1. Introducción
El jazz es un género musical desarrollado originalmente por afroamericanos en la primera década del siglo XX, con una historia clara y una evolución de estilo única. El jazz creció junto con el blues y la música pop, y todos estos géneros se superpusieron de muchas maneras. Sin embargo, los críticos generalmente coinciden en si un artista cae de lleno en un campo u otro.
Dos características
Desde el nacimiento del jazz, se ha desarrollado en tantos estilos que ninguna descripción única puede describirlos a todos con precisión. Sin embargo, recuerde que como ocurre con todas las generalizaciones, se pueden hacer excepciones.
Los intérpretes de jazz improvisan dentro de las convenciones del estilo elegido. A menudo, la improvisación acompaña la progresión de acordes repetitiva de una canción popular o de una composición original. Los instrumentistas imitan estilos vocales negros, incluido el uso de portamento (un movimiento deslizante que cambia suavemente el tono), diferencias sutiles en el tono (incluidas las notas azules, que son "curvas" justo debajo de la escala mayor cuando se tocan o cantan) y efectos tonales como gruñendo y lamentándose.
En un esfuerzo por desarrollar una voz o timbre personal (un sentido particular del ritmo y la forma y un estilo de interpretación personal), los intérpretes crean estructuras caracterizadas por una síncopa sostenida (colocar acentos en lugares inesperados), generalmente en un ritmo más débil) y un ritmo caracterizado por el swing. El swing se puede definir como una sensación de impulso en la que una melodía se alterna con un ritmo regular y luego cambia ligeramente. La partitura escrita, si está disponible, se utiliza a menudo simplemente como guía, proporcionando una estructura para la improvisación. La instrumentación típica comienza con una sección rítmica que incluye piano, contrabajo, batería y guitarra opcional, y se puede agregar cualquier cantidad de instrumentos de viento. En una big band, los instrumentos de viento se dividen en tres categorías: saxofones, trombones y trompetas.
Aunque hay excepciones en algunos estilos, la mayor parte del jazz se basa en el principio de que un número infinito de melodías pueden caber en la progresión de acordes de cualquier canción. Los músicos improvisan una nueva melodía que se ajusta a la progresión de acordes y la repiten a medida que cada solista toca para lograr el número deseado de estribillos.
Aunque se utilizan muchas formas diferentes de música en la improvisación de jazz, a menudo se encuentran dos formas particulares en las canciones de jazz. Se trata de un coro de canciones populares en forma de AABA, que suele constar de 32 compases. El ritmo, dividido en cuatro secciones de 8 compases: compás A, una repetición del compás A, compás B (el "puente" o "liberación", generalmente comenzando en una nueva tonalidad) y una repetición del compás A. La segunda forma, profundamente arraigada en la música folclórica afroamericana, es el blues de 12 compases. A diferencia de la forma AABA de 32 compases, las canciones de blues tienen una progresión de acordes bastante estándar.
Tres Orígenes
El jazz tiene sus raíces en las tradiciones musicales mixtas de los afroamericanos. Estos incluyen características que han sobrevivido de la música de África occidental; formas de música folclórica negra desarrolladas en las Américas; música popular europea y música clásica ligera de los siglos XVIII y XIX d.C. y música posterior influenciada por la música negra o compuesta por compositores negros; . Las características africanas sobrevivientes incluyen el estilo vocal, incluida una gran libertad de color vocal; una tradición de improvisación; patrones de llamada y respuesta; y complejidad rítmica, tanto en la síncopa de líneas melódicas individuales como en los diferentes miembros del conjunto. Las formas de música folclórica negra incluían gritos de campo, cánticos de remo, canciones de cuna y, más tarde, espirituales y blues (ver Música afroamericana).
La música europea aportó estilos y formas específicas: himnos, marchas, valses, cuartetos y otras músicas de baile, así como música ligera y música de ópera italiana. La música europea también introdujo elementos teóricos, especialmente la armonía, como vocabulario de acordes y conceptos relacionados con la forma musical. (Gran parte de la influencia europea fue absorbida a través de lecciones privadas de música europea, e incluso los músicos negros con esa formación encontraron trabajo sólo en sórdidos distritos de entretenimiento y en barcos en el río Mississippi.
