La tendencia de la pintura moderna que prevaleció en Francia de 1898 a 1908. Aunque no existe una teoría o un programa claro, es el resultado de las actividades activas de un cierto número de pintores en un período determinado, por lo que también puede considerarse como una escuela de pintura. A los pintores fauvistas les gustaba usar colores brillantes y densos, a menudo usaban pintura extraída directamente de tubos de pintura y pinceladas directas y atrevidas para crear un fuerte efecto pictórico, lo que demuestra plenamente la tendencia expresionista a buscar la expresión emocional. El fauvismo recibió su nombre del Salón de Otoño de París de 1905. En ese momento, se exhibieron en la misma sala las obras de un grupo de artistas de vanguardia encabezados por Matisse, causando un gran revuelo. Algunas personas llamaron vívidamente a estas pinturas "una lata de pintura frente al público". ¿Y "Gill", quien más tarde tomó el nombre de "cubismo"? Louis, un reportero de "Brass Magazine". Se le ocurrió un nombre adecuado. Encontró una pequeña estatua de bronce de estilo renacentista hecha por Marche en medio de la sala de exposiciones, donde los colores de los tatuajes eran ruidosos, y no pudo evitar exclamar: "Donatello está encerrado". ¡La jaula de una bestia! "(Donatello fue un destacado escultor durante el Renacimiento italiano: nota del autor). Pronto, esta ocurrencia se publicó en la revista Gil? Brass, y el nombre de "fauvismo" rápidamente fue ampliamente reconocido. Al año siguiente, cuando construyeron su nido, La "bestia" en la jaula, y organizó una impresionante exposición tras otra, y la bestialidad creció en influencia e impulso. Al principio, el nombre irónico perdió gradualmente su significado despectivo.
Los representantes del impresionismo temprano fueron Monet y Manet en Francia. Monet y otros pintores jóvenes formaron la "Sociedad de Pintores Desconocidos" y realizaron una exposición en París, que causó una gran sensación. La impresión es aún más notable. Esta pintura muestra la impresión momentánea de mirar el sol naciente a través de la niebla de la mañana. En el puerto de Le Havre, un crítico escribió un artículo burlón sobre este cuadro, diciendo que Monet y otros pintores eran un grupo de "impresionistas". mundo, "¿Amanecer?" La impresión se convirtió en el sello distintivo de esta escuela de pintura. Las pinturas de Manet prestan atención a la relación entre la luz y el color, con colores vivos y una luz clara y brillante. Su obra maestra es "Almuerzo sobre la hierba". El pintor quería mostrar el contraste entre el cuerpo humano y los bloques de color bajo la luz exterior. La pintura provocó un acalorado debate en su momento.
El trasfondo social del arte neoclásico: El arte neoclásico surgió en Francia a finales del siglo XVIII y principios del XIX, y estuvo relacionado con la revolución burguesa. A finales de 2018 y principios de 2009, la sociedad francesa estaba convulsionada. Con el advenimiento de la Ilustración y la Revolución Francesa, la burguesía se opuso a los estilos artísticos obsoletos del antiguo sistema. Necesitaban que el arte se convirtiera en un arma poderosa para propagar la revolución y defender la libertad, la igualdad y la armonía. Para cultivar el coraje de lucha de la gente y utilizar el arte para establecer un espíritu heroico, persiguieron el espíritu heroico de la antigua Grecia y Roma, y surgió el arte neoclásico.
Las características básicas son: el uso de formas clásicas, que encarnan racionalidad y nuevos sistemas, en su mayoría temas históricos y mitológicos de la antigua Grecia y Roma, y personajes llenos de espíritu heroico que luchan por la libertad y la armonía del estilo pictórico; es simple, solemne, elegante y sofisticado. Destaca la claridad y precisión de las líneas y persigue la perfección formal.
En este complejo período que llamamos Renacimiento, el estatus del arte sigue siendo el mismo que antes. Una característica destacada de este período es el resurgimiento del humanismo clásico, que es definitivamente una característica destacada de los ideales no cristianos. Podríamos llamarlo humanismo cristiano. Por ejemplo, el estilo lírico de "Francesco" de Angelico ilustra este punto. Pero lo que llamamos paganismo renacentista es una religión casi idéntica al cristianismo. En otras palabras, los artistas del Renacimiento, al igual que los magos primitivos y los artistas cristianos, utilizaron su arte como una herramienta para servir a sus propios ideales al expresar los ideales humanistas clásicos.
