El bebedor sonriente
(1628 - 1630)
A Hals le gustan los efectos animados y se esfuerza por mostrar a los personajes en movimiento de forma natural, capturando sus rasgos. expresiones momentáneas. Debido a esto, utilizó la pincelada extremadamente desenfrenada de la época, que era una pincelada que se trasladaba rápida y poderosamente a la pantalla para crear imágenes vívidas. "Gypsy Girl" (c. 1628) es un vívido ejemplo de su método y estilo pictórico. A diferencia de los retratos solemnes que fueron populares durante el Renacimiento, eligió la técnica expresiva de la risa instantánea para representar. Los rápidos trazos del boceto pintaron vívidamente la imagen de una alegre gitana, y el público pareció escuchar su risa. Su método de pintura libre se puede comparar con el Impresionismo más de 20 años después.
La pintura de retratos grupales fue particularmente popular en los Países Bajos, y Hals hizo una gran contribución al establecimiento de este estilo de retrato. La milicia es una fuerza armada en los Países Bajos. Los grupos de vigilantes de varias ciudades suelen pedir a los pintores que representen las imágenes de sus miembros. Hals pintó tres series de retratos de los vigilantes de Harlem, siendo el primero El banquete del vigilante en St. George (1616). En este elogio, los personajes se combinan de forma natural, informal y solemne, reflejando su estilo colectivo. Hals utiliza negros profundos y blancos brillantes para añadir intensidad a sus imágenes, haciendo que su trabajo parezca bastante brillante.
2. Rembrandt
A diferencia de Hals, que se especializó en retratos, y de muchos pintores holandeses que se limitaron a un ámbito limitado, Van Rijn Rembrandt Monce (1609-69) hizo contribuciones sorprendentes. a varias escuelas de pintura y, por la amplitud y profundidad de sus creaciones, es el mayor pintor holandés.
Rembrandt desarrolló su primera carrera artística en su ciudad natal de Leiden. A través de su maestro Lastman, conoció el arte italiano y el claroscuro de Caravaggio le ayudó enormemente a encontrar su propio lenguaje plástico único.
El hijo pródigo
1669
Jesús curó a los enfermos
1648-1650
En la década de 1930, Se mudó a Ámsterdam, la ciudad más importante de los Países Bajos, y pintó un retrato de grupo para la clase de anatomía del profesor Dupu (1632). En la imagen, un grupo de personas escucha una conferencia del famoso anatomista, cuyo verdadero nombre es Peterson. Una luz brillante cae sobre el rostro y las manos del profesor Dupu, así como sobre el rostro y el cuerpo de cada personaje, mientras que todo lo que es de importancia secundaria queda sumido en la oscuridad. Esta expresión resalta fuertemente la viveza de las figuras, derivadas de Caravaggio, pero más naturales y expresivas.
Esta pintura hizo famoso a Rembrandt de un solo golpe, y los pedidos llegaron a un ritmo constante. En 1634, se casó con una chica rica, Sha Shi Ji. Durante este período, Rembrandt disfrutó de la felicidad y el consuelo que puede obtener un pintor popular.
Patrulla nocturna (1642)
Diez años más tarde, Rembrandt, en constante exploración, creó otro retrato de grupo, "Patrulla nocturna" (1642), que atrajo la atención de dramáticos históricos. pinturas y reformó audazmente el esquema de la pintura de retratos de grupo holandés. A diferencia del Banquete de los Militantes de San Jorge y la Clase de Anatomía del Profesor Dupu, donde se puede ver claramente el rostro de cada personaje, esta pintura no tiene el significado de "tomar fotografías". Todos los personajes que aparecen en ella pertenecen a una actividad grupal y son. El efecto caracterizado por el art. Las técnicas de iluminación únicas de Rembrandt se utilizan plenamente aquí, convirtiéndose en un medio poderoso para generar atmósferas, crear espacios, enfatizar puntos clave, representar personajes y dar forma a formas.