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Los elementos de la música popular con influencia negra que contribuyeron al jazz incluyen música de banjo interpretada por juglares (derivada de la música de banjo eslava), patrones rítmicos sincopados de música latinoamericana con influencia africana (que se escuchan en las ciudades del sur de América), el estilo de piano de barril de los músicos de taberna del Medio Oeste y las marchas interpretadas por bandas de música negras a finales del siglo XIX. A finales del siglo XIX d.C. surgió otra escuela influyente. Se trata de música ragtime, un tipo de música compuesta que combina muchos elementos, incluidos ritmos sincopados (de la música banjo y otras músicas negras) y los contrastes armónicos y patrones formales de las marchas europeas. Después de 1910, el director de la banda W. C. Handy adoptó otra forma influyente, el blues, y rompió con la estricta tradición oral al publicar sus canciones originales de blues. (Favorecidas por los músicos de jazz, las canciones de Handy encontraron a uno de sus mejores intérpretes en la cantante de blues Bessie Smith, quien grabó muchas de ellas).
Estas múltiples influencias están asociadas con el jazz fusión y es difícil de reconstruir porque ocurrió antes. la llegada de las grabaciones, que ya han proporcionado una valiosa documentación. Por supuesto, cada músico tiene una formación diferente y pocos están directamente influenciados por ellos. Por ejemplo, la mayoría de los artistas de jazz eran y son habitantes urbanos y es posible que sólo tengan un conocimiento indirecto de las formas negras rurales.
Cuatro Historias
La mayor parte del jazz temprano fue interpretado por pequeñas bandas de baile o solistas de piano. Además de ragtime y marchas, el repertorio incluye una variedad de música popular de baile y blues. Estas bandas suelen tocar en picnics, bodas, desfiles y funerales. Como era de esperar, la banda tocó cantos fúnebres de camino al funeral y marchas alegres de regreso. El blues y el ragtime surgieron de forma independiente unos años antes de la aparición del jazz y continuaron coexistiendo con el jazz, influyendo en el estilo y la forma del jazz y proporcionando un vehículo importante para la improvisación del jazz.
Jazz de Nueva Orleans
La primera música de jazz completamente documentada surgió poco después del cambio de siglo XX, con centro en Nueva Orleans, Luisiana. En este estilo, una corneta, trompeta o violín toca la melodía, el clarinete toca una hermosa contramelodía y el trombón toca un deslizamiento rítmico y suena la nota fundamental de un acorde o armonía simple. Debajo de este trío básico, una guitarra o un banjo toca los acordes y un piano, si está disponible; un contrabajo (o tuba para los desfiles) proporciona la línea de contrabajo y la batería proporciona el acompañamiento rítmico; En teoría, estos roles son los mismos que en otros tipos de música: es la adición de la improvisación, junto con elementos de otras músicas negras como el blues y el ragtime, lo que hace que el jazz sea único.
Un músico llamado Buddy Bolden parece haber dirigido algunas de las bandas que influyeron en los primeros músicos de jazz, pero la música y su sonido se han perdido para las generaciones posteriores. Aunque se puede escuchar cierta influencia del jazz en algunos de los primeros discos fonográficos, no hubo grabaciones de bandas de jazz hasta 1917. La banda, un grupo de músicos blancos de Nueva Orleans llamado Original Dixieland Jazz Band, se convirtió en una sensación en el extranjero y en los Estados Unidos. Entre los muchos sucesores de la banda, dos grupos se destacaron como particularmente famosos a principios de la década de 1920: los New Orleans Rhythm Kings y la Creole Jazz Band, esta última dirigida por el influyente diseñador de estilo, el trompetista King ·Leadership by Oliver. Una serie de grabaciones realizadas por la banda de Oliver generalmente se consideran las grabaciones de jazz más importantes de una banda de Nueva Orleans. Otros músicos destacados de Nueva Orleans incluyen a los trompetistas Bunk Johnson y Freddie Keppard, el saxofonista soprano y clarinetista Sidney Bechet, el baterista Warren "Baby" Dodds y el pianista y compositor Jerry Roll Morton. Sin embargo, el músico de jazz más influyente formado en Nueva Orleans fue el segundo trompetista de King Oliver, Louis Armstrong.
La influencia de Armstrong
Armstrong fue un improvisador deslumbrante técnica, emocional e intelectualmente.
