Capítulo 1 El origen de la música
El origen de la música en la sociedad humana se remonta a la era muy antigua de la naturaleza. Antes de que los humanos desarrollaran el lenguaje, ya sabían cómo utilizar el tono y la fuerza de los sonidos para expresar sus pensamientos y sentimientos. Con el desarrollo del trabajo humano, surgieron gradualmente cánticos para unificar el ritmo del trabajo y gritos para transmitirse información entre sí. Este es el prototipo musical más primitivo cuando la gente celebra la cosecha y comparte los frutos del trabajo, a menudo golpean herramientas de piedra; y madera para expresar Mi propia alegría y alegría, este es el prototipo del instrumento musical original.
1. La leyenda del origen de los instrumentos de cuerda
Mercurio es el mensajero de los dioses en la mitología griega. Un día caminaba por el río Nilo y accidentalmente pisó algo que hacía un sonido extraño. Lo recogió y vio que era un caparazón de tortuga vacío con un tendón seco en su interior. Entonces Mercurio se inspiró en él e inventó el instrumento de cuerda. Generaciones posteriores han comprobado que los instrumentos de cuerda aparecieron antes que Mercurio, pero la invención de los instrumentos de cuerda pudo haberse inspirado en este.
b. La leyenda del origen de los instrumentos de viento
En la antigua China, durante la época del Emperador Amarillo, hace cinco mil años, existía un músico llamado Ling Lun. Según la leyenda, una vez entró en las montañas Kunlun en el oeste para recolectar bambú para flautas. Resultó que había cinco fénix volando en el cielo en ese momento y él estaba en sintonía con Francia. Aunque esta leyenda no es del todo creíble, no es descabellado considerarla como el origen de los instrumentos de viento. Se puede decir que la vida laboral de la gente en tiempos primitivos se desarrolló junto con la música, y ambas están estrechamente relacionadas. En este sentido, la música surge directamente de la vida laboral humana.
Capítulo 2 La música del hombre primitivo
Las dos antiguas cuencas fluviales (el río Tigris y el río Éufrates) fueron uno de los lugares de nacimiento importantes de la cultura humana. La entonces fértil región de Mesopotamia (ahora Irán e Irak) ya había desarrollado la música en el año 4000 a.C. Los sumerios que vivían en esta zona ya tenían instrumentos parecidos a arpas y varios instrumentos orquestales. En ese momento, habían surgido en la corte cantantes profesionales y bandas más importantes. ¿A dónde corrieron estas personas después? ¿Usar cápsulas para tratar cortinas? ¿Qué pasó? Paddle 〈Ah〉⑾@Ah⒂「¿La falda de escalada es una tumba? ¿Puede causar asuntos privados? ¿Cuál es el problema? tipo de marco? ⒄ ⒄ ⒄ ? Espejo, ¿qué tipo de marco tengo?
Capítulo 3 Música medieval
Primero, música china antigua
El Emperador Amarillo fue el primer rey de la historia de China. Creó el calendario y los caracteres chinos hace cinco mil años. En ese momento, además del mencionado Ling Lun, también había un hombre llamado "Fu Xi". Se dice que Fuxi era una serpiente con cabeza humana que fue concebida en el útero de su madre durante doce años. La cítara que tocaba originalmente tenía cincuenta cuerdas, pero debido a que el tono era demasiado triste, el Emperador Amarillo le cortó la mitad. cambiado a veinticinco cuerdas.
En la leyenda de Huangdi, también hay un músico llamado Shennong, que se dice que es una serpiente con cabeza de toro. Una vez enseñó a la gente a cultivar alimentos y tenía sabores medicinales. Se descubrieron las hierbas y se creó el banjo. Por lo tanto, se puede suponer que la música de aquella época utilizaba la escala pentatónica.