En los siglos XVI y XVII el humanismo perdió sus elementos ideales. La civilización se volvió cada vez más materialista. Finalmente, en el siglo XVIII, los artistas podían convertirse en esclavos de una sociedad materialista o en sus propios amos. El estatus del futuro artista no es mejor que el del artista original. Simplemente reemplazó un miedo por otro.
En el último caso, planteamos libremente una pregunta: si un artista "bueno, grande, encantador, hermoso y libre" se basa sólo en sus propios sentimientos y no en los sentimientos de las masas ni en los ideales tradicionales, ¿qué puede crear? ¿Una obra que rivaliza con las grandes obras del arte religioso?
Desde entonces, el estatus del arte primitivo se ha ido consolidando gradualmente y su valor estético y comercial ha sido reconocido por la sociedad en general. A mediados del siglo XX (1954) se creó el "Museo de Arte Primitivo" en Nueva York. El arte primitivo finalmente ya no era sólo una muestra antropológica o etnológica adscrita al Museo de Historia Natural, sino que podía abrirse paso en el mundo. el escenario del arte y competir con el "arte del mundo occidental" van de la mano. No es de extrañar que algunas personas crean que este "descubrimiento" también ha reescrito la historia de la investigación del arte humano, haciendo posible que el "interesante" estudio filosófico de la "antropología estética" aparezca en el tema de investigación de la antropología del arte
Sin embargo, hay que aclarar que los antropólogos nunca han dudado de que las personas comparten gustos y experiencias estéticas comunes. Simplemente no quieren establecer principios y estándares estéticos que sean universalmente aplicables, sino que creen que sólo profundizando en el contexto histórico único de cada grupo social o vida cultural será posible comprender y explorar la experiencia y los estándares estéticos. del arte no occidental.
Antes del final de la Segunda Guerra Mundial, la investigación antropológica del arte era todavía bastante rara. La impresión general del arte primitivo era la de formas más estéticas y comerciales, en lugar de conceptos etnográficos que enfatizaran el contexto, la función y el significado. . No fue hasta las décadas de 1950 y 1960 que comenzó a surgir el estudio de la estética no occidental en la antropología. Sin embargo, las siguientes cuestiones básicas nunca se han resuelto, como por ejemplo: ¿Se puede definir el "arte"? ¿"Arte" es igual a "belleza"? ¿Se basa principalmente en la forma, el contenido y el significado de la expresión, o es simplemente porque se le llama "arte"? ¿Es posible una "estética" transcultural? ¿Y cómo distinguir arte/no arte, según la visión exterior o la interior? .....etc. (McEviolley, 1989). Precisamente porque la naturaleza y la definición del arte están llenas de ambigüedad e incertidumbre, los antropólogos se mostraron reacios a tocar este tema desde el principio. Algunos dijeron desde el principio que los problemas persistentes en la "naturaleza del arte" siempre han sido un problema para los antropólogos. Los factores fundamentales son que se involucran menos en la investigación artística y sus resultados no se muestran de manera efectiva. Por eso, durante mucho tiempo, el estudio de los temas artísticos nunca ha podido excluir esta marginalidad en la categoría de la antropología.
En segundo lugar, hay una pregunta sobre la naturaleza del arte. Algunos académicos creen que desde una perspectiva y un punto de vista de las ciencias sociales, los investigadores deberían primero tratar de deshacerse de sus propios sentimientos y su insistencia en la estética, porque lo es. En realidad, como una especie de retórica sagrada y emocional "religiosa", sólo así se puede lograr la "objetividad". Además, la investigación de los antropólogos enfatiza la función y el significado del arte en lugar del poder independiente de la “belleza” (coote y Sheldon, 1922).
