Restricciones apropiadas, quién realizó ensayos de muestra sobre trabajos académicos.
Resumen: La verdad y la naturaleza son el alma fundamental de la representación escénica, la cual nada tiene que ver con el contenido del drama ni con las técnicas escénicas del mismo. Una obra de teatro divorciada de la realidad y la naturaleza, por muy buenos actores y guión, sigue siendo hueca y no puede satisfacer las necesidades del público. La autenticidad se refleja naturalmente en el dominio de la interpretación. Este artículo analiza la importancia de las restricciones moderadas en las representaciones dramáticas y propone las correspondientes medidas de mejora.
Palabras clave: drama; actuación; límite inherente
0 Introducción
El Sr. Gorky dijo una vez: Las personas son personas. Son ordinarios y normales. No son posturas, ni son posturas[1]. Esto se refleja en las representaciones dramáticas mediante restricciones apropiadas. ¿Quién actúa normalmente y transmite el alma y los pensamientos en el centro del drama al público a través de expresiones corporales y lingüísticas reales y naturales? Sí, eso es, ese soy yo (¿eso es lo que he visto)? Este sentimiento. El control y el dominio adecuados pueden mejorar eficazmente el atractivo de las representaciones dramáticas, movilizar el entusiasmo de la audiencia y garantizar el buen progreso de la representación. Sin embargo, cuál es la base del desempeño discrecional y cómo comprenderlo merece nuestro estudio activo.
1 Límites apropiados en las representaciones dramáticas
Los llamados límites apropiados en realidad pueden interpretarse como una sola palabra: grado, que se refiere a la expresión de la verdad y la naturaleza a través del cuerpo y el lenguaje apropiados. en la actuación. Todo tiene un grado, y este grado muchas veces se manifiesta como un punto crítico. Una vez que algo supera el punto crítico, inevitablemente encontrará un cambio cualitativo y se convertirá en otra cosa. ¿La gente suele decir? ¿Una pequeña diferencia, a miles de kilómetros de distancia? Este es el caso. Hay otro requisito para la interpretación dramática, que es el límite apropiado, que es lo que la gente suele decir. Esto requiere que la imagen externa, los movimientos, el lenguaje y las expresiones de los personajes en la representación dramática se ajusten a las expectativas estéticas potenciales del público y estén esencialmente en línea con las leyes del desarrollo de las cosas y la naturaleza de los personajes.
2 La base para ejercer la discreción
Shakespeare cree que la base para la discreción en la interpretación es: aceptando la guía del propio sentido común, ¿qué piensa Shakespeare de la discreción en la interpretación? ¿El camino de la naturaleza? . En otras palabras, la llamada base para la proporción de actuación es adaptarse a la vida y la producción diarias, y adaptarse al estatus social y la personalidad del personaje. Al comprender la idoneidad de una actuación, uno debe analizar activamente el estado psicológico y de comportamiento específico del personaje en un entorno específico para que sea auténtico y natural. Esta es la base de la idoneidad de la actuación. Al ver el drama "Él", hubo una escena que me conmovió más: estaba enfermo terminal, recostado en el sofá, soportando fuertes dolores físicos, pero para no preocupar a su hija. Fingió estar relajado, sonrió y animó a su hija a ser autosuficiente, fuerte y vivir una buena vida. En esta obra, el actor que interpreta a He muestra verdadera y naturalmente el estado mental y físico del personaje en ese momento, y capta la proporción a la perfección. Los ojos del artista son firmes y profundos, y brillan con recuerdos de sus seres queridos y del mundo. La escena en la que su dedo meñique engancha el deseo de su hija conmovió a innumerables espectadores. En esta actuación dramática, el actor demostró vívidamente su imagen de tipo duro y su afecto por sus hijos, y su comprensión de las proporciones fue aún más sorprendente. Un pequeño movimiento de gancho reproduce real y naturalmente los sentimientos inseparables que siente por su hija.