En la antigua China, había más de 300 libros sobre música. famoso en el período de primavera y otoño. Educador y músico. Escribió muchos artículos sobre música, y podemos ver algunos de sus comentarios sobre la música en Las Analectas. Tenía grandes conocimientos en guqin y podía componer su propia música. están integrados en el ritmo. Confucio enseñó personalmente las habilidades del piano a sus discípulos, y 72 de sus 3.000 discípulos dominaban las seis artes. El contenido de su enseñanza se puede llamar "poesía, caligrafía, etiqueta y música". El orden del yin y el yang en el cielo y la tierra, y "yue" significa armonía. En la filosofía de Confucio, la moral y la música ocupan una posición igual. Él defendió la música para mejorar la calidad moral. en la antigua China era música de baile. Es una combinación de poesía, danza y música, que es completamente diferente a la danza actual
2. La civilización es una de las civilizaciones más antiguas del mundo.
En los grabados en las paredes de piedra dentro de la pirámide, se puede ver la procesión de músicos, imaginando así la gran ocasión de tocar música en ese momento. Las esculturas incluyen instrumentos de cuerda en forma de arpa que se tocan con los dedos, así como varios instrumentos de flauta. La música instrumental en zonas como Arabia también está bastante desarrollada. Hace mucho tiempo se empezó a utilizar una escala especial, dividida en 17 notas entre una octava.
Murales del Antiguo Egipto:
Tercero, la música griega y romana antigua
El origen de la música griega también está envuelto en un velo de misterio. Cuenta la leyenda que Apolo es el encargado de la música y tiene nueve musas, por eso a la música también se le llama música o Musik. Entre los instrumentos musicales griegos destaca una flauta de doble cañón en forma de V llamada Aouros, que es una especie de lira, y un instrumento de cuerda parecido a una guitarra, el Zittel, ambos introducidos desde Egipto o Arabia. La música jugó un papel muy importante en la vida de los antiguos griegos. Basados en la música oriental de Egipto y Arabia, gradualmente se desarrollaron y cambiaron hasta formar su propia música. La música en la antigua Grecia estaba estrechamente relacionada con la poesía y el teatro. La importancia de la música se refleja en sus dos encantadoras epopeyas homéricas y en muchas obras de teatro famosas. Las canciones interpretadas por algunos cantantes folclóricos famosos de la sociedad de esa época también fueron de gran importancia para la formación y el desarrollo de la música griega antigua.
La música griega antigua ha logrado grandes logros en muchos aspectos. En el siglo VI a.C., el gran filósofo y matemático griego Pitágoras explicó por primera vez la teoría del temperamento puro utilizando un instrumento de una sola cuerda llamado monocordio, y calculó todos los intervalos utilizados en ese momento basándose en la longitud de la cuerda. La invención y aplicación del temperamento pitagórico supuso un gran avance en la teoría musical. En segundo lugar, los antiguos griegos también inventaron la notación alfabética. También hubo muchas innovaciones y creaciones audaces en la producción de instrumentos musicales, y se inventaron una serie de instrumentos musicales sin precedentes. La música griega antigua incluía no sólo solos líricos con acompañamiento instrumental, sino también música dramática y música de baile. Estos tipos de música generalmente están dominados por la música monofónica y el contenido es principalmente de temas religiosos.
La música de la antigua Roma siguió principalmente los grandes logros de la música griega antigua. En aquella época, este tipo de música se tocaba principalmente durante los sacrificios, banquetes de bodas y triunfos militares. A partir del siglo III d. C., la antigua Roma expandió su poder en el extranjero y llevó a cabo invasiones bárbaras y saqueos de las ciudades-estado circundantes. Muchos músicos y cantantes destacados de la antigua Grecia se convirtieron en esclavos de los antiguos emperadores, nobles y dueños de esclavos romanos, por lo que la música se convirtió en una herramienta de entretenimiento especial para la clase dominante. Sin embargo, la cultura musical de la antigua Roma no se estancó después de la antigua Grecia. Algunas canciones populares, canciones de boda, canciones de soldados y música y bailes se han desarrollado hasta cierto punto. En el proceso de desarrollo continuo, aparecieron dramas antiguos cantados en latín. Además, la aparición de instrumentos de metal en el ejército es también una de las principales características de la música romana antigua.