Después de la década de 1970, el enfoque de la antropología en los trabajos de investigación sobre el arte o la estética aumentó significativamente. . Uno de los estadounidenses, G. Blocker, creía firmemente que una "estética" transcultural era posible para el arte primitivo, pero sólo cuando se tenían en cuenta factores tanto subjetivos como objetivos. Es decir, debe incluir: la visión "subjetiva" de la forma y la estética enfatizada por artistas, coleccionistas y estetas, y la visión "objetiva" de explorar el contexto, la función y el significado a través de la experiencia empírica y el trabajo de campo defendida por antropólogos y sociólogos "Ver". Porque el contraste entre estética y función, o forma y significado, en el estudio del arte primitivo, no es una cuestión de qué viene primero, sino un concepto que existe al mismo tiempo y es igualmente importante, por eso cree que una obra no puede Debería ser cierto que "los artistas dicen que es arte, los antropólogos dicen que no es arte".
Cuando se trata de experiencia estética, tanto los orientales como los occidentales siempre están interesados en cosas "originales" que son más antiguas en el tiempo o más lejanas en el espacio. Pero cuando hay una confrontación real, a menudo habrá una mezcla de sorpresa y accidente, una especie de sentimiento "primitivo" agitado por los disidentes y escondido en lo más profundo del corazón. Cualquier cultura es natural y las personas tienen el instinto de distinguir e integrar el "yo" y el "otro" en su pensamiento. Cuantas más cosas no se puedan entender y controlar, más atractivas serán; las cosas que no se pueden incorporar a la norma por un tiempo pueden ser marginadas, consideradas inferiores y rechazadas, pero también es posible que, en determinadas circunstancias, lo sean; un fuerte sentido de pertenencia por parte de este grupo. Identificación emocional, aceptación y el llamado efecto "sacralización".
Esta clasificación de "normal" y "extraordinario" y la coexistencia de una psicología polarizada cuando se trata de "otras cosas" hacen que la gente lo acepte, lo santifique, lo evite o lo abandone. Este es un fenómeno común, independientemente de dónde se encuentre. ¿Una sociedad incivilizada o civilizada, en el pasado o en la sociedad actual?
A finales del siglo XIX, los antropólogos europeos notaron un fenómeno interesante mientras realizaban investigaciones sobre las creencias religiosas primitivas en sociedades tribales con diferentes culturas. La palabra polinesia y melanesia "mana" se refiere a la creencia en el poder espiritual o sobrenatural de las "cosas". Además, en el idioma indio de la costa occidental de América del Norte, la palabra "tótem" generalmente se refiere a un objeto simbólico (objeto natural) con extraordinario poder, sacralidad y tabú, lleno de mitos y leyendas, también llamado "tótem". Aparece en la interacción entre el hombre y el entorno natural y luego se personifica, se sacra y se visualiza. Se trata de un símbolo que representa a un grupo social o un elemento básico de su estilo artístico. Existe una relación denominada "creencia totémica" o "estética totémica" entre este grupo y su tótem (Zheng, 1992).
El papel y la relación operativa entre el surgimiento del "tótem" y sus creencias no pueden explicarse aquí. En pocas palabras, la gente presta especial atención a un objeto (ya sea natural o creado por el hombre) debido a su extraordinario poder y su naturaleza tanto buena como mala. Al mismo tiempo, debido a la constante observación y contemplación de las personas y las cosas, y a la combinación del yo y los objetos, me olvidaré de mí mismo nuevamente y entraré en un mundo espiritual de otro mundo, sin bien ni mal. En general, la existencia de una creencia totémica o el surgimiento del arte primitivo, así como el proceso de experiencia de juzgar la belleza en él, son todos procesos que van de lo secular a lo extraordinario, de la autoproyección a la integración con otras cosas, lo que se llama la interacción después del proceso de internalización y externalización.