3 La importancia de las restricciones adecuadas en las representaciones dramáticas
3.1 Necesidades estéticas
Las representaciones dramáticas en última instancia sirven al público Una representación dramática sin público sólo puede Se llama. autoentretenimiento. Como apreciadores estéticos del drama, el público tiene una cierta capacidad de comprensión estética. Por lo tanto, al actuar, lo primero que el intérprete debe considerar es cómo transmitir las ideas estéticas del drama basándose en la estética existente del público. Un drama exitoso debe primero comprender el gusto estético y la capacidad de comprensión de la audiencia, y luego controlar y ajustar adecuadamente la actuación real del drama, captar los límites apropiados y satisfacer las necesidades estéticas de las diferentes audiencias. Sin embargo, esta satisfacción no significa complacencia. El drama debe transmitir conceptos estéticos positivos y avanzados, y debe surgir de la vida y ser superior a la vida. Por lo tanto, los artistas deben captar el estilo estético y atender a los límites apropiados de la audiencia.
3.2 Darse cuenta de la combinación de creatividad y necesidades de lealtad
Las representaciones dramáticas surgen de la vida y experimentan la creación artística, que involucra dos cuestiones: la lealtad a la vida y el procesamiento creativo. Sin embargo, los dos no son contradictorios. Al captar los límites apropiados, se puede lograr efectivamente la coordinación y unificación de ambos. Todo drama proviene de historias reales de la producción y la vida de las personas, pero para garantizar el arte y el estilo del drama, se debe llevar a cabo un procesamiento y creación artísticos. Además, si el drama simplemente repite las historias reales de la producción y la vida de las personas, entonces. la performance El artista sólo puede ser llamado artista, pero no artista. A la hora de representar una obra de teatro debemos tener en cuenta factores como el escenario, la iluminación, el vestuario, los personajes, la atmósfera, etc. Estos factores no existen en la vida real de donde surge la obra. Cómo permanecer leal al concepto de la historia original después de agregar estos elementos se ha convertido en una dirección de pensamiento importante para los actores dramáticos. En las representaciones reales, los artistas deben restaurar el concepto de la historia original a través de una disposición del escenario, lenguaje y movimientos corporales razonables, y utilizar estos movimientos y lenguaje para mejorar el estilo artístico de la historia original, a fin de garantizar la coordinación y unidad de la dos. Sólo dominando el grado y los límites adecuados entre ambos se podrá lograr la combinación perfecta de creatividad y fidelidad.
4. Analizar medidas para captar los límites apropiados de desempeño.
4.1 Los artistas intérpretes o ejecutantes deben tener una alta calidad de desempeño.
Los actores de drama primero deben tener una alta calidad de interpretación, una gran capacidad para dar forma a personajes relevantes y ser capaces de hacer un buen uso de la música, las escenas y los fondos de los personajes para actuar. Los actores de teatro no solo deben tener ciertas habilidades de interpretación, sino que también requieren que los actores dominen conocimientos relevantes de danza y música, especialmente conocimientos de danza avanzados. Las representaciones de teatro tradicional suelen mezclarse con algunas representaciones de danza. Además de estos requisitos básicos indispensables de alfabetización, los artistas intérpretes o ejecutantes también deben tener una gran capacidad de control del ritmo y utilizar su propia capacidad de control del ritmo para movilizar las emociones de la audiencia, provocando así que la audiencia cante.
4.2 Basado en hechos, sin pretensiones
Alguien dijo una vez: Nunca exageres los requisitos reales o las funciones falsas en el escenario de actuación. Si desea elevar sus límites apropiados en la actuación dramática, debe basar su actuación en hechos y no ser pretencioso. En las representaciones reales, los intérpretes deben basarse en hechos y luego elaborarlos a través de medios artísticos para garantizar el estilo estético de la representación dramática. En el proceso de procesamiento artístico, debemos captar hasta cierto punto y amplificar el arte sobre la base de la realidad, y no permitir que el público sienta una sensación de distancia y piense que la actuación está divorciada de la vida real. Si el intérprete es demasiado exagerado, parecerá artificial, pero ser demasiado cauteloso conducirá a una transmisión emocional inexacta. Entonces, la actuación se basa en hechos.