Arte griego antiguo:
Pabellón conmemorativo de la música en Leshegrad, Atenas
Este tipo de edificio es un edificio monumental independiente en la antigua Grecia que muestra los premios ganados en los deportes. o concursos de canto. Por eso, también se le conoce como el "Monumento al Premio de Atenas". A partir del siglo IV a. C., estos edificios monumentales surgieron como hongos después de la lluvia, y sólo queda uno. El pabellón fue construido entre el 335 y el 334 a. C. por Richegrad, un rico comerciante ateniense, para conmemorar la victoria del coro que ayudó a construir en las competiciones dionisíacas.
La base del pabellón tiene 2?9 metros cuadrados y 4 metros de alto? Base de 77 metros; sobre la base se encuentra una de 6? Un pabellón circular sólido de 5 metros rodeado por seis columnas corintias inclinadas. La parte superior es una cúpula tallada en una pieza entera de mármol, donde se colocan los premios; en los aleros hay relieves grabados con la historia de Dioniso (el dios del vino) siendo robado en el mar y convirtiendo a los piratas en delfines.
Las características compositivas del pabellón reflejan una regla, es decir, el pedestal y el pabellón tienen cada uno una plataforma y un alero completos, y cada parte forma un contraste: el contraste entre la sencillez y el peso del pedestal. y la magnífica ligereza del pabellón crea una especie de estabilidad y belleza. Este es un ejemplo temprano de la arquitectura corintia en la arquitectura griega.
Arte Romano Antiguo:
La Batalla de Iss
Este mosaico fue descubierto en las ruinas de Pompeya en 1831 d.C.
Según las investigaciones, representa la batalla de Issus y está copiado del mural del mismo nombre del pintor griego Philoxinos en el siglo IV a.C. En él podemos ver el desarrollo de la pintura griega. La pintura original fue creada a petición de Casandro, el gobernante de Atenas, y fue realizada en el año 310 a.C.
Esta pintura representa la historia de la guerra entre Alejandro Magno y Darío III, el último rey del Imperio Persa, en Issus en el otoño del 330 a.C. Esta es una pintura histórica famosa. En esta batalla, Alejandro Magno derrotó a Darío y huyó, dejando atrás a su madre, su esposa y sus hijos. Más tarde, Darío le escribió a Alejandro Magno, expresándole su voluntad de utilizar una enorme suma de dinero para redimir a la esposa y los hijos de su madre y casar a su hija con Alejandro, pero Alejandro se negó y aun así invadió y destruyó el Imperio Persa.
Esta pintura representa la batalla entre los dos ejércitos y la derrota de Darío por parte de Alejandro. La imagen sólo utiliza un árbol derribado para representar el entorno en el que tuvo lugar la guerra. El pintor se centró en el enfrentamiento entre los dos ejércitos y destacó al persa Darío y sus soldados. Sus movimientos mostraban la encarnizada situación del combate. Toda la escena está llena de conflictos dramáticos y una fuerte atmósfera de guerra.
Capítulo 4 La Música Medieval
En primer lugar, el cristianismo y la música medieval
En la Europa medieval, el poder de la iglesia era mayor que el del estado y otros grupos sociales. Todas las ideologías sociales de aquella época, incluidas diversas artes y filosofías, debían estar al servicio de la iglesia, por lo que la música medieval tuvo un extraordinario desarrollo con la ayuda del cristianismo. Se puede decir que toda la teoría musical, la notación, el coro y el conjunto, y el surgimiento y enseñanza de los instrumentos de teclado en la Edad Media estuvieron estrechamente relacionados con la iglesia. Las sinfonías y óperas actuales tienen en su mayoría un contenido secular, pero también están indisolublemente ligadas a la iglesia medieval. La música de la iglesia, que originalmente adoptó la forma intacta del reino judío, es decir, el canto de himnos y la recitación de las Escrituras, era puramente vocal. La música religiosa siempre ha estado dominada por la música vocal, porque la música vocal tiene letra. En cambio, la música instrumental se desarrolló principalmente como música secular.