Para los espectadores, es su primer contacto con la experiencia estética o la apreciación del arte, sin importar si el contenido del objeto es antiguo o moderno, su propia cultura o cultura extranjera, exquisita o bárbara, si es moderna. o primitivo, se basa en la intuición, a través de ver o interactuar con otros sentidos, basándose en la cognición previa y la experiencia previa. Por eso es extraño decir que algunas obras u objetos conducirán naturalmente a los espectadores a un mundo espiritual "hermoso", mientras que otros son completamente aislantes. El público también puede dividir el grado estético o la naturaleza de la obra en diferentes niveles según el gusto personal, como noble, vulgar, bárbaro, etc. Pero, por supuesto, toda estética transcultural, intertemporal y espacial debe basarse en una postura y un fundamento iguales y relativos. La clave es que cada grupo o individuo tiene su propio estilo artístico especial, estándares estéticos y significado simbólico dentro de su contexto social e histórico. Incluso si los estándares de belleza son diferentes debido a las diferentes épocas, nacionalidades y contextos sociales y culturales, siempre que las personas reconozcan la igualdad de valores, respeten a los demás y sean capaces de sentir empatía, pueden inspirar una "belleza" que abarque el tiempo y espacio entre el espectador y la obra” experiencia interactiva. Por otro lado, si no nos posicionamos desde el punto de vista de la igualdad y la empatía, será difícil afirmar o apreciar la "belleza" de la otra parte, porque la belleza es una especie de reconocimiento de valores. Cualquiera que tenga un déficit en el estándar de "belleza" reconocido por un grupo específico, o que tenga gustos y disgustos debido a su propio "gusto" único, emitirá juicios diferentes, y algunos incluso lo negarán por completo como algo de bajo nivel y Sabor bárbaro. No belleza.
A principios del siglo XX, cuando los artistas de París se maravillaban ante la belleza del arte primitivo (refiriéndose a las máscaras y estatuas africanas), también era popular en esta sociedad un tipo de estética (negrophilie). Muchos creían que los "negros" estaban dotados de manera innata de ciertas características, incluyendo energía, ritmo, emoción y poder mágico, que se expresaban en su escultura, música y danza (Halle, 65438+). Pero esta es una especie de imaginación y visión racial que no sólo aparece en los artistas europeos modernos que consideran el arte africano primitivo como "arte", sino que también demuestra que en toda la sociedad occidental, la gente siempre ve a los países extranjeros desde la perspectiva estética de su propio país. propia cultura nacional del arte no occidental o primitivo.
Durante más de un siglo, los occidentales han seleccionado, apreciado y afirmado obras de arte originales de las que pueden resumir un cierto estilo típico que responde a sus estándares culturales. Por ejemplo, S. S. Errington, 1994) señaló que el llamado "arte primitivo auténtico" a los ojos de los occidentales en realidad se considera arte producido por pueblos primitivos reales sin la interferencia de la civilización occidental. El propósito definitivamente no es un artefacto hecho para venderse a extraños.
Sin embargo, esta interpretación y percepción de la autenticidad del arte original ha sido ampliamente cuestionada. Especialmente en 1987, cuando el Museo de Arte Moderno celebró la exposición especial "Primitivismo en el arte del siglo XX", causó un gran revuelo (Rubin, 1984; Price, 1989; Torgovnick, 1990).
Respecto a " ¿Cuál es el verdadero arte primitivo a los ojos de los occidentales?" S. Errington descubrió que desde principios de este siglo, las preferencias de los artistas, estetas, coleccionistas, historiadores del arte o conservadores de museos modernos se han basado invariablemente en una forma de El "naturalismo óptico" formado en la estética occidental se cruza, es decir, las obras que pueden identificar el contenido de la imagen son las más populares. Lo que eligieron, representado por esculturas figurativas de personas o animales con funciones sacrificiales, se denominó "alto arte primitivo" y se calificó de "obra maestra". En segundo lugar, hay algunas "obras de arte decorativas" con patrones decorativos, pero el contenido simbólico o la simulación no se pueden identificar, y también hay algunos objetos que no tienen ningún patrón o significado decorativo en absoluto. Los seleccionados para fines de exposición son considerados por la gente corriente como "arte primitivo".
Y es obvio que el favor de la sociedad occidental por el arte primitivo, o la influencia del arte primitivo en Occidente, se basa en realidad en el estilo estético de la obra. Además, debido a su creencia en el "espíritu" de las obras de arte originales, los artistas modernos tomaron prestadas las expresiones plásticas del arte primitivo y las transformaron en fuentes de inspiración para expresiones creativas personales. Este enfoque es como la referencia del Renacimiento a la antigua Grecia y; Cultura romana. Además, según el análisis de algunos expertos, los estilos y características de diversas escuelas del arte moderno europeo se pueden encontrar en obras artísticas verdaderamente originales de la tribu, como el realismo, el surrealismo, el expresionismo, el naturalismo, etc. En otras palabras, las personas también pueden aprender a apreciar ciertas características del “arte primitivo” a través de las creaciones de algunos artistas modernos o las obras de los llamados primitivistas modernos (Goldwater, 1969).