4.3 Prestar atención a los detalles
El público está interesado, especialmente en el clímax de la obra, cada gesto, cada expresión y cada mirada del intérprete puede hacer que el público no se sienta igual. mismo. En el clímax de la actuación, el intérprete debe controlar estrictamente las proporciones, y cada movimiento detallado requiere repetidas pruebas y errores. Los actores dramáticos deben analizar activamente los personajes, el origen social, el entorno y otros factores antes de actuar, ponerse a imagen del personaje y dominar cada detalle del corazón, las acciones y los hábitos del personaje. Construya una imagen de personaje de manera inconsciente y muéstrela de manera verdadera y natural [4]. Por ejemplo, en el drama "Siglo Romántico", al interpretar al director de una zona de desarrollo, los actores mostraron los detalles maravillosamente. Ante las tentaciones sociales, el director de la zona de desarrollo no resistió la prueba de las balas azucaradas, pero se mostró cauteloso. Los intérpretes diseñaron la escena del soborno con gran ingenio. El artista derrama una taza de café, luego finge que el maletín está mojado y lo abre para el sobornador, luego se da vuelta y finge limpiar las marcas de agua en su cuerpo, pidiéndole al sobornador que ponga el dinero directamente en la bolsa. El proceso de soborno se muestra hábilmente y la imagen y personalidad del personaje se muestran perfectamente. Se puede decir que el control de los intérpretes sobre el diseño de la acción y la expresión del lenguaje alcanzó su punto máximo, convirtiéndola en una obra de gran éxito.
5 Conclusión
La performance es un comportamiento artístico que transmite la vida real a un nivel superior al estilo de vida a través del procesamiento artístico. Cómo dominar el equilibrio entre la realidad y el procesamiento artístico se ha convertido en una cuestión importante a la que los artistas deben prestar atención. Esto requiere que los intérpretes tengan fuertes cualidades interpretativas y una sólida comprensión del ritmo general de la interpretación. Al mismo tiempo, debemos reforzar el no ser artificiales, no descuidados y controlar los detalles. Los artistas intérpretes o ejecutantes también necesitan ampliar su experiencia de la vida diaria, resumir las experiencias relevantes de la vida y la actuación a través de la práctica artística y de la vida a largo plazo, y mejorar su capacidad para dominar el grado y la precisión de la interpretación.
Materiales de referencia:
[1] Liu Lu. Es Xue Tao.
No es la experiencia de Xue Tao interpretando a Xue Tao en Huanhua Yin [J]. Drama chino, 2010 (06).
[2]Angkor. ¿Qué tipo de creación escénica necesita nuestra era? Del director y artista Zha Zhanzhe[J]. Drama chino, 2011 (06).
[3]Wang Yabing. Las características de canto del famoso cantante de Huai Bang Zhao Yuqing[J]. Drama chino, 2013 (06).
Sobre la realización de cross talk.
Resumen:? ¿equipaje? Es decir, los chistes son la base de la conversación cruzada y el manejo del equipaje afecta directamente el desempeño de la conversación cruzada. Los tipos de bagaje incluyen exageración, mala interpretación, repetición, contradicción, negación, malentendidos, excusas, comparaciones, etc. Cómo deshacerse bien del equipaje se ha convertido en una de las claves del rendimiento de las conversaciones cruzadas.
Palabras clave: ¿Rendimiento de diafonía? ¿equipaje?
Desde el nacimiento del arte de la conversación cruzada, se ha ganado el amor y la bienvenida de las masas con su forma de expresión única, sus ricos medios artísticos, su estilo de lenguaje vívido y su estilo artístico humorístico. Es un excelente arte nacional y una flor deslumbrante en el jardín de las artes populares.
La interpretación del cross talk se basa principalmente en un lenguaje humorístico, complementado con movimientos exagerados, y conquista al público a través de interpretaciones divertidas y elegantes. Si el actor no puede realizar la función potencial de la obra, ¿la actuación carecerá de encanto y sólo tendrá esperanza? ¿Un garante vivo? No importa cuán bueno sea el trabajo, el éxito solo está en el papel. Se puede ver que los requisitos de desempeño del arte de la diafonía son muy altos. ? ¿equipaje? Es decir, los chistes son la base de la conversación cruzada y el manejo del equipaje afecta directamente el desempeño de la conversación cruzada. Los tipos de bagaje incluyen exageración, mala interpretación, repetición, contradicción, negación, malentendidos, excusas, comparaciones, etc. Cómo deshacerse bien del equipaje se ha convertido en una de las claves del rendimiento de las conversaciones cruzadas.