La transición de la música monofónica primitiva a la música polifónica es una característica importante de la música medieval. Además, la música medieval también hizo grandes avances en la teoría, completando el contrapunto y la notación lineal. También ha habido grandes avances en la invención y producción de instrumentos musicales. Los trombones, las trompetas y los cuernos franceses eran muy populares en esa época, al igual que los instrumentos de cuerda frotada como los violines.
En segundo lugar, el estilo romano
El término “estilo romano” proviene del lenguaje arquitectónico de la época. La música románica es uno de los mayores legados monumentales de la historia del arte mundial. Esta música no tiene armonía ni acompañamiento. Cuenta con un coro que crea una sensación de armonía solemne a través de los ecos del patio de la iglesia. Sus sentimientos religiosos simples y hermosos son exactamente los mismos que los de la arquitectura de la iglesia de estilo romano. La música románica es una de las formas musicales importantes en la Edad Media. Su representante es el canto gregoriano, que es una música católica típica que se canta puramente con una sola melodía. El canto gregoriano hizo una importante contribución a la música durante la larga Edad Media. En el canto gregoriano, hay cuatro modos eclesiásticos y sus estilos variantes: modo dórico, modo frigio, modo lidio y modo lidio mixto. El modo jónico y el modo dórico aparecieron en el siglo XVI y luego evolucionaron hasta convertirse en las escalas mayores y menores actuales. En la época de Gregorio I, se fundó en Roma una escuela llamada "Singarium", que fue una de las primeras escuelas de música del mundo. Ambrosio (340-397) recopiló canciones cantadas en las iglesias, formuló cuatro escalas de modo de iglesia que constan de siete tonos para la música de la iglesia y también creó duetos y otras formas. En los himnos, la letra se combina perfectamente con la situación del lenguaje, el tono y el ritmo para expresar perfectamente los sentimientos religiosos y puede usarse como un resumen del arte musical de esta época.
Contenido complementario: El representante de la música cristiana medieval es el canto gregoriano. Este himno apareció en el siglo VI y lleva el nombre del Papa Gregorio (590-604). Se dice que en el siglo VI d.C. la música religiosa en varios lugares no era uniforme. Gregorio I estaba comprometido con la unificación de la música de la iglesia. Recopiló, seleccionó y organizó los cantos e himnos rituales originales de las iglesias de todo el mundo, compiló una colección de canciones y prescribió patrones y usos. El canto gregoriano consta de una gran cantidad de música monosilábica con letra latina.
Es un canto que expresa fielmente las Escrituras. La melodía es desapegada, tranquila y desprovista de deseos humanos. No por aprecio, puramente por etiqueta religiosa. Es música práctica que no presta atención a la belleza del oído ni a la exageración de la música pop. Este tipo de canto se canta con pura voz humana, sin acompañamiento instrumental, sin cambios ni adornos. Además no tiene nudos ni ritmos, es tiempo completamente libre, y la letra está únicamente en latín. Los cantos gregorianos son canciones ceremoniales católicas, cantadas únicamente por los sacerdotes y no por la congregación.
Después de la formación del canto gregoriano, este se extendió rápidamente a varios lugares, especialmente al norte de Italia, Gran Bretaña, Irlanda, Francia y otros lugares. Hasta el siglo XIV d.C., en la Iglesia católica sólo existía el canto gregoriano. En la Iglesia católica actual se utiliza con frecuencia el canto gregoriano.
Se puede decir que el canto gregoriano, como música principal en la temprana sociedad feudal de Europa, es la primera flor de la cultura musical occidental. Su desarrollo está estrechamente relacionado con toda la historia de la música occidental. Cabe mencionar la investigación sobre el canto gregoriano en notación, la teoría musical, el surgimiento y desarrollo de la polifonía y el establecimiento de los géneros musicales. Incluso la música modal moderna se basa en los modos del canto gregoriano.
