análisis psicológico de la creación de formas visuales, la objetivación de la forma se reconcilia con sus objetivos espirituales inherentes. Su comprensión de la naturaleza del arte surge de su exploración del proceso de creación artística. Se opuso tajantemente a la investigación artística abstracta, conceptual y conceptual, especialmente al pensamiento estético de Hegel. Él cree que el arte derivado de la experiencia sensorial no es una actividad humana bajo el concepto como dice la gente, sino una actividad independiente de comprensión y comprensión del mundo. A través de las formas de arte, también podemos comprender y explorar el mundo, y este proceso de exploración también se completa con la ayuda del propio proceso de creación de formas visuales.
A través de la observación de las prácticas de los artistas, descubrió que las actividades artísticas son una manifestación especial del pensamiento humano. Sólo comprender el arte mismo a través de la imaginación artística es la única manera de captar la esencia del arte. Los artistas tienen talentos visuales y comprenden el mundo entero visualmente. De ninguna manera son imitadores de la naturaleza, pero tienen una aguda sensibilidad artística. El poder especial del pensamiento y el análisis racional del creador de la forma crea una nueva relación con la naturaleza. El contenido del arte no son cosas simples, sino los sentimientos del artista y su comprensión de estas cosas.
Hildebrand, desde la perspectiva de un creador de arte.