1. ¿Darle la carga al Maestro? Centímetro lleno de energía
¿Agitar una bolsa para el maestro? ¿escapar? Habilidad. ? ¿escapar? ¿Es una pausa, también llamada pausa? ¿Es para controlar el ritmo? Espera, especialmente cuando se trata de equipaje. Sacudir el equipaje equivale al triple salto de un deportista, medir la distancia, pedalear con precisión y despegar con fuerza. ¿Así que lo que? ¿escapar? La posición debe ser la correcta y el tiempo de pausa no debe ser demasiado ni demasiado poco. Si hay demasiados, sácalos; si hay muy pocos, agárralos. ¿escapar? Si lo haces bien, tendrás energía y fuerza, y la carga será pesada. ¿Es esto lo que suelen decir los actores de la conversación cruzada? ¿Aturdido? . El famoso artista de la conversación cruzada, el Sr. Gao Xiaolin, dijo una vez: Librarse del equipaje depende de la fuerza, de dónde está la fuerza y de la autoconciencia. No importa si es demasiado temprano o demasiado tarde. ? Por ejemplo, realizó la conversación cruzada "Entre marido y mujer":
Respuesta: Como dice el refrán, la bondad de una pareja durará cien días y la bondad de una pareja será más profunda que las perneras de sus pantalones.
b: Oye, eso significa que una pareja que vive en cien días es más profunda que el mar.
Respuesta: El mar tiene fondo, y los pantalones tienen fondo.
B: Hola.
Esta sección, Pareja de Cien Días, debería ser más profunda que el mar. ¿Quién es el actor A? ¿escapar? , ¿simplemente refleja lo inesperado? ¿Más profundo que las perneras del pantalón? El equipaje fue sacudido cuidadosamente. Otro ejemplo es una sección de la charla "El Aprendiz" interpretada por el famoso actor Li Jindou:
Déjame preguntarte, ¿qué fue primero, la gallina o el huevo?
b: Demasiado simple. Recuerda, primero viene la gallina, luego el huevo.
R: Oh, ¿de dónde salió este pollo?
B: Huevo.
¿Quién puso el huevo?
B: Pollo.
R: ¿De dónde vino el pollo?
B: Huevo.
¿Quién puso el huevo?
B: Pollo.
R: ¿De dónde vino el pollo?
B: Huevo.
¿Quién puso el huevo?
(Dun) Tú lo dijiste.
¿Esta comida mostró el descuido del Actor B al responder preguntas antes y la impotencia del Actor A al hacer preguntas constantemente, cuando agitaba su bolso? Cuando pares, la carga natural temblará y tendrá un efecto crujiente.
En segundo lugar, deshacerse del equipaje debe ser conciso y poderoso.
El lenguaje de la conversación cruzada debe ser muy resumido, breve y conciso. Aunque es suave y constante, al formar el lenguaje del equipaje, aún es necesario ir directo al grano. Cuando se trata de boca cargada, no agregues palabras antes o después de la oración. De lo contrario, la preparación fluida que se avecina será en vano, la carga no será sacudida, no se logrará el efecto esperado y la actuación no será exitosa. Por ejemplo, hay un pasaje en la charla cruzada del Sr. Li Jindou "Nuevo viaje nocturno":
El coche está conduciendo. Mirando hacia atrás, parecía como si de él saliera un humo espeso.
B: Está bien.
R: Está roto. No puedo encontrar a mi esposa otra vez.
¿A dónde fue?
Respuesta: Empeñar los cigarrillos.
Cuando el humo se disipe, mira hacia atrás, ¿vale?
B: ¿Qué pasa?
Respuesta: Mi esposa se ha convertido en una niña africana.
La última frase de este párrafo describe que el humo negro del escape del coche era extremadamente potente y excedía el estándar que ennegrecía el rostro de los africanos de piel oscura. El diseño del embalaje es razonable, razonable e inesperado. Pero ¿y si el actor A dijera lo último? ¿La cara de mi esposa fue ahumada para que pareciera una niña africana? Hay demasiadas palabras, demasiado específicas y demasiado claras, pero en las actuaciones de conversación cruzada, ¿el equipaje no suena? ¿Los actores de conversación cruzada suelen llamar a esta situación? ¿Bloquear equipaje? . ? ¿Mi esposa se ha convertido en una niña africana? Unas pocas frases pueden explicar el problema sin resultar onerosas, siempre que el público lo entienda. Hay otra situación en la actuación, como un pasaje de la conversación cruzada "La pareja de inmortales":
Yo interpreto a Dong Yong.