La melodía más distintiva del canto gregoriano no sólo se ha conservado durante mucho tiempo en las creaciones de los compositores medievales, sino también en las creaciones de compositores de muchos siglos por venir. Podemos escuchar estas melodías en las obras de Bach, Mozart y otros, como la "Sinfonía de Júpiter" de Mozart, la "Danza de la muerte" de Liszt, el quinto movimiento de la "Fantasía sinfónica" de Berlioz, la "Sinfonía n.° 3 en do de St. Sang menor - Órgano y piano" y "Rapsodia sobre un tema de Paganini para piano y orquesta" de Rachmaninoff. Muchas obras musicales, como los minuetos, las marchas militares y los primeros movimientos de las sonatas, se derivan de los cantos gregorianos. 2. La música polifónica se originó en el trasfondo cristiano. La música polifónica es música compuesta de dos o más partes independientes. La aparición de esta música marcó un gran paso adelante para la música occidental. La música polifónica surgió en el contexto del cristianismo medieval, se desarrolló a partir del canto gregoriano y sus músicos eran monjes católicos.
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El modo "Salmo" se dividió originalmente en ocho tipos, a saber, Doria, Lower Doria, Phrygia, Lower Phrygia, Lu Dia, Lower Lydia, Lydia Lydia, Lydia Baja. Al igual que la música griega antigua, el "Salmo" es una pieza musical, solemne, solemne, sencilla y amplia, cantada en latín. Las melodías de "canto" se pueden dividir en dos categorías, a saber, canciones recitativas y canciones melódicas. El primero no tiene acompañamiento, armonía y ritmo. Cada sílaba combina a veces una nota y otras un grupo de notas de la misma duración, como si se tratara de un estudio monótono y sencillo. Por eso también se le llama canción sencilla.
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Tercero, la música secular en la Edad Media
La música medieval era principalmente música religiosa, y las actividades musicales en ese momento El tiempo se limitó a los límites de la Iglesia, mientras que la música popular secular estaba prohibida. A pesar de ello, todavía quedan muchos cantantes y juglares ambulantes entre el pueblo. Estos artistas populares pobres con un estatus social extremadamente bajo están muy insatisfechos con las limitaciones de la música religiosa sobre el arte musical. Utilizan diversos métodos para difundir ampliamente la música secular entre la gente. Este tipo de música (incluidos himnos, canciones de amor, canciones pastorales y canciones satíricas) se acerca a las costumbres populares en forma y contenido y está llena de sentimientos populares. En ese momento, este tipo de música folclórica secular comenzó a convertirse en una tendencia musical potencial. En el Renacimiento, esta tendencia musical reemplazó gradualmente a la música religiosa y se convirtió en la corriente principal del arte musical con el desarrollo y transformación de las formas sociales.
Notre Dame de Paris
Notre Dame de Paris fue construida en 1163 y no se completó hasta el siglo XIII.
Vista desde el frente de Notre Dame de París, se ha formado un edificio de arco apuntado puro. Todo el plano todavía tiene forma de cruz, pero la forma este-oeste es más pequeña.
Dirección norte-sur. En la parte inferior hay tres puertas tipo cupón empotradas. Los pies de las puertas están cubiertos con estatuas de dioses, lo que añade una sensación de lujo a todo el edificio. Más típico de las torres gigantes que de los edificios románicos es la pequeña aguja en el cruce, cuya altura hace que todo el edificio parezca aún más majestuoso.
Hay dos torres imponentes en el frente oeste de Notre Dame, con un total de tres pisos. El piso inferior es la Galería del Rey; en el centro del segundo piso hay una gran ventana redonda en forma de rosa que simboliza el cielo; un corredor transitable. Las esculturas son una decoración indispensable en Notre Dame, incluidos patrones vegetales y monstruos de fantasía; también hay grandes vidrieras, que hacen que el edificio forme una ilusión de trance y fortalecen el color religioso sagrado de la iglesia.
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Capítulo 5 La música antes y durante el Renacimiento
Las Cruzadas tuvieron lugar en Europa desde finales del siglo XI hasta finales del siglo XIII. Este acontecimiento histórico jugó un gran papel en la promoción de los intercambios culturales entre Oriente y Occidente. En la música, está representado por la aparición de juglares, bardos, cantantes líricos y otras figuras. Utilizan arpas pequeñas o violines antiguos con forma de arpa, y su canto incluye canciones de amor, historias narrativas, himnos de la naturaleza, religión y moral.