A principios del siglo XX, los pintores europeos admiraban mucho la sociedad primitiva y tenían ideas románticas e ilusorias sobre el arte primitivo. Creían que la sociedad primitiva contenía libertad, belleza y creatividad infinitas, pero no sabían que la sociedad primitiva. La sociedad contenía libertad, belleza y creatividad infinitas. Los artistas primitivos también están restringidos y atados por sus tradiciones sociales y culturales. Durante la Segunda Guerra Mundial, el interés de los europeos se extendió gradualmente desde la estética puramente figurativa hacia formas artísticas más simples y abstractas. Tanto es así que la obra de arte original a veces se aprecia como una obra del surrealismo no por su belleza, sino por la "magia" que se creía escondida en su interior. Pero en realidad, estos artistas modernistas nunca pensaron en explorar más a fondo el contexto sociocultural y el significado simbólico de estas obras de arte originales. Recientemente, los académicos han señalado repetidamente que debido a que las obras artísticas de las sociedades primitivas o tribales son seleccionadas, poseídas y buscadas por extraños, y exhibidas, interpretadas y reproducidas, la manipulación y las habilidades estéticas de los académicos y expertos en este proceso influyen o Determinar qué forma y la razón principal por la que los géneros se plasman en obras de arte.
Pero ¿cómo fueron tratadas estas obras de arte primitivas en sus sociedades tribales primitivas? ¿Existe un concepto de "arte" como el nuestro que pueda distinguir entre lo que es arte puro y lo que es un artefacto? ¿Cómo definir el "valor" del arte (tanto en aspectos estéticos como funcionales)? Y para los miembros tribales, ¿tienen sentido las preguntas anteriores?
Hablando francamente, para responder a las preguntas anteriores, tal vez sólo podamos recurrir a aquellos sociólogos que creen que los fenómenos artísticos son "hechos sociales" y que el arte es parte de toda la sociedad. y contexto cultural, académicos y expertos en funciones artísticas y significados simbólicos, utilizando datos de campo más profundos y visiones culturales integrales para hacer explicaciones empíricas.
El "primitivismo" se refiere a una cierta tendencia "primitiva" en las actitudes y estilos de creación artística; debido a que no puede fijar o representar ninguna época, facción o estilo específico en la historia del arte, es difícil definir una característica arbitraria. . Se pueden encontrar similitudes en el arte occidental moderno del siglo XXI, en el arte primitivo de las sociedades tribales (pasadas o presentes), en el arte popular, en el arte infantil, en el arte simple o en las obras de arte de los estilos o características de los pacientes con enfermedades mentales (Wentick , 1979).
R. Goldwater, 1938) realizó un análisis detallado de la relación entre los estilos creativos de los artistas occidentales modernos y el arte primitivo en las sociedades tribales tradicionales en su libro "Primitivismo en el arte moderno". Señaló que el arte primitivo exhibido por las sociedades tribales no puede describirse uniformemente en forma o composición.
Los artistas modernos están influenciados por el arte primitivo de la sociedad tribal, y el "primitivismo" en sus creaciones se puede dividir a grandes rasgos en las siguientes cuatro categorías, que incluyen: primitivismo romántico, primitivismo emocional, primitivismo intelectual y primitivismo subconsciente. Sin embargo, el autor cree que todavía hay espacio para la discusión en el muestreo, descripción y análisis de varios artistas representativos y sus obras en este libro, pero dado que cae dentro del alcance de la historia del arte, no entraré en detalles aquí. Pero básicamente se acepta que el terreno común del primitivismo expresado en el arte es revelar el fundamento común que se esconde en la psique humana, o más exactamente, lo que las personas expresan desde su mente subconsciente. * Terreno común. Además, este tipo de "primitivismo" realmente puede superar la alienación y las diferencias entre culturas y lograr una comprensión y comunicación mutuas desde la perspectiva de la apreciación del arte y la estética.
Lo que el instinto humano y el sexo tienen en común es: moldear el yo dividiendo "yoes diferentes" (considerándolos como el origen) y fortaleciendo la autoconciencia de cómo tratar a los "yoes diferentes"; también se refleja en su conformación, construcción y expresión del "yo" (Hiller, 1991).