Cuenta la leyenda que la novedad del cuadro le trajo desgracia. Aunque sea exagerado, es cierto que Rembrandt ya no es popular. A juzgar por sus logros creativos posteriores, parece confirmar un concepto popular en la antigua China: la poesía es pobre y atrasada. Liberado de las limitaciones del éxito, Rembrandt se volvió hacia adentro y se centró en crear su propio mundo artístico.
En su soledad, Rembrandt creó una serie de conmovedores retratos utilizándose a sí mismo y a sus familiares y amigos como modelos. Rembrandt superó la atmósfera llamativa a veces inevitable de sus primeras obras, ya no consideró los efectos externos y se dedicó a capturar el temperamento espiritual de los personajes y explorar la belleza interior de los personajes. Es esta búsqueda de algo más profundo y eterno lo que da a los retratos de Rembrandt su vitalidad inmortal. Se puede apreciar mejor esto comparando los elegantes retratos de damas de Sargent con su Autorretrato (c. 1665). Los retratos del siglo XVII tienen su propio estilo conmovedor, pero no son tan buenos como Rembrandt a la hora de expresar el rico mundo interior de los personajes.
←Selfie (1660)
La atención a las características del mundo interior de los personajes también se puede ver en la gran cantidad de pinturas religiosas de Rembrandt. Sabemos que la Biblia es la verdadera fuente espiritual en los corazones de los protestantes. Como protestante, Rembrandt fue un pintor con profundos sentimientos religiosos. Estudió repetidamente este libro sagrado, y su experiencia sincera y su mente solidaria hicieron que su mundo religioso pareciera particularmente simple, profundo y estimulante. Entre las muchas pinturas religiosas en Italia, no se encuentran obras como "El Cristo de Ismail" (1648) y "El hijo pródigo" (hacia 1669).
El amor por la gente corriente reflejado en sus óleos también se revela en la plancha de cobre "Cristo salva a los enfermos" (ca. 1648-1650). Rembrandt fue otro grabador después de Durero, pero en comparación con Durero, sus grabados eran más simples y flexibles. En cierto modo, se parecen a sus expresivos bocetos. Ambos son también partes sumamente valiosas de su legado artístico.
3. Los pintores personalizados y Vermeer
En países como Italia se puede decir que las pinturas de género son inexistentes, sin embargo, en los Países Bajos sí existen pinturas que representan escenas de la vida cotidiana; muy común. Muchas ciudades tienen sus propios pintores de género, entre los cuales los pintores de género de Delft tienen los logros más destacados. Aunque las pinturas de género reproducen diferentes escenas de la vida, su tema favorito es la tranquila vida familiar.
Peter de Hog o Hogg (1629-1684) nació en Rotterdam, pero sus obras más famosas fueron creadas en Delft. El óleo "El patio" (1658) muestra con precisión y delicadeza la vida doméstica de las mujeres holandesas. En un rincón del ordenado patio, una madre arrastraba a su hijo escaleras abajo. En cambio, otra mujer estaba parada en el pasillo de espaldas a la audiencia. Este tratamiento de la luz, la oscuridad y el silencio juega un papel importante a la hora de transmitir vívidamente el ideal de vida pacífica y cómoda que fascina a los holandeses.
←Armario (1663)
Gerard terborch (1617-81) también fue un experto en recrear una vida interior confortable. Las mejores obras de Turbo fueron pintadas principalmente después de su instalación en Venter. Era particularmente bueno representando seda y otros tejidos, mostrando su brillo y textura especiales. Con una pincelada meticulosa, disfrutó retratando a las mujeres magníficamente decoradas en la agricultura de interior y a los hombres que las acompañaban, dejando un perfil de la vida de los ricos en los Países Bajos para las generaciones futuras.
Otros pintores populares como Adrian Brouwer (L605/1606-1638) que trabajó en Amberes, Flandes y Ostad (161685) en Harlem.
Jam Steen (1626-1679) fue compatriota de Rembrandt y discípulo de Ostad. Fue un pintor muy creativo. Para ganarse la vida, dirigió un pequeño hotel, que le proporcionó ricos materiales creativos. Jan Steen es bueno en la narrativa, lo que no es difícil de encontrar en sus pinturas que muestran escenas folclóricas animadas y alegres.