Desde mediados y finales del siglo XIII hasta el siglo XIV, el arte gótico surgió silenciosamente en el norte de Europa y su expresión fue obvia en la arquitectura. En música, aunque el estilo gótico no ha formado una forma que represente una época, las características del estilo gótico se muestran claramente en la forma polifónica derivada de Oganam. En el siglo XIII, además de las melodías fijas de los cantos gregorianos solemnes, también existían melodías para danzas y canciones de amor, cantadas con diferentes palabras y ritmos.
Catedral de Colonia
La sala central de Colonia, Alemania, tiene 48 metros de altura; la iglesia de Ulm, Alemania, tiene 161 metros de altura, medida desde la altura del campanario de la iglesia. . En segundo lugar, el impulso ascendente del cuerpo es muy fuerte, con ligeras líneas verticales que recorren todo el cuerpo. Independientemente de si las murallas y torres de la ciudad están cada vez más divididas, las decoraciones se vuelven cada vez más elaboradas y hay agujas afiladas en la parte superior que perforan el cielo. No sólo todos los cupones son nítidos, sino también las partes superiores del edificio y los detalles. Toda la iglesia está llena de impulso ascendente. Este estilo, que se caracteriza por un fuerte impulso alto, recto, puntiagudo y hacia arriba, es la encarnación del abandono por parte de la iglesia de los pensamientos religiosos seculares y el reflejo espiritual de la fuerte vitalidad ascendente de la ciudad. Si el románico muestra la autoridad de la iglesia en su forma sólida, estable e inquebrantable y tiene el significado de heredar la tradición a través de lo retro, entonces el gótico encarna la autoridad de la iglesia con el poder rudo, desenfrenado, diestro y creciente de los bárbaros divinos. Espíritu. Sus líneas rectas, peculiares pasajes espaciales, luz colorida a través de las vidrieras y diversas tallas y decoraciones exquisitas crean de manera integral un reino "inhumano" y dan a las personas una sensación de misterio. Algunas personas dicen que la arquitectura romana es un palacio en la tierra y la arquitectura gótica es un santuario en el cielo.
Vidrieras con mosaicos
Junto con la arquitectura gótica, surgieron hermosas pinturas de vidrieras. El cuadro también se convirtió en una biblia para los creyentes analfabetos. El rosetón redondo simboliza el cielo, y varios santos suben a las coloridas vidrieras, que se asemejan a una colorida escena escénica. Cuando la gente se acerca a la iglesia, no sólo tienen la ilusión del cielo, sino también la belleza de la decoración. Debido a que es una pintura sobre vidrio, puede iluminarse con la penetración de la luz y fascinar con el maravilloso color de la luz. Las esculturas góticas son una parte integral de la arquitectura de la iglesia. Los personajes comenzaron a mantener posiciones espaciales independientes, buscar formas tridimensionales, esforzarse por ajustarse a la imagen real y buscar formas naturales y vívidas, haciendo que el cuerpo humano se llene gradualmente y los pliegues también cambiaron estructuralmente, haciendo que la gente sienta que hay un cuerpo humano real dentro de la ropa. Las estatuas ya no se parecen en apariencia a seres humanos, sino que son personas de carne y hueso. La arquitectura gótica utiliza principalmente esculturas redondas y altos relieves cercanos a las esculturas redondas.
El arte gótico es cercano a la vida y al realismo y está extendido por toda Europa, por eso también se le llama estilo Gótico Internacional. El arte gótico tardío dio origen claramente al Renacimiento.