Él y su generación cambiaron la forma del jazz, poniendo al solista en primer plano, y con sus grupos discográficos Hot Five y Hot Seven demostró que la improvisación del jazz podía ir mucho más allá del simple embellecimiento de melodías: creó una nueva melodía basada en el jazz. acordes de la melodía original. También marcó un estándar para los cantantes de jazz posteriores, no sólo por la forma en que variaba las letras y melodías de sus canciones, sino también por la improvisación sin palabras, como si fuera un instrumento. Esta forma de improvisación vocal se llama canto scat.
Chicago y Nueva York
Para el jazz, la década de 1920 fue una década de gran experimentación y descubrimiento. Muchos músicos de Nueva Orleans, incluido Armstrong, emigraron a Chicago, Illinois, influyendo en los músicos locales y promoviendo el desarrollo del estilo de Chicago. Este estilo tiene raíces en el estilo de Nueva Orleans, pero enfatiza los solos, a menudo agregando un saxofón a la instrumentación, lo que a menudo resulta en ritmos más ajustados y texturas más complejas. Los instrumentistas que trabajaron en Chicago o fueron influenciados por el estilo de Chicago incluyen al trombonista Jack Teagarden, Ben Toles y el guitarrista Eddie Condon, el baterista Gene Krupa y el clarinetista Ben Nick Goodman. Bix Beiderbecke también estuvo activo en Chicago, y su estilo lírico en la corneta proporcionó una alternativa al bravura del estilo de trompeta de Armstrong. Muchos músicos de Chicago finalmente se establecieron en la ciudad de Nueva York, otro importante centro de jazz en la década de 1920.
djazz piano
Otro portador del desarrollo del jazz en los años 20 fue la música de piano. Harlem de Nueva York se convirtió en el centro de un estilo solista difícil y altamente técnico conocido como "stride piano". A principios de la década de 1920, el maestro de este método era James P. Johnson, pero el intérprete más popular del idioma era el protegido de Johnson, Fitz Waller, un talentoso cantante y animador.
El segundo estilo de piano que se desarrolló en la década de 1920 fue el boogie-woogie. Un tipo de música blues tocada en el piano que consiste en un patrón de bajo breve y fuerte tocado repetidamente por la mano izquierda mientras la mano derecha toca libremente, usando una variedad de ritmos. El boogie-woogie se hizo especialmente popular en las décadas de 1930 y 1940. Los principales pianistas de boogie-woogie incluyen a Middleex Lewis, Albert Ammons, Pete Johnson y Pine Top Smith.
El pianista más destacado de la década de 1920 fue Earl "Fatha" Hines, un intérprete que se formó en Chicago y que se consideraba que tenía una imaginación salvaje e impredecible y rivalizaba con Armstrong en términos de pura innovación y apareció en algunos. de sus discos más influyentes. Su estilo, combinado con el enfoque más fluido de Waller, influyó en la mayoría de la siguiente generación de pianistas, en particular Teddy Wilson, que se unió a la banda de Goodman en la década de 1930, y Arthur Tatum. Tocó principalmente en solitario y quedó impresionado por su virtuosismo y su compleja sensación armónica.
La era de las Big Band
También en la década de 1920, grandes grupos de músicos de jazz comenzaron a tocar juntos, imitando el modelo de las bandas de baile social. Se trataba de las llamadas big bands, que fueron muy populares en los años 30 y principios de los 40, un período conocido como la era del swing. Un avance importante que surgió durante la era del swing fue un cambio de ritmo, que suavizó el ritmo de dos tiempos de algunas de las primeras bandas hasta convertirlo en un ritmo más suave de cuatro tiempos. Los músicos también desarrollaron el uso de patrones melódicos cortos, llamados riffs, en patrones de llamada y respuesta. Para facilitar este proceso, la orquesta se divide en grupos instrumentales, cada uno con su propio riff, y los músicos también tienen la oportunidad de tocar solos.
El desarrollo de la big band como medio de jazz estuvo fuertemente influenciado por los logros de Duke Ellington y Fletcher Henderson. El arreglista de la banda de Henderson, Don Lederman, y más tarde el propio Henderson, introdujeron la notación de jazz escrita, que fue ampliamente elogiada por sus esfuerzos por capturar la calidad de improvisación que caracterizaba la música de bandas pequeñas.