Frente a las obras de estos "pequeños maestros" de los Países Bajos, aunque admiraremos su talento y habilidad para reproducir vívidamente escenas de la vida y representar fielmente el mundo material, no podemos evitar sentirnos arrepentidos: su el entusiasmo es superficial y el mundo es mediocre. Cuando acudimos a la pintura de género de la misma escena de Jan Vermeer (1632-1675), nos daremos cuenta claramente de que el tema no es tan importante para una obra de arte, la clave está en cómo se representa, en qué representa. estilo y reino.
Vermeer vivió y trabajó en Delft. Entre los tres pintores más importantes de los Países Bajos, solo fue superado por Rembrandt. Vermeer dejó sólo unas 40 obras, la mayoría de las cuales son bellas pinturas.
Las escenas de la vida interior descritas por Vermeer son extremadamente sencillas. Uno o dos personajes (a menudo mujeres jóvenes) permanecen tranquilamente en una habitación limpia, con la luz filtrándose desde las ventanas laterales, envolviendo a los personajes en una atmósfera de aire transparente y uniformemente difundido. La realidad ordinaria parece purificarse y sublimarse, haciendo que todo parezca extraordinario. La composición estática, la forma concisa, el espacio claro, los colores brillantes e incluso la luz constituyen un mundo armonioso y tranquilo, que irradia una atmósfera trascendente y fresca como el arte griego antiguo.
Estudio
(c. 1665-1670)
A diferencia de la mayoría de los pintores personalizados, Vermeer no se centró en representar tramas y contar historias. Presta más atención a la forma y la utiliza para crear un ámbito poético. Su pincel parece tener poderes mágicos.
Una vez que se toca la imagen, brillará con un brillo único y conmovedor, y la vida ordinaria se convertirá en una maravillosa combinación de forma y color. Al igual que Rembrandt, Vermeer fue un maestro de la luz, pero no persiguió efectos dramáticos, sino que utilizó la luz para crear un mundo rigurosamente estructurado y coherente. Teje algunos colores brillantes y delicados en este mundo, agregándole así un encanto encantador. Galletas vertiendo leche (hacia 1663), mujer pesando perlas (hacia 1665), mujer joven sosteniendo un cántaro (hacia 1665), estudio (hacia 1665-1670)
Vermeer y Rembrandt Ninguno es un pintor paisajista profesional, pero todos crearon maravillosas pinturas de paisajes. La "Vista de Delft" de Vermeer (ca. 1660) no parecería inferior si se colocara junto a cualquier obra maestra de cualquier paisajista holandés. En esta obra horizontal y vertical, transmite la tranquila belleza de esta ciudad holandesa en un gesto pacífico.
4. Paisajista
Los holandeses, que lucharon por la libertad y la independencia, amaban el país en el que vivían y les gustaban las pinturas que representaban su patria. En esta situación surgieron un gran número de paisajistas y, gracias a sus esfuerzos, floreció la pintura de paisajes holandesa. Al igual que los pintores de otros géneros, estos pintores tienen sus propias áreas de especialización y todos tienden a ceñirse a sus propios temas populares y explorar repetidamente dentro de este rango. Sabemos que los pintores franceses e italianos que se dedicaron a la creación de pinturas de paisajes ideales en el siglo XVII pintaron paisajes de memoria o los dibujaron en el estudio. Aunque los paisajistas holandeses eran más fieles a la naturaleza real, también se dedicaban a la creación en el estudio. Mucho tiempo después se enfrentaron realmente a la creación de bocetos en la vida real.
Jan van Goyen (L596-1656) fue la primera generación de pintores paisajistas, buenos para expresar paisajes fluviales. Su obra maestra "Paisaje rural" (alrededor de 1645) reproduce fielmente el paisaje natural de los Países Bajos. Las nubes ocupan la mayor parte del encuadre y la baja presión en el horizonte acerca al espectador a la escena junto al río. Este método de composición se ha convertido en una técnica común en la pintura de paisajes holandesa.