En la segunda mitad del siglo XIV, las ideologías sociales europeas comenzaron a sufrir profundos cambios. Algunas ideas nuevas, avanzadas y provocativas, se están gestando y difundiendo gradualmente. El más representativo es el humanismo. El humanismo aboga por poner a las personas en primer lugar, y las personas son los dueños de la sociedad, no los dioses. Alabe el amor de la humanidad por la vida y la sabiduría humana, y crea que el poder humano puede superarlo todo. Abogando por la naturaleza humana y oponiéndose al ascetismo medieval. Bajo la influencia y promoción del humanismo se produjo en Europa un cambio profundo que afectó a la política, la cultura y otros aspectos: el movimiento "renacentista". Después de la literatura, las bellas artes y otras formas literarias, la música también entró en un período "renacentista". En la música de este período, la música profana ocupó una posición cada vez más importante. La descripción del mundo interior de las personas y la belleza de la naturaleza adquirió gran importancia en las obras musicales, formando un nuevo estilo musical y produciendo muchos géneros musicales instrumentales y formas de ópera. Algunos compositores con personalidades únicas, como Pasti Rina, Lasso, Landino, Duffy, Monteverdi, etc., han realizado destacadas actividades musicales. Sus creaciones están llenas de nuevas tendencias musicales y tienen un gran significado pionero. Durante este período, el arte musical se desarrolló de manera integral y la música polifónica de aquella época había alcanzado su edad de oro en el siglo XVI. Durante este período también maduró la teoría musical: el sistema tonal de tonalidades mayores y menores se ha establecido básicamente y también está naciendo y desarrollándose el sistema funcional de armonía. La notación ha cambiado de notación de letras y notación de símbolos a notación de doble línea, notación de cuatro líneas e incluso notación de cinco líneas. La aplicación del contrapunto también ha alcanzado un nivel muy rico. Durante este período, la música instrumental se volvió cada vez más independiente; el desarrollo de los instrumentos musicales también se aceleró gradualmente. En ese momento, los antiguos violines, trompetas, trompetas, trombones, órganos de tubos y pipas estaban activos en el escenario musical. La aparición de violines y clavicordios a finales del Renacimiento añadió un brillo deslumbrante al arte de la música.
Capítulo 6 La música en el período barroco
Primero, el estilo barroco
Se cree generalmente que el período barroco de la música es de 1600 a 1750, es decir, desde Monte Weir hasta Bach y Handel. La muerte del maestro polifónico Johann Sebastian Bach en 1750 marcó el fin de la música polifónica en su apogeo y el fin de la era barroca. La razón por la que este período se llama período Barroco es porque las técnicas y métodos de expresión musical de un período básicamente tienen algo en común, por lo que no tiene ningún significado especial etiquetarlo con este término. La palabra barroco proviene del francés, y su origen es el portugués barroco, que significa perla que no tiene forma redonda. Fue utilizado por primera vez por los críticos del Barroco tardío al comentar la música de este período. Generalmente tenía una connotación despectiva, refiriéndose a la música tosca, extraña y exagerada. Los músicos del período clásico posterior al Barroco tendieron a simplificar y estandarizar el lenguaje musical. En su opinión, la música barroca era demasiado extravagante y no estaba lo suficientemente estandarizada. Por ello, el término barroco es utilizado por la crítica para referirse a las obras artísticas y musicales del siglo XVII y principios del XVIII. Ahora, a medida que pasa el tiempo, podemos observar la música de este período con una perspectiva histórica más profunda y matizada. Barroco ya no tiene el significado de aspereza y aspereza, pero comparado con las obras musicales anteriores y posteriores al Barroco, sí tiene características exageradas y algo irregulares.
Arte renacentista centrado en la claridad, la unidad y la coordinación. Pero a finales del siglo XVI, el elemento emocional en el arte iba en aumento y las formas claras, definidas y perfectas se vieron abrumadas por la necesidad de expresar emociones. En las bellas artes, esto se puede ver en las coloridas y dramáticas pinturas de Caravaggio (1573-1610). Musicalmente, ya hemos visto pistas en los madrigales de Marenzio y Carlo Gesualdo y en las antiguas canciones de Dao Lunde, y su próxima generación tiene un mayor desarrollo. Para producir estos poderosos efectos, fue necesario desarrollar un nuevo estilo musical. En general, la suave música polifónica del Renacimiento ya no se adaptaba a las características requeridas por la nueva era. La creación más importante del período barroco fue el concepto de "contraste". La música renacentista era fluida, con todas las voces (normalmente cuatro o cinco) entrelazadas y sincronizadas. Después de 1600, esta textura se usó cada vez menos y sólo se podía ver en la música de la iglesia. Debido a que la música de la iglesia está sujeta a la liturgia tradicional fija, es la más conservadora.