Se puede ver en la discusión anterior sobre "primitivo", "arte primitivo" y "primitivismo" que este es el individualismo egocéntrico de los europeos en los últimos cien años, que ha afectado al mundo entero. Valor artístico, visiones estéticas y tendencias del desarrollo artístico. El primitivismo es la autoconstrucción y reproducción bajo la ideología occidental. En los primeros días, bajo la historia colonial y la mentalidad imperialista, el arte primitivo era juzgado como bárbaro y extraño, y gradualmente se convirtió en un rincón importante de la etnografía o la antropología de la historia natural (evidencia de la evolución cultural). Luego fue descubierto por artistas europeos y se convirtió en un objeto mágico "hermoso" (Clifford, 1988). A lo largo de este proceso, mientras los occidentales construían su propio "arte primitivo", también continuaban persiguiendo la imaginación "primitiva" en sus propias tradiciones culturales y creaciones artísticas.
Los hechos han demostrado que la admiración por obras artísticas primitivas de ciertas regiones o tipos bajo los valores estéticos occidentales conducirá naturalmente a la herencia cultural y cambios de varias tribus, e incluso afectará su creación artística o industria del arte. . producción y rendimiento. A partir de los productos modernos de hoy que cambian constantemente sus formas para el turismo o el comercio, no es difícil descubrir que muchos grupos étnicos y tribus alrededor del mundo también tienen una crisis moderna de "autoposicionamiento e identidad" (Torgovnick, 1990). Teníamos curiosidad por saber cómo veían los miembros de la tribu su “primitivismo” pasado o presente en el arte.
Cuanto más puedan las personas sentir o preocuparse por las opiniones de los demás sobre sí mismas, más activamente deberían construirse y expresarse. A juzgar por la situación actual, algunos miembros tribales tienen una alta conciencia étnica y buscan y construyen activamente su propia identidad interna y externamente. En teoría, esto conducirá inevitablemente a un nuevo alejamiento del "primitivismo" en el arte contemporáneo; sin embargo, ¿de dónde se nutren, de sus propias tradiciones culturales o del entorno cada vez más globalizado? ¿Cómo se mantienen las tradiciones artísticas heredadas de las sociedades tribales del pasado o, por el contrario, cómo se propaga el primitivismo emergente en la sociedad contemporánea? En resumen, ¿lo occidental y lo occidental, lo intraétnico y lo no étnico, lo tradicional y lo moderno y la posmodernidad formarán otro estilo nuevo y utópico en el arte del futuro? ¿Será la homogeneidad de connotación y carácter, la unidad de representación formal o algo más?
La gente siempre está en desacuerdo sobre qué es el buen arte, por lo que es imposible distinguir entre el arte religioso y el arte individualista. Aun así, está bien estar de acuerdo en una o dos opiniones u opiniones sobre este tema. En primer lugar, es obvio que ningún artista puede tener éxito sin los sentimientos del público. La teoría de que el arte es autoexpresión no puede resistir un escrutinio a largo plazo, porque la gente preguntará: ¿qué es el "yo" expresado? ¿Estás hablando de fantasías subconscientes? Probablemente esta sea una respuesta común a esta pregunta. Sin embargo, ¿cuál es el valor de estas fantasías (a diferencia del valor estético formal de otras artes)? Sabemos muy poco sobre las fantasías subconscientes, pero por definición no vemos ningún valor asociado a distinguir las visiones del mundo de los pueblos civilizados de las de los ancestros primitivos. El propósito del arte es transmitir, confiar en o utilizar emociones para lograr un propósito. Por tanto, no hay ninguna razón por la que el arte no deba transmitir una sensación de valor. ¿Puede existir el gran arte sin religión? La respuesta a esta pregunta debe basarse en nuestra escala de valores. Tarde o temprano, los juicios deben depender de grupos sociales. Por tanto, hasta cierto punto, los artistas deben recurrir a grupos sociales si quieren crear grandes obras. Hasta ahora, la forma más elevada de expresión del sentimiento de grupo social ha sido la religión.
Aquellos artistas que niegan la inevitable conexión entre arte y religión, necesitan encontrar una forma equivalente de sentimientos de grupo social para asegurar la continuidad histórica del arte no religioso.