Yo interpreto a las Siete Hadas.
¿Os parecéis a las Siete Hadas?
b: Se ve similar cuando poso. (Figura brillante) ¿Crees que me parezco a las Siete Hadas?
No os parecéis a las Siete Hadas.
b: Ese se parece a mí.
Respuesta: Tres hadas.
¿Y yo, actor b? ¿Con el actor A? ¿Tres hadas? Son las tres palabras, correspondientes de arriba a abajo, concisas y poderosas. Si agregas demasiado, es como tener un muro, estableciéndote una barrera. Algunas personas ponen palabras en la parte trasera de su equipaje, lo que también afecta su desempeño. ¿Cómo se llama esto? ¿Tiene cola? Sentirás un lastre en tu desempeño. Entonces, las personas mayores suelen decir: Cuando se trata de equipaje, cuanto menos se diga, mejor. Si se puede explicar en una palabra, ¿por qué no utilizar dos palabras? .
¿Tercero,? ¿artículo? Coordinación de Idiomas
¿Cómo realizar cross talk? ¿artículo? para que coincida con el idioma. ¿Cómo llaman a esto los actores de la conversación cruzada? ¿Tomar una foto? ,?¿artículo? Se refiere principalmente a las expresiones faciales, incluidos gestos y movimientos corporales. Sólo cuando hay sonido y apariencia puede haber sonido y emoción. La interpretación literal de la palabra cross talk también tiene este significado. Las expresiones faciales dependen principalmente de los ojos, que son las ventanas del alma. Una vez que la expresión se sienta correcta, el tono y el tono del lenguaje encajarán naturalmente. El uso apropiado de gestos hará que el lenguaje sea vívido y real y atraerá la atención de la audiencia. Sólo cuando la audiencia te preste atención escuchará atentamente lo que dices. El diseño de los movimientos corporales debe basarse en el personaje que estás interpretando, comprender la personalidad y las características y coincidir con el género, la edad y la identidad del personaje. Los movimientos corporales deben reflejar expresiones, y cuerpo y espíritu deben coexistir perfectamente. El maestro de diafonía, el Sr. Hou, dijo: Debido a las necesidades de la interpretación, a veces los movimientos del cuerpo serán un poco exagerados, pero también debes controlar la proporción y no ir demasiado lejos. Ning no es suficiente, ¿pero absolutamente? . Las expresiones faciales, los gestos y los movimientos corporales son expresiones auxiliares del lenguaje y deben ser integradas y coherentes.
Lo anterior es mi comprensión simple y un resumen del rendimiento de la diafonía. Cuando la gente habla de conversaciones cruzadas, a menudo hablan de. ¿Crosstalk presta atención al hablar, aprender y cantar? Crosstalk se ha desarrollado hasta este punto. Alguien lo resumió como: ¿Aprender a hablar y cantar? Sin embargo, personalmente creo que las cuatro materias están incluidas en la actuación, y también hay actuación dentro de la actuación. Se complementan. Las habilidades de interpretación del diálogo cruzado se pueden dividir en tipo de historia, tipo de penetración, tipo de argumento, tipo de aprendizaje y canto, tipo de texto, tipo de imitación y tipo de habla crítica. ¿Cuál es la característica más importante del rendimiento de la diafonía? ¿Saltar dentro y fuera? En un momento estás en el personaje y al siguiente eres tú mismo. Una persona cambia de roles constante y rápidamente. Dependiendo de las necesidades del trabajo, a veces una boca está con el personaje. Esta actuación especial, aparentemente simple, en realidad requiere las profundas habilidades del actor y su comprensión detallada de la vida. Las interpretaciones de diafonía continúan desarrollándose y mejorando en la práctica, lo que también enriquecerá los métodos de expresión del arte de diafonía y lo hará más vital.