Pieter saen redam (L597-1665) fue contemporáneo de Gojano y fue un pintor muy especial. La mayoría de los paisajistas representan paisajes naturales al aire libre. Cuando expresan edificios, a menudo representan la apariencia. Saenledam es diferente. Le encantaba mostrar el interior de los edificios. Observar sus obras, como la Iglesia de San Bavón (1660), de paredes blancas, nos permitirá apreciar la sencillez del protestantismo holandés. En un entorno así, es imposible producir arte como Italia. La capacidad de Saenliedam para recrear el espacio arquitectónico se desarrolló plenamente en una serie de obras que representan interiores de iglesias.
Los representantes del apogeo de la pintura paisajística holandesa fueron Jacob van Reisdael (1628/1629-1682) y su alumno Hobbema (1638-1700).
Lesdale nació en Harlem y se trasladó a Ámsterdam en 1657, donde aceptó muchos discípulos, entre ellos Hobbema. Rysdale pintó una amplia variedad de temas. En esas pinturas de paisajes menos coloridas, transmitió vívidamente las cambiantes formas naturales, la luz y la atmósfera, integrando sentimientos subjetivos en paisajes objetivos. "Vista de Harlem" (hacia 1670) utiliza una composición abierta para mostrar el paisaje de los suburbios de la ciudad. Las nubes se mueven alto en el cielo y la luz del sol se proyecta desde las nubes, dando un fuerte contraste con el paisaje en el suelo. Toda la obra es vívida y dramática.
El molino de viento de Wick (1665)
En comparación con los maestros famosos, las pinturas de Hobbema son más pacíficas. Su obra maestra "Middlehanes Avenue" (1689) tiene un sentido clásico de equilibrio y claridad. La composición expresa fuertemente el paso del espacio, brindando a las personas una sensación de inmersión y convirtiéndose en un modelo de perspectiva.
←Middlehannis Avenue (1689)
5. Pintor de bodegones
Como variedad pictórica independiente, la pintura de bodegones se estableció y se hizo popular en el siglo XVII. . Aunque la pintura de bodegones había aparecido ya en la antigua Roma, los pintores italianos que heredaron la tradición clásica durante el Renacimiento nunca la tomaron en serio. Bajo la influencia de esta actitud, muchos pintores del siglo XVII rara vez se dedicaban a la creación de naturalezas muertas, excepto en los Países Bajos. Porque los holandeses, que amaban la vida doméstica, tenían un sentido de lo que tenían que ver con ella.
El interés llevó a muchos pintores holandeses a invertir en la pintura de bodegones, dando así a este género de pintura un lugar en la historia del arte.
Empleado (Pete Cleitz, 1597/1598-161) y Hedda (William Cleitz Hoda, L599-1680/1682) que trabajaron en Harlem. Los artículos de desayuno del primero (1637) y la naturaleza muerta del segundo (hacia 1648) pueden hacer que la gente vea sus similitudes y diferencias.
Jan Davidsz Deheem (L606-1683/1684), más joven que ellos, es también un famoso pintor de bodegones. En comparación con los dos pintores mencionados anteriormente, pintó una gama más amplia de temas y la composición era más fácil de manejar.
William Cave (L 619-1693), nacido en Rotterdam, es quizás el pintor de bodegones más destacado de Holanda. Se dedica principalmente a actividades creativas en Ámsterdam. Las obras de Kraft son famosas por su buen uso de la luz y el color de la tela. Generalmente son más generales y simples, y hasta cierto punto parecen combinar algunas de las características de Rembrandt y Vermeer.
Por cierto, Rembrandt no fue un pintor de bodegones, pero su obra maestra "La vaca desollada" (1655) es una obra maestra de la pintura de bodegones. La pasión dramática y el impulso conmemorativo que se desborda de ella son los anteriores. -mencionó bodegones fuera del alcance de los expertos en pintura.