Para lograr esta improvisación, Lederman y Henderson contaron con la ayuda de talentosos solistas como el saxofonista tenor Coleman Hawkins y Armstrong, quienes tocaron en la banda de Henderson durante 1924 y 1925.
A finales de la década de 1920, Ellington dirigió una banda en el Cotton Club de la ciudad de Nueva York. Continuó dirigiendo su orquesta hasta su muerte en 1974, y compuso una variedad de obras de concierto experimentales, que van desde "Ko-Ko" (1940) de tres minutos hasta "Black, Brown and Beige" de una hora de duración. (1943), además de canciones como "Lonely" y "Sophisticated Lady". La música de Ellington es más compleja que la de Henderson, su orquesta es un conjunto cohesivo y los solos están escritos para las cualidades únicas de instrumentos e intérpretes específicos. Otras bandas negras que eran populares entre los músicos y el público fueron dirigidas por Jimmy Rensenford, Chick Webb y Cab Calloway.
A mediados de la década de 1930, se desarrolló un estilo diferente de big band jazz en Kansas City, Missouri, y estuvo representado por la Count Basie Band. La banda de Basie se formó originalmente en Kansas City, lo que refleja el énfasis del área en la improvisación, manteniendo los pasajes preparados relativamente breves. Los instrumentos de viento de su orquesta intercambian piezas de conjunto en una interacción libre e intensamente rítmica, haciendo pausas para dar cabida a los solos instrumentales. El saxofonista tenor de Basie, Lester Young, en particular, tocaba con una libertad rítmica rara vez vista en las improvisaciones de solistas de otras bandas. El tono delicado de Young y sus melodías largas y fluidas, junto con alguna que otra trompeta o carcajada vanguardista, abrieron un enfoque completamente nuevo, tal como lo había hecho Armstrong con la trompeta y la corneta en la década de 1920.
Otros creadores de tendencias de finales de la década de 1930 fueron el trompetista Roy Eldridge, el guitarrista eléctrico Charlie Christian, el baterista Kenny Clark y el vibráfono Lionel Hampton. El jazz se volvió cada vez más flexible y estilizado durante la década de 1930. Ivy Anderson, Mildred Bailey, Ella Fitzgerald y especialmente Billie Holiday fueron cantantes importantes. Los europeos también se volvieron más activos en el jazz durante este período. Por ejemplo, Christian fue influenciado por el guitarrista belga Tango Reinhardt, cuyas excelentes grabaciones están disponibles en los Estados Unidos.
La influencia mutua de la música popular y clásica
Los esfuerzos pioneros de Armstrong, Ellington, Henderson y otros dieron al jazz su influencia principal en la música estadounidense de las décadas de 1920 y 1930. Músicos populares, como el director de orquesta Paul Whitman, utilizaron algunos de los métodos melódicos y rítmicos más abiertamente del jazz, aunque con menos libertad y técnica en la improvisación que en la música de los principales músicos de jazz. En un esfuerzo por combinar jazz y música ligera, la banda de Whiteman también estrenó sinfonías de jazz de compositores estadounidenses como George Gershwin. Más cercana a la auténtica tradición del jazz de comunicación instantánea y virtuosismo solista estaba la música interpretada por Benny Goodman (que utilizó muchos de los arreglos de Henderson), Gene Krupa y la Harry James Band.
Los compositores de jazz han admirado la música clásica desde los días del ragtime. Algunos músicos de la era del swing "jazzizaron los clásicos" en obras como "Bach Goes to Town" (escrita por Ale C Wilder y grabada por Goodman) y "Ebony Rhapsody" (grabada por Ellington, entre otros). A su vez, los compositores de música de concierto rindieron homenaje al jazz en obras como Contrast (1938, encargado por Goodman) del húngaro Béla Bartók y "Ebony Concerto" del ruso Igor Stravins Key (1945, encargado por Woody Herman). Otros compositores, como el estadounidense Aaron Copland y el francés Darius Millaud, también reconocieron el espíritu del jazz en sus obras.