"El Cristo Enterrado" de Caravaggio
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Introducción: Este retablo fue pintado originalmente por Santa María de ·An orden de la iglesia de La Valricilla. Representa la trágica escena del entierro de Cristo junto con Juan, Nicodemo, Santamaría y dos seguidoras de Cristo después de su crucifixión: la débil luz sólo iluminaba una gran losa de piedra en la cueva. Sobre un fondo oscuro, Juan y Nicodemo bajaron lentamente el cuerpo desnudo de Jesús al sepulcro. Detrás de él estaban María, la madre de Jesús, y dos creyentes. El cuerpo de Jesús fue iluminado por la luz. Toda la escena se asemeja a la escena del entierro de un héroe o soldado caído. El cuerpo de Jesús se representa fuerte y fuerte. Su rostro también mostraba determinación. Un rostro con una corta barba negra, muy tranquilo. El ambiente era solemne, triste, solemne. El pintor utilizó técnicas anatómicas precisas para mostrar cadáveres musculosos. Sólo las manos bajas de Jesús le recordaron que no tenía vida. Pero la mano caída y la pierna levantada crean una sensación de luz equilibrada en la pantalla. Nicodemo es la imagen principal de Caravaggio. Cuenta la leyenda que era fariseo. Conocí a Jesús por la noche y hablé con él sobre si las personas pueden renacer. Después de que Jesús fue crucificado, vino a ayudar con el entierro. El pintor lo representó como un viejo granjero. Y fue pintado en la posición principal en primer plano, mostrando especialmente sus grandes pies descalzos. Para mejorar la estabilidad de toda la imagen, estos dos pies actúan como equilibrio en primer plano. Aquí, además de las imágenes realistas del cuerpo de Jesús y Nicodemo en primer plano, también se procesan rítmicamente las imágenes de las tres últimas mujeres, especialmente Magdalena, con las manos en alto, su rostro muestra dolor, realzando la tragedia de la imagen. Tenía los ojos hinchados de lágrimas y los labios entreabiertos, como si llorara por la tierra. La Virgen lleva pañuelo en la cabeza y tiene el rostro delgado. Extendió su mano derecha detrás del hombro de John. La mano queda iluminada por la luz, equilibrando así las zonas receptoras de luz distribuidas en el lado derecho. Al mismo tiempo, ¿esta palmera se encuentra en el sur de Loos? En esta escena de tragedia funeraria, la mano también juega un papel protagonista. La imagen de María en el medio está bellamente pintada. Se ve encantadora, delicada y adorable. Era hermana de Lázaro. Una sencilla campesina. Bajó la cabeza, sumida en el dolor, y se secó las lágrimas con un pañuelo en la mano derecha. El peinado con una hendidura en el medio y una trenza en la parte posterior de la cabeza hace que la gente sienta el realismo de esta imagen. Todas las figuras, excepto el rostro de John, tienen partes claras que reciben luz. La concepción típica del pintor está cuidadosamente pensada. En cuanto al color, el rojo y el azul de la ropa y la palidez de la piel también forman un marcado contraste. Esto hace que la atmósfera trágica del entierro del héroe entre en conflicto fuertemente con la oscuridad circundante. Cuando se exhibió este cuadro, no sólo los admiradores de Caravaggio quedaron convencidos, sino que incluso sus viejos enemigos tuvieron que admitir el altísimo nivel artístico del pintor. La pintura se encuentra ahora en el Museo de Pintura del Vaticano en Roma.
El "contraste" se puede expresar en diferentes aspectos: el tono de la voz; la velocidad (el contraste entre pasajes rápidos y lentos o entre partes rápidas y lentas); (canto) y conjunto (coro), etc. Todos ellos existen en la estructura musical del período barroco y cada uno tiene su propio lugar. Muchos músicos del período barroco utilizaron conciertos o conciertos compuestos (la palabra misma implica un factor de contraste obvio). La característica básica de esta forma es el cambio de textura, a veces una voz (solo) o varias voces, a veces un conjunto de grupo más grande.