Los años 40 y las décadas de la posguerra
El músico de jazz más influyente de los años 40 fue Charlie Parker, quien se convirtió en el líder de un nuevo estilo que a menudo se llama bebop, pero también es conocido como rebop o bop. Al igual que Lester Young, Charlie Christian y otros distinguidos solistas, Parker también trabajó con grandes bandas. Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), las economías de guerra y los cambios en los gustos de la audiencia obligaron a muchas grandes bandas a cerrar. Su decadencia, sumada al nuevo estilo bebop, provocó una revolución en el mundo del jazz.
Bebop todavía se basa en los principios de la improvisación sobre progresiones de acordes, pero el tempo es más rápido, las frases son más largas y complejas, y el rango emocional se amplía para incluir más sentimientos desagradables que antes. Los músicos de jazz comenzaron a realizarse como artistas y, al igual que sus predecesores, comercializaron sus productos añadiendo voces, danza y comedia.
En el centro de la conmoción estaba Parker, que podía tocar cualquier cosa con su saxofón, en cualquier tempo y en cualquier tono. Crea hermosas melodías que se relacionan con acordes subyacentes de manera avanzada, y su música posee infinitas variaciones rítmicas. Los colaboradores frecuentes de Parker son el trompetista Dizzy Gillespie, conocido por su impresionante velocidad y rango vocal, así como por su audaz sensación armónica, así como el pianista Earl "Bud" Powell y el baterista Max Roach, ambos líderes en sus respectivos campos. También son muy respetados el pianista y compositor Thelonious Monk y el trompetista Faz Navarro. La cantante de jazz Sarah Vaughan se asoció con músicos de bebop al principio de su carrera, particularmente Gillespie y Parker.
A finales de la década de 1940 se produjo una explosión de experimentación con el jazz. Las grandes bandas modernas, lideradas por Gillespie y Stan Kenton, florecieron junto con bandas más pequeñas con músicos innovadores como el pianista Lennie Tristano. La mayoría de estos grupos se inspiran en obras del siglo XX de maestros como Bartók y Stravinsky.
Los experimentos de jazz con influencia clásica más influyentes de mediados de siglo fueron grabados en 1949 y 1950 por un inusual desconocido, un protegido de Charlie Parker llamado el joven trompetista Miller Davis. Los arreglos, escritos por Davis y otros, son suaves pero muy complejos. Muchas bandas adoptaron este estilo "cool", especialmente en la costa oeste, por lo que se conoció como West Coast Jazz. El jazz de la costa oeste fue popular durante la década de 1950, gracias a la interpretación magistral de los saxofonistas tenores Zoot Sims y Stan Getz y del saxofonista barítono Gerry Mulligan. También en la década de 1950, el pianista Dave Brubeck (un alumno de Milhard), junto con el saxofonista alto Paul Desmond, se hicieron populares por su fusión de música clásica y jazz.
Sin embargo, la mayoría de los músicos, especialmente los de la costa este, continuaron desarrollándose en la tradición del bebop, más caliente y enérgica. Los principales exponentes del estilo hard bop, o estilo de la Costa Este, incluyen al trompetista Clifford Brown, el baterista Art Blakey y el saxofonista tenor Sonny Rollins, cuyos métodos únicos de interpretación lo convirtieron en uno de los principales genios de una generación. Otro derivado del estilo de Parker fue el soul jazz, interpretado por el pianista Horace Silver, el saxofonista alto Cannonball Adderley y su hermano, el trompetista Nat Adderley.
h Finales de los años cincuenta, finales de los sesenta y finales de los setenta
En el tercer cuarto del siglo XXIV, el jazz adquirió varias características nuevas. Los años alrededor de 1960, junto con finales de los años 1920 y 1940, se consideran uno de los períodos más ricos en la historia del jazz.
H1 Modal Jazz
En 1955, Miller Davis organizó un quinteto, interpretado por el saxofonista tenor John Coltrane, cuyo complejo estilo de interpretación contrastaba marcadamente con las ricas, pausadas y expresivas melodías de Davis.
Coltrane soltó una ráfaga de notas con velocidad y pasión, explorando cada idea melódica, por extraña que fuera, tocó la canción lenta con calma y aplomo; En sus solos mostró un extraordinario sentido de la forma y el ritmo. En 1959, Coltrane apareció en un álbum histórico de Miller Davis, "Kind of Blue". Junto con el pianista Bill Ivins, Davis diseñó un conjunto de composiciones para el álbum que se mantienen en una tonalidad, acorde y modo para 16 me.